De galerías con Amaury

Pepe Nebot. Un arte Pop de muy mal gusto.

2012-01-29T12:17:00.012+01:00

Estimados lectores.

El pasado martes 24 de enero quedó inaugurada la exposición del pintor Pepe Nebot (Castellón -1963) en el Centro Cultural Provincial de las Aulas de nuestra ciudad. La muestra que abarca más de una docena de obras, muchas de ellas de gran formato y en técnica acrílica sobre tela, permanecerá abierta al público hasta el próximo día 25 de febrero.

Han sido muchos los artistas que dentro de la corriente del Pop Art, (lenguaje de donde bebe directamente este pintor) han llevado a sus obras el tema del erotismo, la sensualidad y la desnudez femenina con un sentido a veces estético, otras de reflexión y en algunos casos de denuncia y reivindicación sobre el papel que juega esta en la sociedad, entre otras, pero en todas ellas, los resultados han sido tratados con un rigor que abarca tanto lo técnico, como lo conceptual, por ejemplo está el caso de pintores tales como el californiano Mel Ramos con sus sensuales chicas ligeritas de ropa, a veces desnudas, que el artista idealiza a lo “pin-ups girls” vinculándolas a productos de consumo de conocidas marcas, (primera imagen), Tom Wesselmann que trabaja los cuerpos desnudos de la mujer en una singular visión más estética, esquematizando su anatomía a partir de tintas planas y reduciendo su esencia de genero a los signos sexuales más evidentes y sugerentes como los pechos expectantes, el bello púbico y bocas sonrientes de labios pintados, que nos hacen pensar en una nueva concepción del sexo y el erotismo de la mujer en las sociedades de consumo y que el pintor nos muestra como un producto más de satisfacción y deseo (segunda imagen). Y por último, la figura más destacada del movimiento Pop Art norteamericano, el polifacético Andy Warhol, que supo como nadie elevar a categoría de arte los más variados productos de consumo e iconos de las sociedades capitalistas, lo cual incluía a actores, políticos y a aquellas famosas estrellas del cine, la televisión y la moda como así se refleja en sus famosas series dedicadas a Elizabeth Taylor, Liza Minnelli y la más conocida de todas, la mítica actriz y sex-symbol Marilyn Monroe (tercera imagen). Pero tanto en estos autores como en muchos otros, y que por una cuestión de espacio no he querido incluir, las obras de todos ellos recogen una calidad técnica impecable y un sentido estético que ilustra profesionalidad y rigor, así como un claro atractivo que se recrea tanto en la imagen como la propuesta del discurso de la obra, algo que le otorga una elevada calidad y distinción tanto a la obra como al propio artista.

He creído necesario acudir a estos antecedentes iconográficos, para ilustrar con reconocidos ejemplos de similares características expresivas y de lenguaje, la opinión que me merece la obra del caso que nos ocupa. En esta exposición de Pepe Nebot, puede resultar cuanto menos curioso para muchas de las personas que la visiten, (al menos para mi lo fue) que alguien con una carrera al parecer tan próspera y prometedora, como así lo demuestra un currículum donde se reflejan varios premios y reconocimientos en sus años de juventud, llegue en su madurez como pintor, a un resultado tan pobre en calidad técnica y mal gusto en la propuesta discursiva, como es el caso que se nos muestra en el conjunto de obras de esta exposición. Obras que han convertido a la rica y siempre fresca iconografía Pop, en un resultado muy vulgar y caricaturesco, más propio de esos pornográficos dibujos de una puerta de baño de una sala X, que de una imagen recreada por un artista en un lienzo, para luego ser mostrada en una sala de arte. Y no es que el tema me sonroje y me considere un pudibundo por presenciar la más intima desnudez de una mujer; como hombre y pintor, el cuerpo de una mujer siempre ha sido para mí el más sublime templo del deseo y la belleza, pero precisamente por predicar tal devoción, siempre le he otorgado la dignidad y el respeto que merece. Sentimiento éste que al parecer, pienso que no comparte en su obra el pintor Pepe Nebot, pues sinceramente sólo veo en esta exposición a una mujer tratada como frío objeto de satisfacción sexual, mostrando su secreto mejor guardado y donde más que honrar, se deshonra ante los ojos de todos. Es curioso como en sus obras otro pintor, el francés Toulouse-Lautrec, muy alejado de este en tiempo y lenguaje, mostró a sus modelos (putas de profesión) con mucho más respeto, dignidad y belleza que a las famosas modelos y actrices que son pintadas por Pepe Nebot en los cuadros de esta muestra. Quizás sea Nebot hoy el recuerdo triste de un pasado glorioso y su espíritu creativo se haya disipado como el humo de un cigarrillo en un club de alterne o quizás esa sea su motivación, pero en cualquier caso, tanto el discurso, como la forma de recrearlo resulta vulgar, aficionada y de muy mal gusto, evidenciándose no solo una incoherencia en el discurso, sino además grandes carencias técnicas en los resultados.

Y soy consciente de que puedo errar en la interpretación de lectura de su propuesta, quizás precisamente Nebot pretende hacernos reflexionar sobre nuestros gustos y actitudes más íntimas cuando “consumimos” revistas que nos venden a la mujer como un objeto más de consumo en estas sociedades, quizás quiera decirnos que nadie está a salvo de ser un producto más en las vitrinas o catálogos de ventas, puede ser todo eso, pero lo que si es palpable es que existen grandes deficiencias técnicas que no se corresponden ni justifican en el discurso, ni con la experiencia que debería tener un pintor con su trayectoria.

Por esa razón pienso que si bien la intención que pudiera recoger su obra lo dignificaría como hombre, los resultados de sus obras lo desacreditan como pintor. Pues esto es a todas luces un arte Pop de muy mal gusto y carencias técnicas.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

De galerías con Amaury: Ripollés. Pan para hoy… ¿Y mañana que? II Parte

2012-01-19T10:41:00.004+01:00

Ripollés. Pan para hoy… ¿Y mañana que? II Parte

De galerías con Amaury: Juan Ripollés. ¿Calidad o Marketing? ¿Gusto o Inve...

2012-01-17T15:21:00.002+01:00

Juan Ripollés. ¿Calidad o Marketing? ¿Gusto o Inve...

Reflejos cotidianos sobre una cotidianidad deformada.

2012-01-12T21:20:00.022+01:00

Estimados lectores.

El pasado miércoles 11 de enero a las 19:00 horas, quedó inaugurada en el salón del centro cultural Castalia Iuris de nuestra ciudad, la exposición titulada “Reflejos cotidianos”, de la joven pintora castellonense Mari Carmen Vidal (Onda, 1978). Vidal es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de San Carlos en Valencia y aunque no cuenta con una larga trayectoria profesional, ha podido beber de las mieles del reconocimiento y el éxito, precisamente en esa misma sala hace dos años con su anterior muestra titulada “Los fantasmas del Avenida”, donde la autora recreó escenas de afamadas obras del celuloide, en un claro homenaje al cine y también al espacio donde hoy se encuentra ubicado el centro cultural Castalia Iuris, donde antaño se hallaba emplazado el popular cine “Avenida” de nuestra ciudad. En esta ocasión, Vidal nos presenta una propuesta diferente, pero igualmente válida y agradable, que testimonia el buen hacer de esta pintora.

El sugerente mundo de la imagen reflejada o de los reflejos, ha sido motivación para muchos artistas, entre los que destacan los del movimiento hiperrealista norteamericano de finales de los años 60, como el californiano Don Eddy, con sus automóviles de diseño escarabajo de la marca Volkswagen, Tom Blackwell, con su obsesivo apego a la emblemática motocicleta Harley-Davidson y sus característicos cromados, la neoyorquina Audrey Flack, con sus fulgurosos bodegones llenos de brillos y feminidad, el canadiense Jason de Graaf, con sus esferas espejadas y también por el más internacional de todos, el gran Richard Estes (en la imagen) que ha sabido como nadie hacer del efecto reflejo, el “leitmotiv” de casi toda su creación artística.

Con lenguaje fotorrealista, Vidal nos invita también a disfrutar del sugerente mundo de los reflejos pero en esta ocasión, de lugares más cercanos y propios de nuestro entorno, donde el tema elegido siempre idéntico, siempre cambiante, nos estimula a un cuestionamiento sobre la realidad que observamos, a veces con preocupación, sobre una cotidianidad deformada. Lectura esta que aparece cuando los motivos y objetos reflejados sobre las lunas de los coches, las superficies bruñidas del metal o el efecto espejado del agua, deforman o alteran aquella imagen que se refleja en ellas, convirtiendo al dibujo de las formas en monstruos fantásticos, a veces irreconocibles, como aquellos que encontramos en los desnudos femeninos de las fotografías de André Kertesz (en la imagen).

Mari Carmen Vidal es una digna representante de esta motivación y lenguaje, aún cuando sus obras por sus dimensiones (mucho más pequeñas) no recogen la espectacularidad visual de las de estos grandes maestros contemporáneos, que suelen abordar estos temas en cuadros que sobrepasan ampliamente los tres metros por ambos lados. A pesar de ello, el rigor técnico en la factura y acabado de las mismas, dotan al resultado de un incuestionable valor que le otorga a esta joven pintora un loable reconocimiento por su trabajo.

Pero lamentablemente no todo es valía en la exposición “Reflejos cotidianos” de Mari Carmen Vidal, sin duda los resultados de sus obras son más meritorios, cuando no representa la figura humana. Es en los objetos a modo de bodegones o naturalezas muertas, o en el difícil género del paisaje, donde esta pintora hace realmente gala de un buen manejo del oficio; evidenciando su gran preocupación por las características texturales de las superficies que recrea, así como por el cuidadoso tratamiento que hace sobre el comportamiento de la luz que incide sobre ellas y que hábilmente, esta pintora sabe representar con gusto y maestría. Algo que le otorga al resultado de su trabajo una incuestionable calidad, que se ve manifestada en la fidelidad y descripción formal de una realidad que partiendo de la fotografía, ella sabe traducir en un magnífico resultado pictórico. Y aun cuando son realmente muy escasos los ejemplos de esta exposición, donde se aborda la figura humana (y que en ningún modo desmeritan al conjunto) debo decir que en este aspecto el resultado es aún insuficiente y pobre (según se exige en este tipo de lenguaje) evidenciando de alguna manera el desconocimiento que se tiene sobre la estructura anatómica del cuerpo, algo que se manifiesta en el empleo y tratamiento de un claro oscuro de gran dureza y que en ocasiones, desdibuja y no se corresponde a la lógica anatomía del cuerpo humano. Es por ello que recomendaría a esta pintora un mayor estudio y maduración en este aspecto relacionado con la figura humana, antes de decidir exponerlo al público. Y que por otra parte, centrara más su gran potencial de oficio y técnica en el mundo de los objetos y el paisaje donde su virtuosismo es realmente connotado y palpable. De ese modo garantizaría un resultado más equilibrado y sólido en la calidad expositiva de su trabajo en futuras exposiciones.

A pesar de esta pequeña observación tengo que decir, que la exposición “Reflejos cotidianos” de la joven pintora castellonense Mari Carmen Vidal, es una de esas muestras que bien vale la pena visitar y de ser posible, varias veces, pues sin duda su calidad técnica y belleza nos harán pasar un agradable momento, donde una vez más, la gran dama de la pintura, será la autentica protagonista.

La muestra permanecerá abierta hasta el próximo día 8 de febrero y podrá ser visitada libremente por el público de lunes a jueves desde las 9:00 hasta las 14:30 horas en las mañanas y de 16:30 hasta las 19:00 horas en las tardes, los viernes solo en las mañanas, desde las 9:00 hasta las 14:30 horas.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez.

Cuando Arte y Tecnología habitan en un buen resultado.

2012-01-06T19:04:00.006+01:00

Estimados lectores.

El pasado lunes 2 de enero quedó inaugurada en el Centro Cultural Provincial de las Aulas de nuestra ciudad, la exposición “Urban Space” (Espacio Urbano) del artista turolense Juan Zurita (Aguaviva, 1975). Zurita ha cursado estudios en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios de Zaragoza y Barcelona. En la Escuela Massana de Barcelona se graduó en Artes Plásticas y Diseño y además es graduado de Arte y Diseño por la Universidad Autónoma de Barcelona en el año 2003. Siendo aun estudiante de esta última, en el año 2001 realiza su primera exposición individual y desde entonces su carrera como pintor ha sido imparable, obteniendo en el 2007 la quinta Beca que otorga la Diputación de Teruel para la formación de artistas turolenses, permitiéndole mostrar su trabajos en diferentes ciudades del territorio nacional así como participar en diversos eventos y concursos donde obtiene no solo varios premios y reconocimientos por su trabajo, sino el beneplácito de la crítica especializada, entre las que destacan la de D. Rafael Ordóñez Fernández, comisario de exposiciones y jefe del Servicio de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza y de personalidades tan importantes como la del escritor y crítico de arte D. Juan Manuel Bonet, antiguo director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Según declara el propio artista en publicaciones a las que he podido tener acceso, su trabajo creativo se desarrolla a partir de referentes fotográficos, en su caso, fotogramas de vídeo que luego retoca digitalmente para obtener un resultado específico, que utiliza a la vez como referencia para representarlo de manera pictórica, empleando para ello una técnica tan tradicional y representativa del oficio del pintor, como es la del óleo sobre tela y que Zurita plasma en sus obras, con un tratamiento muy descriptivo y de gran fidelidad a ese lenguaje digital de referencia. Algo que pretende provocar en nosotros y según las propias palabras del autor “una ambigüedad creada por la combinación de la sensación de realidad que ofrece la fotografía y lo subjetivo e imaginario que subyace de la pintura” o lo que es lo mismo, transformar la realidad física, en realidad pictórica, frase esta que acostumbro de decirles muchas veces a mis alumnos cuando imparto las clases de color en mi estudio.

En la exposición que nos ocupa, la distribución espacial de la muestra en la sala, nos transmite un concepto expositivo muy agradable y elegante en su conjunto, de gran claridad visual, que curiosamente contrasta con los motivos de las escenas elegidas por el artista, donde en su inmensa mayoría aluden a escenarios urbanos nocturnos de ciudades modernas. La factura y acabados de las obras arrojan a su vez un resultado de gran exquisitez técnica que denota profesionalidad y rigor, llegando incluso a transmitirnos esa huella de “frialdad” visual que tanto caracteriza al lenguaje fotográfico y de los medios que se relacionan. Sin duda estamos en presencia de una excelente muestra desde el punto de vista técnico, donde el recurso tecnológico puesto al servicio del resultado artístico, no solo congratula a la obra que se exhibe, sino además a la arraigada condición del pintor, que abiertamente Juan Zurita defiende cuando dice en una entrevista reciente… “Me siento pintor incluso cuando hago un vídeo”. Y es que los medios de lenguaje y expresión bien utilizados en su cualidad de útiles herramientas, siguen aportando y enriqueciendo a “eso”, que para muchos defensores tendenciosos de lo “moderno”, es una actividad o condición obsoleta en el arte actual y donde curiosamente ejemplos tan buenos como este, no podrían tener cabida en esa bien llamada “enfermedad de lo nuevo” de la que tan inteligentemente nos habla José Javier Esparza en su libro, “Los ocho pecados capitales del arte contemporáneo”.

Desde el punto de vista discursivo, Juan Zurita actúa como un comprometido cronista de su momento y época, reflejando en sus obras una realidad urbana y nocturna, común de las grandes ciudades modernas del primer mundo, donde el elemento humano de las imágenes se muestra distorsionado, impersonal y a veces deshumanizado, gracias al efecto desfigurado del dibujo (similar al que vemos en una fotografía muy desenfocada) y también a la saturación cromática de las escenas, donde el color actúa como un recurso de gran sugerencia y expresividad. Quizás Zurita nos quiera demostrar con ello, uno de los elementos particulares de estas sociedades capitalistas donde el consumo y la moda, forman parte del más representativo “leitmotiv” de sus usos y costumbres. O quizás quiera hacer referencia al característico anonimato que vive el ser humano en las sociedades cosmopolitas, donde la individualidad se funde en el conjunto, haciendo de lo “único” una masa deforme y sin rostro. Quizás sean otras las lecturas, pero en cualquier caso el “Urban Space” (Espacio Urbano) que nos propone Juan Zurita con esta exposición, es un magnífico ejemplo que podemos disfrutar cuando Arte y tecnología habitan en un buen resultado.

Enhorabuena por esta excelente exposición la cual permanecerá abierta al público hasta el próximo 21 de enero y que podrá ser visitada de lunes a sábado en los horarios comprendidos entre las 10:00 y las 14 horas en las mañanas y desde las 17.00 hasta las 21:00 horas en los horarios de tardes.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

Un lenguaje con sentimientos.

2011-12-25T14:39:00.016+01:00

Estimados lectores.

El pasado jueves 15 de diciembre, la Fundación Caja Castellón-Bancaja presentó en la Sala Bancaja Hucha, ubicada en la calle Enmedio 82 de nuestra ciudad, la exposición titulada “La Lírica de la Abstracción” del recientemente fallecido pintor Valenciano Fernando Peiró Coronado (Alaquàs 1932-Benicarló 2011) y que agrupa alrededor 30 piezas entre pinturas y dibujos de este pintor.

La obra de Fernando Peiró que en estos momentos se encuentra expuesta, con algún ejemplo figurativo en sendos auto retratos del autor, está enmarcada en un escrupuloso informalismo de vertiente abstracto matérica, muy de moda y expandida en España en los años mozos del artista y que recoge los ecos y las influencias de aquellas obras de destacados pintores como fueron los integrantes del Grupo “Dau al Set” surgido en Barcelona en el 1948 con Joan Ponç, Joan-Josep Tharrats, Modest Cuixart y el más internacional de todos, el catalán Antoni Tàpies, como también los del grupo “El Paso”, formado unos años más tarde en 1957 en Madrid, integrado por Rafael Canogar, Luis Feito, Manuel Viola, Antonio Saura y Manolo Millares, considerados como uno de los primeros referentes de la vanguardia artística española de posguerra que cultivaron diversas vertientes de la abstracción como lenguaje expresivo dentro de sus obras y que bebían a su vez de sendas influencias que comprendían el informalismo Francés con artistas tales como Jean Fautrier, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, y Jean Dubuffet entre otros y del Expresionismo Abstracto norteamericano, con Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko y Arshile Gorky a la cabeza.

A pesar de las claras influencias que evidentemente existen tanto en la obra de Peiró, como también en la de muchos otros artistas de aquellos momentos, (años 60 y 70) su elección por este tipo de lenguaje vendría a justificar de alguna manera un discurso que se manifestaría principalmente en la necesidad de exponer con sus obras un contenido o lectura de mayor compromiso tanto en lo ético, como en lo estético. Intención esta que viene avalada por un momento histórico de profundos cambios en el terreno de lo social, lo político y cultural. Permitiéndole al pintor ya coronado como ente activo dentro de la cultura y la sociedad, a posicionarse en una determinada manera de pensar, ver y defender tanto el arte, como la vida.

En el análisis técnico de las obras de Peiró, vemos como existe una gran preocupación por los aspectos texturales y compositivos, el cromatismo expresado en una oscura paleta de pardos terrosos, nos envuelven en una atmósfera intimista, intelectual y de gran misterio discursivo. La amplitud textural que logra con el recurso del grafiado y el collage, que el autor emplea con habilidad y orden, nos transmite una enigmática expresividad que nos hace disfrutar de unos acabados de gran riqueza visual. La tridimensionalidad física que acompaña a los objetos que se adhieren a la planimetría del soporte a veces madera, otras cartón, como conchas, plumas o pequeños trozos de espejos, busca una integración visual (no siempre lograda) en un entorno de gran plasticidad, donde la amplitud de los recursos utilizados son controlados y repartidos en un escenario de proporciones discretas haciendo de la obra (como en su momento fue) la ideal ilustración para el poema de un amigo.

La obra de Fernando Peiró Coronado, es el fiel testimonio de una España de transición, donde los valores humanos de virtud (ahora tan escasos y confusos) hacían del arte y la cultura un hermoso calidoscopio de variados lenguajes, discursos y contenidos, donde a toda propuesta se le otorgaba un valor, el que tenía, no otro, el justo, el que estimulaba al merito del esfuerzo, al trabajo y la constancia y como no, al resultado final de la obra. Aquel que impedía llamar artista al que no lo era, o maestro (que aun siendo autodidacta) se diferenciaba del simple aprendiz, o connotado pintor, al que solo era un humilde aficionado de la pintura y no más. Un momento donde el “frikismo” (tan común hoy en día) debía ser acompañado del talento o era simplemente considerado una enfermedad psiquiátrica, donde la objetividad y profundidad de los análisis de las cosas y los fenómenos no llamaban a confusión y lo relativo no era contradictorio ni permisivo. Mucho hemos cambiado y no siempre para bien, quizás sea cuestión de revisar lo que se hizo y sobre todo analizar el porqué y para qué se hizo, quizás de ese modo comprendamos los motivos que tuvo el querido José Antonio Labordeta para seguir siendo durante toda su vida el fiel amigo de D. Fernando Peiró Coronado.

Descansen en paz maestros

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Videos relacionados con el texto:
http://youtu.be/tBxbaG0zXoo
http://youtu.be/n65kEMWQz_0
http://youtu.be/gH6sBFoe-pE

Un espacio de posibilidades limitadas en la obra de María Ordóñez.

2011-12-16T15:53:00.010+01:00

Estimados lectores

El Centro Cultural Provincial de las Aulas inauguró el pasado martes 13 de diciembre, la exposición titulada “El espacio de las infinitas posibilidades” de la pintora y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de San Carlos en Valencia María Ordóñez. Quizás hubiera sido más oportuno o aconsejable inaugurar otro día, pues las profecías a veces se cumplen y creo que este caso, es un buen ejemplo de ello.

Según recogen algunos pocos medios que he consultado y que se han hecho eco de la muestra, la misma pretende recuperar una visión ensoñadora de la realidad, que esta artista plástica castellonense agrupa en una veintena de obras, entre las que se encuentran “Las tres gracias de las Vegas” y “El sueño de una noche de verano”, no sé si esta última inspirada en la obra de Shakespeare, en la obertura musical del compositor alemán Félix Mendelssohn, o en la adaptación cinematográfica que hiciera el director estadounidense Michael Hoffman con una bella Michelle Pfeiffer en el papel de Titania como reina de las hadas. También los medios aluden como su “Curriculum vitae et studiorum” que la Ordoñez ha expuesto en las principales salas de la provincia, entre ellas Pictograma, Castalia Iuris o la Casa de l’ Oli de Vila-real. Además que ha sido fundadora de la Associació de Nous Comportaments Artístics y finalista en numerosos certámenes pictóricos. Lo cierto es que la impresión que he recibido al visitarla es de gran decepción por la simpleza técnica y conceptual de sus obras, lo cual alude a un resultado muy aficionado y pobre. Y con ello no me refiero solo a estos dos últimos ejemplos, sino a la muestra en general, haciéndose si cabe más sorprendente y preocupante mi percepción, si tenemos en cuenta que quien expone es una licenciada en Bellas Artes y por lo tanto una especialista en esta rama del arte.

Los recursos plásticos son tratados en un sentido muy elemental de sus tratamientos, donde el uso repetitivo y simple del “accidente” en lo gestual de las manchas, arroja un cromatismo que poco arriesga y nada propone ni en su concepción espacial compositiva, (donde muchas veces resulta caótico en el equilibrio de las masas visuales y cromáticas) ni en los colores empleados generalmente de uso muy aficionado en sus mezclas. El dibujo, aunque con clara intención de esquematizar las formas humanas, resulta insuficiente evidenciando una indudable carencia en este aspecto, que lejos de buscar la siempre aludida “expresividad” de la que muchos hablan para justificar el mal dibujo, aquí vemos ejecutada con claro temor y desconocimiento de la estructura anatómica. Y ya sé que posiblemente la intención que refiera esta pintora con relación al lenguaje que ha utilizado en sus obras es la de no pretender mostrarnos una visión naturalista, fiel o descriptiva del objeto (que es lo que se suele decir cuando no se tiene tanta destreza en estos aspectos) pero en cualquier caso, tanto en su aspecto formal, como en su “innovadora” propuesta discursiva, el resultado sigue siendo pobre, simple y muy trillado.

Siempre he sido del criterio, que los conocimientos que se adquieren en los estudios de cualquier especialidad dentro de las artes, e incluso dentro del saber humano en general, es un factor que de alguna manera nos ayuda a distinguirnos de aquellos que no lo tienen, o que solo lo tienen de una forma superficial o aficionada del fenómeno o especialidad en cuestión, ya que de no ser así, podríamos caer en el craso error de llamar y considerar electricista a aquel que solo nos cambia una bombilla del salón cuando se nos funde; fontanero al que nos arregla un grifo cuando gotea o médico a aquel que nos prescribe una aspirina para un dolor de cabeza, convirtiendo a la especialidad y por consiguiente al especialista, en algo o alguien carente de importancia, distinción y significado. Es por ello que la complejidad técnico-conceptual de un cuadro realizado por un licenciado en arte, debiera ser portador de la excelencia técnica que nos describa el valor de un especialista del ramo y no el resultado simple, carencial y limitado que podríamos apreciar en alguien que no ostenta y acredita un título. Y no es que quiera decir con ello que la obra de un profesional deba ser siempre compleja e inalcanzable tanto en lo técnico como en lo discursivo, No, en mis años de experiencia he visto a algunos buenos ejemplos de pinturas donde sus autores sin poseer el título de la especialidad, pero sí motivados por la investigación constante, el amor al conocimiento y la dedicación al trabajo, hacían valer un resultado en sus obras francamente elevado en su calidad técnica y también en sus propuestas. Y es que no es lo mismo ser sencillo que simple; la sencillez entendida como síntesis para abordar y explicar de manera didáctica las cosas y los fenómenos complejos, (como los que se plantean también en el arte) es sin duda un elevado ejercicio de la razón y la inteligencia de lo elevado, pero una cosa es ser sencillo y hacer de la síntesis una virtud y otra bien distinta es ser, realizar o abordar las cosas de manera simple, insustancial o pueril, lo cual encierra una condición de pobreza intelectual que pudiera verse reflejado tanto en el análisis de los conceptos y categorías, como en los aspectos técnicos, arrojando de ese modo gran banalidad de los discursos que se transmiten. Por ejemplo, podemos recrearnos e incluso instruirnos a través del lenguaje sencillo y directo empleado en la obra literaria del vallisoletano Miguel Delibes, podemos conocer de la profundidad del dolor y el drama en las formas esquemáticas realizadas por Picasso en las figuras del Guernica o disfrutar de la sencilla estructura musical que emplea Mozart en muchos de sus conciertos pero en ninguno de estos casos los resultados pudieran calificarse de simples, fáciles o aficionados.

Por todo ello debo decir que es una pena que en esta exposición de María Ordóñez “El espacio de las infinitas posibilidades” que permanecerá abierta al público hasta el próximo 31 de diciembre, en el centro cultural provincial “Las Aulas” las posibilidades hayan sido tan limitadas y no infinitas como nos propone su autora, espero y deseo que en la próxima (si es que decide seguir exponiendo su trabajo al público) estas sean más amplias y sobre todo respondan a la calidad y profesionalidad que se debe exigir de alguien, que como la propia autora ha señalado, desea introducirse por meritos propios en el mercado internacional del arte, por lo pronto no ha sido este un buen comienzo, no sé si porque era martes 13 o porque necesita tomarse algún tiempo de necesaria reflexión y estudio para volver a exponer sus propuestas.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez.

La belleza con sello propio.

2011-11-05T09:22:00.012+01:00

Estimados lectores.
El pasado 2 de noviembre quedó inaugurada en el centro cultural provincial “Las Aulas” de nuestra ciudad, la exposición del pintor valenciano Josep Francés Anaya (Alzira – 1959).
Una muestra de gran rigor en los aspectos del oficio del pintor, donde la versatilidad de los recursos plásticos se da cita en hermosos paisajes urbanos de gran luminosidad cromática, audacia en el tratamiento del dibujo y racionalidad controlada en el efecto aparente de la profundidad y perspectivas de las escenas. Josep Francés, es sin duda un pintor de gran dominio técnico y de gusto por agradar con la imagen; sus ciudades están llenas de dinamismo lineal y colorido, que nos remontan a esos hermosos tratados de arquitectura, donde se avizoran los conocimientos reales que el autor posee en esta disciplina artística. Creo que en su caso, hasta el mismo Filippo Brunelleschi podría sentirse orgulloso si hubiese tenido en su estudio, a tan aventajado y creativo discípulo en el conocimiento de su perspectiva cónica. Y es que contemplar una obra de este género (paisaje urbano) de Francés Anaya, es recrearnos además en una visión renovada, fresca y dinámica de un hermoso “constructivismo” de apariencia cinética, casi futurista, donde el movimiento es sugerido no solo por los aspectos lineales de la perspectiva, sino además por el audaz, extenso y hermoso tratamiento del color; que como amplio calidoscopio del matiz, nos conducen a esa sensación casi frenética que se experimenta en la vida cotidiana de las grandes ciudades modernas de hoy.
Por otra parte y siguiendo en esa línea de amplitud técnica del oficio y también de esa exaltación de la belleza de tipo modernista, el pintor nos regala también en esta muestra, una serie de imágenes muy diferentes a la de los paisajes, pero igualmente hermosas y de gran lirismo formal y cromático, que representan a rostros y figuras de mujeres, que con una cierta atemporalidad, aparecen como salidas de cuentos de hadas en hermosas ilustraciones, dejándonos entrever la huella no solo de grandes maestros de la pintura de las escuelas valencianas y catalanas como Joaquín Mir, Ramón Casas o el propio Joaquín Sorolla, sino también de magníficos modernistas como el pintor y cartelista checo Alfons María Mucha.
Y es que Josep Francés Anaya es un pintor que gusta del color y la belleza, del oficio y de la más autentica condición de ser pintor, donde la tradición que ahonda en el buen hacer, enfatiza la imagen de una figuración fresca y sencilla, cotidiana y moderna, donde la belleza se hace legible a todo tipo de público, aquella que no oculta la necesidad de agradar y decirnos que aun hoy, entre tantos discursos estéticos y variadas propuestas contemporáneas, hay quienes siguen creyendo que la imagen de una hermosa mujer, seguirá siendo para el amplio público, el símbolo más apreciado y representativo de la universal belleza, algo que su autor realiza para mayor virtud, con un indiscutible sello propio.
Les invito a que no dejen de ver esta magnifica exposición que con gran acierto nos regala el centro cultural provincial de “las Aulas”, porque es de esos buenos ejemplos que al contemplarla, disfrutamos y aprendemos a la misma vez. La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo día 19 de noviembre y podrá visitarse de lunes a sábado en los horarios comprendidos entre las 10:00 y las 14 horas en las mañanas y desde las 17.00 hasta las 21:00 horas en horario de tardes.
Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

“El arte de Conectar”. ¿Con quien?

2011-10-17T14:48:00.014+02:00

Estimados lectores.

El pasado 7 de octubre quedó inaugurada en el Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón (EACC) que como todos conocen se encuentra ubicado al lado del Conservatorio y de la Escuela Superior de Arte y Diseño, detrás de la plaza Borrull, la exposición de la artista japonesa Atsuko Tanaka (Osaka 1932 – Nara 2005) titulada “El arte de Conectar”.

Es la primera vez que dedico un artículo de opinión en este blog, a una muestra que se exhibe en esta institución cultural y no he podido encontrar mejor momento para hacerlo, ya que la importancia expositiva de la misma, así como de la artista elegida es verdaderamente excepcional y notoria.

Como breve referencia les diré que Atsuko Tanaka es una de las artistas más importantes y reconocidas de la vanguardia japonesa, miembro integrante del célebre y transgresor grupo “Gutai” (cuyo nombre viene dado por la conjunción de las palabras "gu" que significa herramienta y "tai" que significa cuerpo). Su principal fundador fue el pintor abstracto Jiro Yoshihara, (una de sus obras en imagen) defensor de la pintura gestual y que había comenzado su trayectoria artística como pintor surrealista a inicios de los años treinta.

El grupo “Gutai”, que nace en su motivación conceptual de la terrible experiencia dejada por la segunda guerra mundial en el país nipón, rechaza todo rasgo de consumismo capitalista y para ello encuentra un lenguaje propio de tinte irónico, a veces agresivo, otras violento, basado en la creación de “ambientes” de reflexión estético-discursiva, principalmente al aire libre, donde utiliza como herramienta para sus creaciones, la expresión corporal, ruidos, sonidos y palabras en apariencia inconexas, que se conjugaban con luces coloreadas, cortinas de humo, chorros de agua y actuaciones de los artistas que constituían auténticos “happenings” o “performance” muy originales y sorprendentes para su época. Hay que reconocer (según recogen algunos artículos de arte de la época) que fueron pocos los espectadores y participantes que realmente se sintieron atraídos por aquel novedoso lenguaje que mostraba una manera diferente de hacer, sentir y leer en la acción plástica. Algo que al parecer y curiosamente, sigue ocurriendo hoy en día (medio siglo más tarde) con este tipo de arte que recogen museos, salas y espacios especializados, que suelen absolutizar y atribuirle equivocadamente a lo “contemporáneo” sólo este tipo de lenguaje (propio del arte conceptual) como si fuera esta la única y exclusiva marca de denominación de origen del término. No entendiendo, o no queriendo entender, que ser “contemporáneo” es reflejar una visión o propuesta mucho más amplia, plural y variada de los lenguajes, iconografías y propuestas artísticas, incluyendo también aquellas que equiparan en su imagen la importancia de los aspectos formales de asociación directa y descriptiva de la realidad objetual al discurso, como son las obras de corte figurativo o realista. Y un buen ejemplo de ello lo podemos encontrar precisamente con esta exposición de Atsuko Tanaka en el Espai d´Art Contemporani de Castelló, que aun exhibiendo una obra de indiscutible valor estético, conceptual y artístico, la clara y patente ausencia de público convierte a la sala en un espacio desierto, triste y sombrío a pesar de la variada, vibrante y hermosa brillantez de los colores que se reflejan en los grandes cuadros de esta muestra. Y ya sé que "El arte no debe preocuparse por su clientela" como decía el filosofo y novelista francés nacido en Marruecos Alain Badiou, frase que he podido leer recientemente en un interesante artículo navegando por la red, pero una cosa es eso, con la que en un principio puedo entender y estar de acuerdo y otra bien distinta, es que una institución como la que nos ocupa, que debe y tiene que buscar la diversidad de sus propuestas expositivas, para tratar de promulgar y expandir la cultura entre la población, no sea capaz de diseñar políticas culturales más atractivas, participativas y plurales para que el arte actúe como un valor y también como un derecho de disfrute y conocimiento de todos, o al menos de una gran mayoría, pero en fin, como ya se sabe, la miopía intelectual no tiene porque ser solo de aquellos que de forma pasiva y silenciosa “disfrutan” del arte en las exposiciones, algunos de los que lo promocionan y también dirigen, padecen de ese contagioso y acostumbrado mal de estos tiempos donde las normas se relativizan hasta su invalidez y la verdad se hace cada vez más inalcanzable. Pero eso es otro asunto del que ya he hablado y seguiré hablando según considere oportuno, ahora volvamos a la obra de Atsuko Tanaka.

La exposición nos conduce por un interesante y muy didáctico recorrido de la carrera artística de Tanaka, mostrándonos algunas de las obras realizadas por esta artista entre los años 50 y 60 cuando era miembro del grupo “Gutai”, mostrando un discurso más hermético, reflexivo e intimista como las de su serie “Calendar y Work” donde la sencillez de los recursos expresivos utilizados, así como los aspectos sígnales y de dibujo que aparecen en las obras, nos aluden a una secuencialidad numérica que nos habla del recurso del “contar” en los serenos estados de meditación o insomnio. En esta etapa encontramos en la muestra dos de sus obras más famosas y trascendentales en el panorama del arte, “Electric Dress” de 1956 (en imagen) que consiste (como su nombre nos indica) en un “vestido” confeccionado a partir de bobillas y lámparas de luz en colores brillantes que son iluminadas de forma automática, en breves espacios de tiempo y “Bell” de 1955, esta última un ejemplo de lo que Tanaka llamó “pintura sonora” y que consta de 20 timbres eléctricos que a modo de campanas suenan en serie, estableciendo un estrecho vinculo entre arte y maquina mediante el uso rudimentario de la mecánica y los circuitos eléctricos, o lo que es lo mismo, arte y tecnología.

Como conclusión de la muestra aparecen algunas obras de su último período Post “Gutai” donde la artista realiza unas serie de monumentales pinturas abstractas de gran belleza ornamental, muy coloristas donde su autora interpreta un universo caótico, pero no por ello menos hermoso, que muchos asocian a los circuitos eléctricos, pero que también y de manera irónica podría aludir a la compleja y a veces nula comunicación del arte con el publico, en la medida que este pierde su referente conocido. Y todo ello descrito en un hermoso encaje de líneas que se superponen y entrelazan, como impenetrable arabesco que da lugar a un horror vacui compositivo, de gran brillantez y pureza de color, donde el gesto y el dinamismo compositivo a veces reforzado en circulares formatos, nos hablan de movimiento, energía y vida.

Les recomiendo a todos ustedes visitar esta extraordinaria exposición, pues no solo ha sido sin lugar a duda una de las mejores que se han exhibido en este Centro, si no que además les permitirá conocer la obra de una de las figuras más importantes de la vanguardia japonesa y del arte universal contemporáneo. Y aunque “el arte de conectar” del conceptualismo (que no del arte contemporáneo) sigue siendo aún un misterio por resolver, y no sabemos muy bien a quien van dirigidas sus propuestas, es justo que sepamos apreciar y disfrutar cuando estamos en presencia de una destacada figura que ha hecho de este movimiento un alto valor de lo estético y la cultura.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 31 de diciembre, pero no espere tanto para ir a verla pues bien vale la pena verla varias veces.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

"25 anys de bodegons". Ganándose el respeto.

2011-10-06T16:36:00.017+02:00

Estimados lectores.

El pasado martes 4 de octubre quedó inaugurada la exposición titulada "25 anys de bodegons" (25 años de bodegones) de la pintora Claudia Trilles Porcar (Claudia de Vilafamés) en el Centro cultural provincial “Las Aulas” de nuestra ciudad.

En un ambiente realmente distendido y con gran asistencia de público, la muestra recibía a los visitantes con una proyección audiovisual en una pequeña pantalla situada en la sala colateral a la que exhibe la exposición principal, mostrándonos una breve panorámica del quehacer artístico de Claudia de Vilafamés en donde se visionaban una serie de cuadros realizados por ella en diferentes épocas. Recurso este que le ofrecía al público asistente la posibilidad de conocer aun más de cerca a esta pintora.

Conozco la obra de Claudia de Vilafamés desde hace años (prácticamente desde que llegué a vivir a Castellón a principio de los 90) y siempre me ha parecido de gran rigor y belleza en lo técnico, aún cuando el género y el lenguaje tratado (bodegones naturalistas) al parecer hayan pasado de “moda” y no suelan resultar tan “atractivos” o “sorprendentes” como los de la “nueva iconografía contemporánea” tratándose a veces con menosprecio y de manera peyorativa tanto por el público de arte, como por la critica “especializada”, sobre todo aquella que solo ve el valor de la “originalidad” en lo “moderno”, lo “contemporáneo” o lo de “vanguardia” cuando muchas veces se recurre de manera falaz a la supremacía de la “idea” porque existen claras carencias en el dominio de lo formal, que se expresa en un mal uso del oficio en la aplicación de las técnicas. Y es que la artesanía bien hecha (a pesar de no ser ni lo único, ni lo más importante) aún nos sigue sorprendiendo favorablemente (incluso en aquellos que somos conocedores y especialistas de ella) porque sin duda resulta ser el elemento que ante la duda de valoración, nos puede aclarar si estamos en presencia de un artesano, un farsante o realmente un artista.

Y en el caso de la obra de esta pintora, es referirnos a lo “bien hecho”, entendido esto en un sentido exacto del rigor y el respeto por el oficio y también por la coherente y más autentica condición de ser un pintor (en este caso pintora) aunque hoy en día algunos busquen refugio en lo efímero y superficial de la moda, o en los contaminantes y sórdidos factores extra culturales que algunos “artistas” establecen en su relación con aquellos sectores del poder político, el mercado y la especulación.

Hablar de la obra de Vilafamés es referirnos a una visión amable, hermosa y lírica de la cotidianidad, de la huella del tiempo que es recogida en las vasijas que representa en sus cuadros, de la calidez del recuerdo del hogar de antaño, silencioso, rural, humilde. Convirtiendo a la anécdota en elevado discurso, reflejado en el gusto por el detalle preciosista, que la autora nos presenta con elegancia y señorío. Su actual exposición formada por un total de 15 obras, es en suma una hermosa y referente muestra de calidad y gusto, condición “sine qua non” para lograr la admiración y el respeto, porque Claudia de Vilafamés es sin duda un valioso espejo donde debiéramos reflejarnos todos y como es natural, algunos más que otros.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo día hasta el 29 de octubre y como deben suponer, se la recomiendo muy en especial ya que desde que abrió la temporada el pasado septiembre los ejemplos de exposiciones que hemos tenido han sido bastante insuficientes y para una que se nos presenta con calidad, bien vale la pena no desaprovecharla.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

José Manaut. Pintor, masón y comunista.

2011-09-24T13:25:00.014+02:00

Estimados lectores.

El pasado 20 de septiembre quedó inaugurada en el centro cultural provincial de las Aulas, la exposición monográfica del pintor valenciano José Manaut Viglietti (Llíria 1899 – Madrid 1971) donde acudieron un buen número de asistentes así como importantes personalidades de las artes y la política entre las que destacaba Dña. Stela Manaut hija del pintor y directora del museo dedicado a la vida y obra de este artista.

Sin duda es complicado hacer una valoración técnica de la obra de alguien que físicamente ya no se encuentra entre nosotros y por lo tanto no puede tener la posibilidad de aportar su punto de vista, y además de ser alguien que de alguna manera ya forma parte de la historia del arte de esta región; sin que esta valoración no sea entendida por algunos, como un acto de autosuficiencia del que analiza (en este caso yo) aun cuando los que piensen de esa forma, estén expresando con su enfoque una limitada visión intelectual del fenómeno. Y si además el personaje al que pretendes valorar su obra, posee valiosos meritos extra culturales relacionados con factores de tipo ideológico, moral e incluso iniciático muy admirados y respetados por un amplio público de este país, afines a sectores históricos de la izquierda y la republica, mucho más. Pero a pesar de ello, pienso que vale la pena arriesgar, pues soy de la opinión de que un hombre puede ser al mismo tiempo virtuoso como persona en sus actos e ideas y no serlo tanto e incluso cometer errores, en otras actividades relacionadas con su profesión, en este caso la pintura. Pienso que exponer los errores y carencias de un pintor más o menos reconocido y valorado, como es el caso de José Manaut ya hoy “aceptado” por la historia, me ofrece la posibilidad de demostrar a mis lectores, y sobre todo a esos nuevos “artistas” que ya se creen haber llegado a la cúspide del éxito, la gran dificultad que encierra y ha encerrado siempre esta profesión, para que a veces se tome tan a la ligera, aunque solo sea en referencia a los aspectos técnicos y/o de oficio, que resultan ser siempre los menos complejos en relación con el discurso, la idea o el concepto de la obra. De este modo, el análisis y valoración técnica del trabajo de uno de los “grandes” me permitirá ayudarles a que tengan un poco más de coherencia, humildad y sentido común y traten sobre todo de hacer más importante el pincel que su propia lengua.

La obra de José Manaut se desarrolla en una época donde la rigidez establecida por las normas académicas en las bellas artes, era condición sin ecuanum de su razón de ser. La pintura y el arte en general, presentaba una marcada preocupación por “lo bien hecho” entendido esto, no solo por el buen manejo de la técnica, sino además por una exaltación elevada de la distinguida categoría estética de lo bello, que precisamente era representada por una concepción tan hermosa como fiel de la realidad. La pintura de principio del siglo XX en Europa y particularmente en España, recogía toda una herencia del oficio del pintor que había sido depurado con los siglos, no solo en su aspecto artesanal, sino además en la percepción y aplicación de los conceptos y términos donde estos se representaban, bien fuera en dibujos, imágenes graficas, pinturas de caballete o incluso murales; muestra de ello la podemos encontrar claramente en las obras de pintores tales como: Joaquín Mir (1873-1940), Ramón Casas (1866-1932), Santiago Rusiñol (1861-1931), Cecilio Pla (1860-1934) y el gran Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) entre otros muchos, todos ellos grandes maestros que hacen valer el buen arte de la pintura, expresándolo en sublimes ejecuciones de la técnica y del sentido estético en sus obras.

Pero en el caso de la pintura de José Manaut esa calidad técnica no se aprecia con la misma facilidad, ni el virtuosismo que vemos en las obras de los pintores antes mencionados. Quizás su interés por el arte y la pintura en particular, consistía más en un medio de expresión del discurso de tipo ideológico y ético, comprometido con los sagrados derechos del ser humano en un mundo mejor, que distinguen a la hermosa divisa de la Orden Masónica de libertad, igualdad y fraternidad, y no tanto a cuestiones relacionadas con la aportación plástico estética. En cuyo caso, sus grandes meritos estarían más relacionados con una gran altura humana de hombre libre y justo, pero en cierta medida, en detrimento de su calidad como pintor y artista, aunque esto no quiera decir que fuera un mal pintor, pero sí muy inferior a los anteriormente mencionados y a otros que incluso la historia del arte recoge con mucho menos reconocimiento de su valor y aportaciones.

Algunos ejemplos de la muestra que se expone en estos momentos en el salón principal del centro cultural provincial “Las Aulas” dan buena fe de ello; y así podemos apreciar retratos con errores del dibujo en manos y rostros, fallos en la perspectivas lineal y cromática de los paisajes, tratados con pinceladas más que sueltas “descuidadas” y un cromatismo pobre de la paleta que si bien bebe de la gestualidad y luz de Joaquín Sorolla, solo lo hace en un sentido superficial y a veces caricaturesco de las formas y las atmosferas de los cuadros, factores estos que destacan por encima de algunos otros fallos que evidencian una calidad notable, pero nunca excepcional como muchos de sus contemporáneos.

Pero en cualquier caso, y a pesar de sus fallos y limitaciones técnicas del oficio de pintor, será siempre justo este merecido y en suma modesto homenaje a José Manaut, un hombre cuya mejor obra fue “pintada” desde la cárcel, con el compromiso de sus ideas de justicia y con la coherencia de ser siempre un hombre libre y de buenas costumbres, a la Gloria del Gran Arquitecto del Universo.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 1 de Octubre en los horarios de visitas acostumbrados.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez . • .

La dolorosa picada de las “Medusas”

2011-09-21T14:17:00.014+02:00

Estimados lectores.

Como ya les había advertido en uno de mis artículos anteriores, al parecer el pasado día 15 del presente mes, ha sido la fecha “elegida” para inaugurar las exposiciones de pintura en los espacios expositivos de nuestra ciudad. Tal es el caso de esta que se exhibe en la Sala Bancaja Hucha de la calle Enmedio 82 de la pintora Reyes Sales a la que voy a referirme en este artículo de opinión, la cual lleva por titulo “Medusas” y que coincide en ser la tercera muestra en inaugurarse ese mismo día junto a la de los “artistas” del Ateneo de Castellón y a la de Eva Córdoba Armelles en el centro cultural Castalia Iuris, todas ellas en nuestra ciudad.

La exposición “medusas” de Reyes Sales es de esas que uno no sabe muy bien como enfrentar, no por la complejidad de la propuesta, (lo cual seria un atractivo reto) sino en relación a que decir a su favor, y casi como en la mitológica escena que hace héroe a Perseo, me quedé de piedra al observarla. A parte del correcto montaje de las obras y una agradable distribución por el espacio de la sala, el motivo resulta pueril y sin interés discursivo aparente, por otra parte, la manera de acometerlo es pobre en recursos técnicos que abarca no solo la escasez de sus procedimientos, sino además sus posibilidades expresivas, en fin, que si tuviera que establecer alguna semejanza o paralelismo entre motivo y discurso, y valorar de forma coherente la muestra, diría que tanto a esta exposición, como a las propias medusas marinas, no hay por donde cogerlas, ya que ambas coinciden en el daño que provocan a los sentidos, unas en el tacto (el animal) reaccionando en nuestra piel con su doloroso veneno y la otra en el de la vista (la exposición) cuando asistimos a verla.

La simpleza compositiva que apreciamos en todas y cada una de las obras, no es solo molesta en su aspecto visual, sino que además denota la incapacidad de su autora en proponernos al menos un “giño” de riesgo y experimentación en este aspecto. Desde el punto de vista técnico, la acuarela como técnica de representación tiene una manipulación limitada y pobre, el efecto de espontaneidad se vuelve gratuito y previsible, repitiéndose hasta la saciedad la misma fórmula que se ve reforzada con la misma composición del motivo. El recurso de las reservas a modo de grafiado y que actúa como efecto de textura “signal” dentro del elemento protagonista, es reiterativo y cansino tratando de aportar un cierto lirismo que se vulgariza en su constante repetición y que realmente aburre. El divorcio de la figura con el fondo es evidente y el motivo aparece recortado y plano, haciéndose por momento opaco, característica ésta que entra en peligrosa contradicción con la técnica propuesta. Solo el color se nos presenta cauto en sus variables, aunque sus combinaciones cromáticas siguen siendo simples y muy elementales, dejándonos entre ver de alguna manera la intención de agradar pero que no va más allá de una belleza simplista y en suma decorativa.

Desconozco las causas o motivos que provocaron no solo este resultado expositivo, sino el deseo de realizar esta exposición, pero sean cuales sean estos, lo cierto es que Reyes Sales nos ofrece una muestra intrascendente, aburrida y muy limitada tanto en lo formal, como en su discurso. Y mejor hubiera sido no exponer antes que mostrar un resultado como este tan carencial y desabrido, no solo por respeto al público que lo merece todo, sino también y sin duda mas importante aun, por respeto a ella misma.

Pero como suelo hacer siempre a pesar de exponer claramente mi opinión, invito a todos ustedes a que visiten esta muestra, aunque sea por el solo hecho de comprobar si la realidad es tan terrible o solo es que he tenido un mal día debido a la dolorosa picada de unas medusas.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

"Gamas" de Córdoba Armelles

2011-09-20T11:41:00.015+02:00

Estimados lectores.

Con gran éxito de asistencia de publico quedó inaugurada el pasado 15 de septiembre la exposición titulada “Gamas” de la joven pintora Eva Córdoba Armelles en el salón del centro cultural Castalia Iuris de nuestra ciudad.

La muestra, con un agradable sentido expositivo en cuanto a la distribución y colocación de las piezas, hacen posible una fácil lectura de las imágenes que en esta ocasión Córdoba Armelles nos presenta combinándolas además con la posibilidad funcional de que su iconografía pueda ser al mismo tiempo un cuadro, o una imagen impresa en una prenda de vestir, intención esta que la autora refuerza claramente colocando en la galería un conjunto de maniquíes de costurera vestidos con camisetas negras de sport donde ha impreso en cada una de ellas, un ejemplo de sus cuadros.

A diferencia de las exposiciones anteriores donde el color era un recurso tenido en cuenta por su autora en esta, Córdoba Armelles prefiere el blanco y negro, acercándonos a un concepto más gráfico del lenguaje, donde las “tintas” planas (en este caso realizadas con óleo) le aportan sobriedad y elegancia a la imagen, algo que contrasta mucho con el motivo que resulta primitivo o ingenuo cual dibujo infantil. Claro que a los efectos de acabado hubiera sido más conveniente que utilizara el acrílico como técnica pictórica, pues el lento y dispar secado del óleo produce en los planos de los fondos y en algunas partes de las figuras, grandes manchas del aceite que actúan en detrimento de la factura de las piezas.

Sin duda la productividad y el entusiasmo que ha demostrado Córdoba Armelles desde su reciente aparición en el panorama de las artes plásticas de nuestra ciudad es claro y notorio, en muy poco tiempo, hemos sido testigos de su trabajo en varios escenarios expositivos, lo cual nos habla de su gran capacidad creadora y sobre todo productiva, algo que si bien es importante, no lo es todo en el arte, y sería bueno que después de tantas “apariciones” tanto de ella, como de su obra, se tomara un merecido descanso y se dedicara más a la reflexión, estudio y perfeccionamiento de los aspectos técnicos que aun resultan un tanto carenciales y en ocasiones actúan en detrimento de sus trabajos. Pintar mucho está bien, pero pintar bien, es sin duda mucho más importante; y para ello se necesita observar, estudiar y perfeccionar la técnica para así poder madurar con pleno conocimiento de causa, tanto en la forma, como en el interés de los contenidos que se quiera decir con ella.

Eva Córdoba Armelles es una joven pintora con gran ilusión por la pintura y el arte en general y ha decidido llevar a cabo sus sueños en este complejo mundo donde todo resulta ilusorio y a veces los caminos se vuelven duros y muy difíciles. Pero alguien dijo una vez que si en nuestros sueños hemos construido un castillo en el aire, no se ha perdido el tiempo, porque es allí donde debería estar. Ahora falta construir los cimientos debajo de él para que sea realmente hermoso, completo y útil.

Enhorabuena por esta exposición que resulta amable, tierna y cándida, como los ojos de un niño. Ingredientes que siempre se agradecen en estos tiempos de abundante hipocresía y miseria en los valores. Porque aun sin ser nada extraordinaria en discurso, ni gozar de gran virtuosismo técnico, se muestra fresca y dulce como un beso en la mirada.

Les recomiendo a todos visitar esta exposición que estará abierta en dicho centro, hasta el próximo 5 de Octubre en el horario comprendido entre las 9 y las 14:30 y de 16:30 a 19:00 horas y los viernes desde las 9 hasta las 14:30 horas.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

De donde no hay, no se puede sacar.

2011-09-18T09:39:00.022+02:00

Estimados lectores.

El pasado 15 de septiembre fue sin dudas “el día de las inauguraciones” en los espacios expositivos de nuestra ciudad, aunque en este artículo de opinión solo voy a hablar de la exposición de los “artistas” del Ateneo Cultural de Castellón, que en esta ocasión y como viene siendo habitual, se exhibe con más tristeza que entusiasmo y de forma “apelotonada” en la sede de dicha institución, que como todo sabemos se encuentra ubicada en al calle Antonio Maura, 4.

En esta ocasión, la muestra recoge las obras de 45 pintores y 4 escultores, colocadas en un espacio que nos transmite una imagen expositiva decadente, sin criterio de selección y en exceso aficionada, algo que en ningún modo hace justicia y además desmerita, a los escasos ejemplos de buenos trabajos que en ella podemos encontrar, (realmente muy pocos) ni a la institución que debieran representar. Aunque al parecer a esta ultima (y teniendo en cuenta la reiterada incapacidad de demostrar lo contrario) no parece importarle mucho, así como tampoco la imagen que de ella se pueda tener, cuando se exponen y analizan ejemplos como estos.

No ahondare en las razones que me han llevado y me llevan a crearme esta opinión sobre la forma y el modo en que esta institución realiza su trabajo, (particularmente la que organiza la sección de artes plásticas) los ejemplos de las obras que ilustran este articulo, dejan fiel testimonio de ello y por otra parte, ya he hablado de este asunto de forma muy clara en mis anteriores artículos que permanecen archivados en este blog. Pero resulta realmente penoso y muy triste que en una institución como esta, que debiera funcionar como ágora de ponderación y reinar más que en otras la creatividad, el buen gusto y el espíritu autocritico que conduce a la anhelada superación y mejora, resulte cada vez más vulgar, insulsa y sin un criterio que denote profesionalidad y buenas artes; dibujándose en cada actividad de este tipo, (que ya van siendo muchas) la oscura imagen de la incompetencia y el lacerante pasotismo que ya resulta crónico y además aburrido. Quizás sus dirigentes han quedado obsoletos, incapaces, estancados en una realidad más provinciana que los hace parecer más incompetentes y antiguos para llevar a cabo un proyecto que debiera estar en constante cambio y adaptabilidad con los nuevos tiempos y las ideas. Quizás ya no tienen ilusión y además han sido inoculados por el virus de la soberbia y la ignorancia, creyendo que todo lo que se hace está muy bien hecho, algo que sería realmente muy perjudicial tanto para ellos, como para la propia institución, porque lo peor de la ignorancia es que a medida que se prolonga en el tiempo, va cogiendo confianza y nos hacemos soberbios e incapaces de aceptar las criticas sobre los errores que cometemos.

Puedo intuir que para aquellos autores de las obras que en esta ocasión he elegido para ilustrar este articulo, como ejemplos de aficionados resultados, con grandes carencias y falta de calidad, y que además tengo que decir que no son los únicos, pues como ya apuntaba anteriormente, hay muy poco bueno que ver en esta exposición, no estén en absoluto de acuerdo con mi opinión, es más, lo más probable es que se sientan incluso ofendidos porque se consideren muy buenos pintores y con la calidad necesaria para definirse como “artistas” y dignos representantes del Ateneo Cultural de Castellón, algo que puedo llegar a entender, pues la humildad y la verdadera modestia son valores que denotan un espíritu de autocritica muy elevado, acorde a una actitud virtuosa de responsabilidad y respeto, algo que suele escasear y mucho en estos tiempos. Y por otra parte, como dijo alguien una vez, quien se enfada por las críticas, reconoce que las tenía merecidas. Tampoco existe en estos momentos y desde hace algún tiempo, un equipo de dirigentes con riguroso criterio, que haga posible un trabajo que dignifique la imagen de una institución como esta, que debiera actuar como un valioso eslabón de la autentica cultura de esta ciudad y región, por lo que lamentablemente resulta lógico y natural, que de donde no hay, no se pueda sacar.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Vista una, vistas todas.

2011-09-03T10:52:00.016+02:00

Estimados lectores.

El pasado martes 30 de agosto quedó inaugurada en el centro cultural provincial “Las Aulas” de nuestra ciudad, la exposición del pintor villarealense Pascual Cándido titulada, “Paisajes en tránsito”.

En esta exposición Cándido nos presenta una colección de 15 acuarelas que según su autor arrojan la síntesis del trabajo realizado en la última década. Con cuidada preocupación por el montaje, (no solo en el sentido individual de las obras, sino también en su presentación de conjunto), la muestra nos transmite un efecto muy agradable de orden y limpieza visual, que no solo denota el cuidado por la factura expositiva, sino que además le aporta una placentera sensación de luminosidad, la cual actúa en coherencia con algunas de las características técnicas de la acuarela.

Y aunque es muy importante la forma de presentar una exposición, sin duda lo es más aquello que se quiere decir cuando se expone (motivo, idea, discurso) así como las cuestiones estrictamente técnicas que abarcan desde el buen manejo del oficio, los aspectos relacionados con la composición, el color y hasta el lenguaje plástico, entre algunos otros. Siendo en este sentido que debo decir, que al observar la muestra en profundidad, esta resulta simple, repetitiva y muy aburrida, dejando en el espectador una rara sensación de “quiero y no puedo” realmente decepcionante.

Es simple, porque los recursos expresivos que el autor utiliza en la ejecución de la técnica, se limitan al empleo de un hábil recurso del gesto que claramente controla con más o menos gracia y soltura, algo que resulta lógico y de esperar, si tenemos en cuenta que son 10 años de trabajo incidiendo con la misma técnica en el mismo asunto, pero que lamentablemente no va más allá de la escueta y viciada manifestación de un trazo gracioso y desenfadado que convierte al resultado en una “fresca” imagen comercial, más propia de los cuadros que vemos en los departamentos de decoración de los grandes almacenes comerciales.

Repetitivo, porque los posibles cambios que podemos apreciar en la imagen elegida (en este caso el paisaje) son claramente imperceptibles. Su autor, como si de una maquina de acuñar billetes se tratara, repite el motivo hasta la extenuación, multiplicándose la imagen como en un cubo de espejos y para más agobio, casi desde la misma visual. Además la composición no va más allá de un simple concepto tradicional del orden y el diseño, que se ve enfatizado con la colocación horizontal del formato. ¡Menos mal que son “solo” 15 acuarelas! Porque si las dimensiones de la sala le hubiesen obligado a realizar un número mayor de obras, hubiera sido necesario y obligadamente preceptivo, incorporar en el cóctel de inauguración, la ingesta de una pastilla de gelocatil o aspirina para aliviar el dolor de cabeza.

Y como es de esperar, todo esto nos conduce a un resultado expositivo aburrido, sin ninguna aportación visual interesante, sin apenas riesgos y sin una propuesta que haga surgir al menos alguna pieza verdaderamente significativa dentro del conjunto, pues vista una, vistas todas.

Y esto evidentemente no puede tener nada que ver con un trabajo de investigación y síntesis de 10 años, como erróneamente Cándido nos afirma cuando dice… “sintetizar es una acción continua en mi obra, es un reto personal, pintar más con menos, esta forma de trabajar facilita la creatividad y enriquece el resultado final”. Después de leer y analizar estas palabras y contrastarlas con el resultado de la muestra, es cuando se hace profética la cita de David Hockney, que he tenido a bien colocar en un lugar cimero dentro de este blog desde el dia que fue creado, cuando nos dice… “No es necesario creer en lo que dice un artista, sino en lo que hace”. Y la realidad es que al ver un resultado como el que nos presenta Pascual Cándido en esta exposición, profusamente repetitivo, pobre en el uso de los recursos técnicos, expresivos, compositivos y cromáticos y vacío de contenido, estamos convencidos de su equivocada percepción de las cosas, porque este resultado no es una cuestión de síntesis, como tampoco un derroche de creatividad y mucho menos algo que pueda ser vinculado al revolucionario y elevado concepto minimalista, que nos habla del “más con menos”, y digo yo… ¡Que culpa tiene Richard Wollheim de que el amigo Pascual no haya entendido muy bien el termino minimal, y además se permita utilizarlo con tal ligereza en sus análisis y entrevistas! Es oportuno decir que el minimalismo lo que nos propone, es un resultado despojado de lo superfluo, banal y gratuito, para elevar a la obra a la complejidad intelectual de la forma y su discurso, y aquí no hay nada de eso, tan solo existe la incapacidad de ofrecer algo que pueda despertar el interés por el público de arte, y con esto de “publico de Arte”, no me refiero a los que asisten como aves carroñeras el dia de la inauguración, solo para aplacar con canapés y asidrado vino, sus insaciables apetitos, “alimentando” el ego de faranduleros que no se cansan de contar sus “hazañas” en galerías de barrio, o de aquellos espontáneos “paparazzi” que no paran de hacer fotos en todos los saraos que se programan en esta ciudad, para dejar luego testimonio grafico de esas reuniones de “sociedad”, en las redes sociales de Internet y de ese modo sentirse más “importantes” y “famosos” (y con esto no aludo a los que lo hacen, sino a aquellos que lo hacen con esa única intención). Cuando hablo del autentico público de arte, me refiero a ese que busca en cada exposición otro tipo de “alimento”, no el que ensancha a las barrigas, sino al espíritu y el intelecto; a ese que lee y disfruta con las hermosas palabras de un Antonio Arbeloa como las que aparecen en el catalogo de la exposición, para luego de esbozar una cómplice sonrisa, reconocer que como amigo del pintor, es de justicia que éste le haga un buen regalo. Me refiero a ese público que callado y discreto le gusta dialogar con la obra y no con el autor, porque al final de todo, siempre resulta ser más honesta, pura y humilde; hablándonos de sus virtudes pero también de sus carencias y diciéndonos que todo lo demás, son adornos sin ningún valor objetivo.

Pero a pesar de mi opinión, pienso que la exposición “Paisajes en transito” de Pascual Cándido, es una muestra agradable y en su conjunto bien hecha, y no me contradigo con esto (para aquellos que le gusta apostillar mis palabras) y es que en la medida que las pretensiones de su autor, hayan sido solo la de realizar una obra “bonita”, los objetivos se han cumplidos, lo que ocurre es que después de 10 años de trabajo de “investigación” y “síntesis”, el resultado debiera pretender algo más, que lo estéticamente correcto, pero en fin, la verdad es que bien vale la pena visitarla, porque a pesar de que vista una, vistas todas, lo cierto es que aquel coleccionista que compra una obra, generalmente solo compra una y siendo así, a éste no tiene porque resultarle ni simple, ni repetitiva, ni aburrida pues no tiene la posibilidad de comparar.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo día 17 de septiembre en el horario comprendido desde las 10 hasta las 14 horas y de las 17 a las 21 horas de lunes a sábado.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Cazador de realidades. La imagen como un todo…

2011-08-31T15:13:00.009+02:00

Estimados lectores.

Con gran éxito de público y un notable carácter retrospectivo, quedó inaugurada el pasado 25 de agosto la exposición de fotografías titulada “Ironic Art” de Joaquín Serrano Yuste (Chimo Serrano. Valencia – 1960) en el edificio Moruno del Grao de Castellón. Un espacio que para esta ocasión, pienso que no ha estado muy bien elegido, ya que expositivamente no la beneficia; la muestra transmite la sensación de recargamiento, “desorden” visual, además de la deficiente iluminación con la que cuenta el espacio, cuestiones estas que no benefician a las obras. Quizás hubiera sido más conveniente una mayor selección para disminuir el número de piezas, de ese modo estos aspectos se notarían menos. Cuidar la cantidad de lo que se expone, es también una forma de cuidar la calidad de lo que deseamos mostrar, lográndose de ese modo, un mejor efecto expositivo

A pesar de ello, esta es una muestra que deja patente la constancia y la alta productividad de este singular y popular notario, de aspecto bonachón, que una vez decidió buscar otra vía de disfrute, tomando entre sus manos una cámara fotográfica, para compartir con los demás, aquellos trozos de realidad en los que tantas veces no reparamos, y que gracias a su corresponsal actividad como cronista de la anécdota y de la imagen, deja una huella universal de creación y discurso en cada una de sus piezas.

Hablar de la obra de Joaquín Serrano Yuste, es acercarse a la realidad desde los ojos de un apasionado cazador de imágenes. No existe un interés en su obra por definir una forma, manera o “estilo” de hacer fotografía, eso al parecer no le interesa, su técnica es tosca y refinada a la vez, su lenguaje es amplio y muy variado; desde aquellos ejemplos de fotografías que se recrean en el detalle de un anodino objeto, como por ejemplo un trozo de tela o una lámpara de techo, haciendo de la anécdota un todo infinito, casi cósmico, envuelto en un misterio de discurso sugerente, que invita a la reflexión sobre la belleza de lo aparentemente insignificante en lo cotidiano. Y están la otras, aquellas que hechas en “gran angular”, nos recrean el testimonio de cosmopolitas realidades a veces humanas, otras de inanimados escenarios, que el autor exhibe como testigo omnipresente en muchas visiones, resumidas en una experiencia y motivación única y renovada; transformada siempre desde el concepto de lo hermoso, pero también de lo inquietante, reflexivo y eterno. Su trabajo consiste en compartir con los demás, la singular sorpresa experimentada ante cada trozo de realidad que este autor visualiza desde el visor de su cámara, luego como un honesto corresponsal de ideas y realidades, las ofrece al mundo para complacencia y disfrute de todos.

Podemos decir que Joaquín Serrano Yuste es un creador desde el mismo instante que elige el motivo, su visión caleidoscópica e interesada por la realidad objetual, le permite “encuadrar” y crear el énfasis visual, en lo realmente importante de la imagen, subordinando al concepto discursivo de la obra, a la más hermosa envoltura que describe la forma, porque a pesar de modas y modismos, una imagen siempre nos conducirá a una lectura elevada o sencilla, enigmática o clara, misteriosa o abierta, pero nunca indiferente. Quizás por eso Joaquín Serrano, eligió la fotografía como medio de expresión artística, para convertirla en su más útil y hermosa herramienta de dialogo con el mundo, solo que en esta ocasión y como casi siempre ocurre, la profundidad y complejidad de los temas propuestos, recaerá siempre en la capacidad de lectura del publico que la observa.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 25 de septiembre, y sería realmente una lastima que no fueran a verla porque resulta muy optimista (como bien nos señala su autor) pero también muy refrescante para estos asfixiantes días de calor.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

¡¡¡Hasta Septiembre!!!

2011-07-24T16:10:00.015+02:00

Para aquellos que vieren, leyeren y entendieren

Estimados lectores:

Como todos ustedes conocen en este mes de agosto, que ya casi empieza, quedará interrumpida la temporada de exposiciones en Castellón, permaneciendo inactiva hasta el próximo mes de septiembre. Pienso que en esta etapa que culmina, hemos visitado muestras de todo tipo, buenas, regulares y también malas, con lo cual al menos en el aspecto de la variedad, ésta ha quedado garantizada; lastima que no podamos decir lo mismo en cuanto a la calidad, aunque siempre abrigo la esperanza de que el nivel suba en la próxima, en fin, ¿Qué quieren que le haga? uno es así de optimista.

Por lo demás, solo me resta desearles a todos que tengan unas muy buenas y felices vacaciones y agradecerles con especial énfasis, el apoyo recibido tanto de manera directa, aportando sus siempre valiosas opiniones en el blog, como aquellas más discretas, que me envían a mi correo privado, algo que me estimula y mucho, a seguir dejando por escrito mis valoraciones y puntos de vista de una forma especializada, clara y directa (a veces también contundente) pero siempre honesta y responsable sobre el papel formador, educativo y sensible que entiendo debe asumir el arte y los artistas en su estrecho vinculo con el público. Prometo volver en septiembre con energías renovadas, para así seguir haciendo la crítica en la que verdaderamente creo, que no es otra, que aquella que siempre persigue elevar el papel del arte, como útil herramienta de comunicación con el público; sin lisonjas ni falsos halagos, que solo hace enturbiar su sentido constructivo y además alimentan el ego de mediocres e incompetentes.

Un cordial saludo a todos y ya saben que hasta septiembre, estaré cerrado por vacaciones.

Amaury Suárez

Moreira y sus diálogos enfrentados.

2011-07-14T09:32:00.020+02:00

Estimados lectores.

Quizás nuestra ciudad sea de esas que están condenadas a sufrir la injusta proporcionalidad, de que por cada buena exposición que veamos, nos toca padecer un mínimo de 3 que no necesariamente están a la altura deseada, algo que se puede comprobar visitando la que en estos momentos se exhibe en el centro cultural provincial “Las Aulas” del polifacético artista Alberto Moreira, la cual permanecerá abierta durante todo este mes de julio, y que lleva por titulo “Diálogos Surrealistas”.

Ayer estuve por la tarde visitándola y después de verla me pregunto… ¿¡Qué culpa tiene el surrealismo para merecer esto!? No se si el titulo responde a una vulgarización del lenguaje para definir situaciones y/o actos inconexos, o sencillamente a un desconocimiento de las características de intenciones y propuesta de dicha vanguardia, pero lamento mucho que al surrealismo (como vanguardia) se le utilice con tanta ligereza, para justificar un resultado plástico que aun llenos de buenas intenciones, se presenta con tantas carencias tanto formales, como de discurso. Y como si esto no fuera suficiente para alimentar mi confusión, leemos en las palabras del catálogo, que firma un o una tal J. Ferrara, que la pintura de Alberto Moreira… “destaca por un primitivismo propio de las vanguardias más actuales”… ¡Pero como se le puede decir esto al público y luego poder irse a dormir tranquilamente! Confundir primitivismo (que no representa ninguna vanguardia reciente, ya que su origen data de finales del siglo XIX) con lo que a todas luces podría estar más cerca a un mal ejemplo de aquel movimiento neoexpresionista surgido en los años 70´ (por lo que de “actual” poco) llamado “bad paintig” solo puede ocurrírsele a alguien, que es amigo o familiar del pintor que expone (y ya sabemos que tanto unos como otros, mienten a menudo en estas cuestiones) o porque el que escribe es ciego, y en este caso mejor que se dedique a la venta de billetes de lotería (ya que no solo es más coherente, sino además muy rentable) o porque sencillamente no sabe nada o muy poco sobre historia del arte, y en este hipotético y ultimo caso, siempre es mejor callarse para no confundir al personal, que sofocado por este agotador calor del verano, decide ir a ver las exposiciones a las galerías de nuestra ciudad. Sea cual sea la causa que provocara este comentario, de lo que no hay duda es que esta viene revestida de una clara irresponsabilidad, máxime, si quien la expresa permite además la publicación de sus palabras en el catalogo de la muestra. Pero dejemos a un lado a este supuesto amigo o familiar invidente y “erudito” crítico del catálogo y volvamos a las pinturas de Moreira.

De muy limitada y caricaturesca podríamos calificar esta exposición de Alberto Moreira, donde la escasez de los recursos plásticos empleados, así como el uso del color, arrojan un resultado simple y muy aficionado. Por otra parte, la figuración y los tratamientos empleados por Moreira, propios de este lenguaje neoexpresionista (bad painting) no llegan del todo a ser coherentes con las intenciones reivindicativa de este movimiento, que tanto tenia que ver con la subcultura, las ideologías marginales y el rechazo hacia el “buen gusto” o lo “bien hecho”, quedándose en un resultado de “quiero y no puedo” que no se corresponde con lo auténticamente “descuidado” y rompedor de este movimiento al que le vinculo. Sus cuadros se mueven en una limitada gama de calidos con gran predominio del rojo (sin apenas matices) del blanco y de los tostados oscuros (casi negros) que se fragmentan toscamente, en un uso torpe de la espátula y el pincel, pero que a la vez, me transmiten una cierta racionalidad por el cuidado compositivo y orden del color. Sus composiciones son de gran literalidad ya que no sugieren, sino describen las escenas, que como ilustración de un “storyboard” (guión gráfico) aluden en todo momento al personaje cinematográfico de “Charlot” (memorable creación del gran Charles Chaplin en sus películas) que Alberto Moreira utiliza como hilo conductor de las escenas.

No se que motiva a Moreira a utilizar este cinematográfico personaje en sus obras, no se si quiere hablarnos de humor, de ironía, de la tragicomedia de la vida, de la realidad ilusoria y falsa en la que hoy vivimos, o sencillamente le gusta pintar a ese entrañable hombrecillo con sombrero hongo y pequeño bigote negro que tanta celebridad mundial alcanzó, allá por los primeros años del pasado siglo XX con el cine mudo. En cualquier caso, tanto el resultado técnico, como también de discurso, adolecen de una intención más elevada y culta en el concepto general de la obra. La trascendencia comunicativa que debiera estar presente en su obra, resulta sencillamente pobre, insustancial y mediocre, algo que la ridiculiza y la menosprecia. Quizás sería bueno decirle a este pintor, que tanto si se quiere hacer una obra neoexpresionista, como una primitivista o incluso una surrealista, es de vital importancia tener en cuenta su aspecto conceptual o de discurso, para no caer en clichés o estereotipos que solo hace evidenciar el carácter aficionado tanto de la obra, como de su autor. Desde el poeta francés Guillaume Apollinaire, pasando por Rene Magritte, Paul Delvaux, Giorgio de Chirico y hasta el egocéntrico y siempre artista Salvador Dalí, todos fueron creadores (en este caso surrealistas) muy ocupados y preocupados, por la claridad y trascendencia comunicativa de los discursos de sus obras. Y en este sentido, es bueno que lo tenga siempre muy presente, el amigo Alberto Moreira. En pintura (como en otras disciplinas del arte) cada forma debe ir respaldada coherentemente por un contenido y viceversa, porque de no cumplirse esta máxima, solo haríamos artesanía, o aburridos panfletos con pretensiones artísticas.

Para ilustrar con un ejemplo que viene muy a tono con este pintor. Esto sería igual, como cuando un músico de cavaquinho, (la verdadera profesión de nuestro amigo Moreira) pretende “tocar” sin amplios recursos técnicos e interpretativos, los pinceles de pintor con la misma destreza que un experimentado guitarrista. La “obra” resultante puede ser cubista, futurista y hasta surrealista si queremos, sí, pero con una gran desafinación o disonancia; en esta ocasión, para nuestros ojos.

En cualquier caso y a pesar de mi opinión, ya saben que suelo invitar a todos ustedes a visitar todas las exposiciones de las que hablo en este blog, y en esta ocasión no será diferente. Creo firmemente que siempre podemos aprender algo, aun de aquellas que como ejemplos de esa injusta proporcionalidad de la que les hablaba al principio de este artículo, no nos satisfacen mucho.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Las “Tientaciones” de Olmeda.

2011-07-06T19:20:00.021+02:00

Estimados lectores.

Durante todo este mes de julio estará expuesta al público la exposición titulada “Tientaciones. Un mar de refrescantes momentos” de la pintora madrileña afincada en Castellón, María Olmeda Vázquez, la cual quedó inaugurada el pasado 30 de junio en el Centro municipal de cultura de la calle Antonio Maura 4 de nuestra ciudad.

Antes de hablar de esta exposición, debo decir que María Olmeda Vázquez, es una incansable y muy entusiasta creadora con una larga trayectoria de participación en diversos proyectos culturales y artísticos, así como en diferentes actividades tanto de manera individual, como colectiva. Una creadora a la que por primera vez hago una valoración de su trabajo de manera exclusiva, pero que he seguido desde hace algún tiempo, algo que me permite hoy, poder hacer una valoración de su trabajo, con cierta “objetividad” y notable perspectiva.

Dicho esto, les hablaré ahora de las “Tientaciones” de Olmeda

Al margen de esa forma “ocurrente” y un tanto cantinflesca de usar una palabreja para dar titulo a una exposición, como si eso tuviese alguna importancia en relación con la calidad de la propuesta, tanto en su aspecto formal, como en las intenciones de discurso que se persigue con la exposición, y que por mis dudas, no voy a entrar a valorar, ya que casi siempre la complejidad conceptual de una obra de arte, es un aspecto de apreciación, que a parte de ser muy sugestivo, puede resultar interesante, novedoso, trascendental o todo lo contrario, gracias a esa responsabilidad compartida entre el emisor (autor) y el receptor (público) donde se depende en gran medida del nivel intelectual que tengan ambos. Es por eso que una misma obra, por ejemplo de Velázquez, puede ser para algunos, toda una intención de discurso intelectual y propuesta revolucionaria, y para otros con menos capacidad de análisis, un cuadro donde solo sorprende la fidelidad con la que el maestro ha realizado un ropaje, o determinado objeto dentro de la representación de una escena.

Teniendo en consideración esta realidad, en este caso solo me voy a referir a las palabras de su autora, que con lenguaje y concepto taurino, nos describe en el catálogo de la muestra; refiriéndose a su tentadora intención de convertirse en un “maletilla”, es decir, en una persona que aspira a abrirse camino en el mundo del toreo por sus propios recursos, y que ella en una poética semejanza en sus palabras, lo vincula a su aspiración en el mundo del arte. Lástima que María Olmeda no tenga en cuenta que para esa paralela comparación de intenciones, tanto en un caso, (mundo del toro) como en el otro (mundo del arte) es imprescindible poseer amplios recursos intelectuales y técnicos que en ella (al menos en los técnicos) son aun bastante limitados y escasos para alcanzar tan alta aspiración. Es por eso que será mejor antes de tirarse al ruedo, sin capote, muleta y espada, observar desde la barrera para aprender de la faena que esté haciendo el, o los maestros de turno.

La exposición que nos ocupa, resulta simple y pobre en su iconografía, los recursos plásticos empleados en las telas, se limitan a un sencillo divertimento de lo abstracto, basados en una gestualidad simplista del tratamiento y del uso de las manchas de colores, así como de la relación cromática usada entre ellas, eso si, con un claro sentido decorativo que suele engañar con relativa facilidad al ojo poco exigente del público neófito, que a priori, podría definirla de muy “bonita”.

Como en otras ocasiones, María Olmeda pretende refugiarse en una propuesta que alude a los conceptos y recursos de “modernidad”. Aun recuerdo aquella instalación en la Sala Bancaja Abadía del pasado marzo, en la exposición colectiva con el grupo Comba 10 (de la que hice mención en este blog) donde para recrear la personalidad y la obra de la pintora francesa Gina Pane solo “encontró” cuchillas de afeitar y un jarrón con flores; con tal miopía de análisis, es como si solo pudiéramos reducir la gran importancia y aportación de Pablo Picasso al “Guernica” o la de Goya, a su famoso cuadro de la Maja desnuda. Y es que en esta exposición una vez más, María Olmeda recrea solo lo superficial y caricaturesco de lo moderno. Sin duda y recreando de sus palabras, sería una “maletilla” de muy pocos recursos, viéndose obligada a realizar muchas “faenas” antes de coger la preciada alternativa.

Es curioso como para esta pintora, en su concepto de “modernidad”, todo puede ser aprovechable, la estampación de una cibernética firma en sus cuadros, unas fotografías a color tratadas por ordenador, donde ella aparece en distintos lugares como principal protagonista de las escenas, incluso el aprovechamiento de los textos pegados a la pared, de la exposición anterior a la suya. Para ella todo vale en su limitado concepto de “lo moderno” provocando un inconexo collage donde cada uno de los elementos actúan como unos auténticos “pegotes”.

Es una lástima que ante esas irreprimidas “Tientaciones” de sentirse (que no de ser) una artista moderna, no haga mejor un humilde e introspectivo ejercicio de investigación y estudio, para adquirir de ese modo los buenos recursos de un prometedor “muletilla” y coger la alternativa como todo un buen maestro. Pero tengo la “Tientación” de pensar, que esto no va a ocurrir, (ojalá me equivocara) y es que hoy en día es mucho más divertido y en ocasiones hasta más rentable, ir de artista por la vida aunque para ello tengamos que engañar a los demás, e incluso a nosotros mismos.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Joan Llopis y su anatomía emocional.

2011-06-24T13:39:00.012+02:00

Estimados lectores:

Después del anterior artículo referido a mi carta de despedida y buenaventura a nuestro ex-concejal de cultura el Sr. Miguel Ángel Mulet, quiero aprovechar esta ocasión, para agradecer en primer lugar, las siempre valiosas intervenciones hechas por ustedes tanto en el blog, como a mi correo privado y expresar con agrado, que somos unos cuantos los que coincidimos en similares puntos de vista. Pero en este momento quiero hablarles de la exposición que bajo el titulo “Anatomía emocional” nos presenta Joan Llopis en el centro cultural provincial “Las Aulas”.

Un pintor del que no tengo apenas documentación, porque el catálogo que acompaña a la exposición, aparte de ser muy modesto, es escueto, y por otra parte en Internet, no hay prácticamente nada ni de este pintor, ni sobre esta exposición y es realmente una lástima, porque otras exposiciones que se han hecho en ese mismo salón, con una calidad muy insuficiente y aburridas, tuvieron más apoyo y difusión en la prensa. Pero en fin, solo puedo decir que Joan Llopis estudió música, diseño gráfico e historia del arte y viendo sus trabajos, intuyo que pueda tratarse de una persona joven y muy interesada por el conocimiento técnico de la pintura y con una gran sensibilidad.

En esta ocasión Joan Llopis nos trae una muestra que si bien a priori nos puede resultar muy agradable en su aspecto formal, no está exenta de algunas carencias relacionadas con el dibujo (haciéndose más evidentes en unos casos que otros) en cuanto a las proporciones y la estructura anatómica y morfológica de la figura humana, con lo cual, resulta un tanto incongruente que sea ese precisamente (la anatomía humana) el aspecto que se pretende destacar con titulo de la muestra, por muy “emocional” que ésta quiera ser.

De esto podemos deducir, (y esto lo planteo a modo de consejo) que hubiera sido mucho mejor una previa selección más rigurosa y significativa de las piezas, ya que si bien existen en esta exposición, ejemplos de un notable grado de calidad y belleza, (como las que aparecen en este artículo) también encontramos otras, que supongo fueron realizadas hace algún tiempo, que no están a la altura de una buena calidad expositiva. Suele suceder que el deseo casi “frenético” de exponerlo todo, es algo que ocurre con relativa frecuencia en creadores aficionados, ignorando con ello, que resulta siempre mucho más profesional y rentable en término de calidad y prestigio, si previamente realizáramos una concienzuda selección de las obras que queremos exponer, que aunque siendo pocas las que se expongan, sean solo aquellas que contengan realmente la más alta calidad, tanto en la forma como en su contenido. Y es en este sentido que podemos decir, que en esta muestra existen varios ejemplos de obras que bien valió la pena dejarlos en casa y no exponerlos, ya que actúan en detrimento de otras que son realmente muy buenas y hermosas.

No obstante a ello y como ya apuntaba, la exposición de Joan Llopis, posee una dulce armonía cromática reflejada tanto en las atmósferas de las escenas (generalmente estudios de la figura humana) como en el tratamiento de las encarnaciones, que se ven envueltas en un teatral claro oscuro casi tenebrista, lo cual trasmite un resultado de gran lirismo visual de reminiscencia barroca. La intemporalidad del motivo en sus obras, algunas de ellas recreando obras muy conocidas de la escultura universal, como el “Rapto de Proserpina de Lorenzo Bernini (imagen del párrafo) me recuerdan a los estudios de figuras humanas de los pintores naturalistas del XIX, aportando a la imagen de conjunto, un dulce sabor añejo de lo académico, algo que me traslada en el tiempo, a mis años mozos de estudiante de bellas artes.

Su destreza con el acrílico, es obvia y digna de destacar, pues no son muchos “around these places” que trabajen tan bien esta noble y contemporánea técnica, llegando incluso a confundir al ojo del experto, que por momentos llegó a pensar que se trataba de la vetusta técnica al óleo.

Conocí la obra de Llopis hace algún tiempo, en una gastronomica “galería” de la calle Caballeros y puedo decir que después del tiempo transcurrido, he encontrado en esta muestra, un avance significativo en su calidad, algo que me resulta grato destacar hoy. Quizás vuelva a ser oportuno señalarle, que para la próxima exposición que haga, piense y reflexione sobre mi consejo, pintar (producir) mucho y bien, para luego seleccionar (poco) lo representativo y buenos ejemplos, así ganará en prestigio y calidad no solo la exposición, sino también él mismo como artista.

Les invito a todos que no dejen de ver esta exposición en el centro cultural provincial “Las Aulas” que permanecerá abierta hasta el próximo martes día 5 de julio, pues seguro estoy que (a pesar de los pesares) les va a agradar mucho, sobre todo a aquellos que siempre ven en la representación de la figura humana, el reto de todo pintor. Yo estoy convencido de que en el caso de Joan Llopis, el camino se presenta esperanzador y lleno de muy buenos resultados en el futuro.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Miguel Ángel Mulet y sus 20 años de cultura.

2011-06-22T07:51:00.015+02:00

Estimados lectores:

Como ya todos ustedes conocen, los resultados de las pasadas elecciones municipales y autonómicas celebradas recientemente en nuestro país, han arrojado en sus resultados, un panorama que bien pudiera calificarse de desolador para algunos, y de exitoso para otros. Con gran asombro y excepcionalidad, en estos comicios he podido oír hablar claramente a los políticos, de “ganadores” y “perdedores”, situación esta que siempre solían justificar todos los partidos, con rocambolescas y complicadas estadísticas que generalmente nadie entendía pero que al final, solo a ellos beneficiaba; dejando una vez más en la estacada, a los que siempre resultan ser los auténticos perdedores (el pueblo español) y todo ello a pesar, de que en varias ocasiones tantos a unos, como a otros, el electorado les había castigado con la pérdida de votos en las urnas.

Como todos sabemos, en nuestra comunidad valenciana y particularmente en esta ciudad, no se ha producido ningún cambio significativo en la gobernabilidad y gestión política desde hace algunos años y siguen estando hoy, los mismos de ayer. No obstante a ello, este nuevo triunfo de los de “siempre”, ha requerido de algunos cambios en el diseño de su ejecutiva, al parecer, se toman muy en serio aquello de “renovarse o morir”, siendo en este sentido, que va dirigido el artículo de hoy donde les hablaré del cambio de responsabilidad y gestión del Sr. D. Miguel Ángel Mulet, que después de 20 años como concejal de Cultura (que no es nada) ha sido designado como segundo teniente de alcalde y portavoz de la Coordinación Institucional y Política, teniendo la responsabilidad primera como concejal, en el área de Urbanismo y Vivienda para esta nueva etapa de gobierno en el ayuntamiento.

Por esa razón en un gesto de amabilidad, y sumándome a las diferentes actividades sorpresa que se le han ido organizado en estos días a este “popular” concejal, he creído oportuno y conveniente dedicarle en este blog, esta carta de despedida, que si bien pudiera parecer a priori, diferente a las que se suelen escribir en estos casos, en ella he querido recoger con enfoque constructivo, una pequeña valoración personal de su trabajo y además, desearle una buenaventura en su nuevo cometido. Después de tan dilatado tiempo desempeñando el máximo cargo en la cultura de esta ciudad, pienso que bien vale la pena hacerle este regalo. Por ello y sin más preámbulo, aquí está mi carta abierta a Miguel Ángel Mulet y sus 20 años de cultura.

Muy estimado Mulet.

Como dijera el gran Carlos Gardel en su famoso tango titulado “Volver”, “20 años no es nada”, (quizás para Gardel no lo fuera) pero al menos en tu caso, ha sido el tiempo trascurrido en tu gestión al frente de la cartera de cultura en nuestro Ayuntamiento y sin duda considero, que es un tiempo más que suficiente para valorar el trabajo realizado. Retirarse a tiempo siempre fue condición de sabios y después de este largo transcurrido, bien podemos decir que Castellón es hoy una ciudad menos caótica en su concepción urbanística, quizás menos fea y seguramente más cosmopolita y moderna, y todo gracias en primer lugar a su gente, que han sabido responder y crecer con los tiempos de la actualidad y también a la gestión que han realizado políticos como tú, que desde su particular cartera, han tratado de dar lo mejor de sí para el beneficio y disfrute de todos.

Permíteme dirigirme a ti en esta carta como colega, siempre desde la educación y el respeto, pero también desde mi más consabida franqueza, y te preguntarás del porque de esta petición. Pues como buen político que eres de esta ciudad, gestionaste su cultura con “singular” estética, pero también expusiste tus obras como artista Taló, en espacios culturales y galerías, a pesar de interferir con ello, en la escrupulosa “ética” que exige tu condición de gestor político, ya sabes lo que se dice de la mujer del Cesar, no solo debe serlo, sino además parecerlo. Y aunque muchos vimos mal, esa incomoda dualidad de ser a la misma vez, concejal de cultura y pintor en promoción, preferimos callarnos, no se si por prudencia, resignación o cobardía (eso ya es lo de menos) pero lo cierto es que no se entiende muy bien (ni antes, ni ahora) como un concejal de cultura pueda promocionar su obra como pintor, tanto aquí como fuera y realizar carteles gráficos para semana santa y demás eventos culturales, limitando con ello, la posibilidad de que otros creadores con menos posibilidades, recurso y sobre todo poder, pueda obtener algún beneficio realizando ese trabajo. Y da igual que en algunas ocasiones el dinero de las ventas de las obras o las propias obras hayan sido donadas a causas nobles, te puedo asegurar que cualquiera en tu caso, e incluso sin estar en tu privilegiada posición, hubiera hecho lo mismo. Organizaciones no Gubernamentales como SOS Children, Manos Unidas y otras de nuestra ciudad, pueden dar fe de ellos, porque somos muchos los pintores, escultores, grabadores y artistas en general, que donamos el fruto de nuestro trabajo para ese tipo de causas, y ninguno somos, ni hemos sido concejales de cultura; entonces me pregunto… ¿Dónde está la diferencia? ¿Qué hay del referente honesto, honrado y ético de la política? ¿Dónde está el ejemplo a seguir? Espero sinceramente que el próximo que ocupe tu cargo en el ayuntamiento no tenga ninguna afición relacionada con la creación artística, (al menos como ejecutor) ni ninguna otra que se vea favorecida por el cargo, porque entonces vamos apañaos, sin duda eso es jugar con ventaja y no creo que nadie, pero menos un político, deba hacerlo. Eso va en contra de los valores que representa y sobre todo de aquellos que profesa.

A pesar de todo y sinceramente, pienso que en términos generales tu trabajo ha sido muy satisfactorio (sin duda 20 años dan para mucho y bueno) y te felicito de corazón por ello, pero coincidirás conmigo en que pudo haberse hecho mejor (siempre es posible) sobre todo en algunas cuestiones referidas a la reiterada elección de un pequeño grupo de “artistas” para realizar trabajos en obras públicas, que por tanto repetirlos, han dejado la amarga impresión en el resto de creadores (tan “artistas” como ellos) y en el publico en general de Castellón, una clara sensación de protagonismos y exclusividad privilegiada, obviando con ello la oportunidad que pudieron haber tenido otros (algunos, jóvenes egresados de las escuelas de artes) que sin duda hubieran aportado con sus obras mayor talento y calidad en la realización y propuestas de sus trabajos, además que nos hubieran salido más económicos teniendo en cuenta su temprano “caché”, ganando con ello todos, tú en el merito de haber hecho una buena gestión equitativa y justa; la ciudad, con una mejor y más novedosa oferta artística en el embellecimiento de sus áreas publicas y la población, que es la que lo financia con sus impuestos; claro que hubiéramos ganado todos mi estimado Mulet, incluso el Arte de Castellón, con una más variada y universal forma de lenguaje en esta ciudad tan querida por todos. Tal vez si la elección de estas obras hubiese sido sometida a concurso, para ser valoradas luego en su calidad, por un tribunal de auténticos profesionales y especialistas del ramo, todo hubiera sido no solo distinto, sino además mucho más económico, variado, equitativo y justo, pero al parecer esto se asigna “caprichosamente” a dedo, y en este sentido estimado colega, la única elección dactilar que prefiero aceptar en su connotación “caprichosa” del poder, está en la hermosa obra de Michelangelo Buonarotti, pintada en la bóveda de la Capilla Sixtina, donde aparece la representación de Dios extendiendo el índice de su mano derecha al hombre, otorgándole con ello el libre albedrío, a parte de ese “dedo”, discrepo de todos aquellos índices que se extienden desde el poder sin una valoración razonada, profesional y consensuada por la mayoría.

Por otra parte, resulta incongruente que en Castellón, se encuentre uno de los concursos de artes plásticas de mayor dotación del panorama cultural nacional (60.000 €) cuando los museos de nuestra ciudad permanecen desiertos y carentes de iniciativas que estimulen su vinculo cultural con el publico de la zona. Cuando la percepción que tiene un gran numero de su población sobre el arte y los artistas, es aun pobre y a veces menospreciativa de su utilidad y valor. Cuando sencillamente y solo por poner un ejemplo, los conceptos técnicos de valoración y de contemporaneidad en Arte, resultan confusos de discernir y explicar aun para los propios funcionarios que lo dirigen. Quizás si desde la noble vocación de instruir y formar, se pensara en el diseño de políticas más atractivas de participación, aportando iniciativas que vincularan con mayor eficacia al público con esas “sagradas” y representativas instituciones de la cultura de los pueblos, pudiéramos sentirnos muy reconfortados y generosos, no solo por conceder tan importante cifra a un ganador, (que por otra parte, casi siempre resulta ser extranjero, con lo cual el dinero se va de la ciudad) sino además entender por qué aquel que lo recibe se lo merece, apreciando realmente desde el conocimiento, su calidad y propuesta, esto ultimo es para mí lo más importante y creo que para aquel que tiene la responsabilidad de dirigir la política cultural de una región, (como fue tu caso) también. Pienso que siempre será mejor un pueblo instruido y culto, que rico e ignorante, ya sabemos que el dinero va y viene, pero el conocimiento perdura siempre en el tiempo, de ahí su cardinal importancia y trascendencia.

Quizás no son estas las palabras que quieras escuchar el dia de tu despedida, (no lo sé) pero te puedo asegurar que son tan sinceras como útiles, (tanto para el buen cumplimiento de tu nueva responsabilidad futura, como si se quieren ver con el noble espíritu de la superación personal) los constantes halagos solo sirven para alimentar la grandeza inconmensurable del ego y la vanidad, convirtiendo al hombre necio en soberbio, injusto y prepotente. Pienso que un buen político (como intuyo es tu caso) debe ser ante todo, humilde, autocrítico y saber escuchar aun lo que no le gusta oír, de aquellos a los que se debe, de ese modo no solo se es mejor en lo personal, sino que se es más útil en la sagrada labor de servir a los que te eligen o designan como gestor.

Espero y deseo que la experiencia de tantos años en la vida política y particularmente en el sector de la cultura, te sirva para gestionar mejor y más eficazmente en tu nueva responsabilidad al frente del área de Urbanismo y Vivienda, puedes estar seguro que así te lo deseo, del mismo modo que también deseo que tu nuevo sucesor al frente de Cultura, el Sr. Vicent Sales, sepa beber de los errores del pasado y aun cometiendo los suyos (que seguro los habrán) sepa estar a la altura de tu legado, que a pesar de haber tenido algunas sombras, siempre prevaleció la luz del trabajo bien hecho.

Enhorabuena y suerte en tu nuevo cometido, cordialmente.

Amaury Suárez

Y a mis lectores decirles, que nos vemos en la próxima entrega con un nuevo asunto relacionado con el arte y la cultura en Castellón.

D´Antoni. Con mucho gusto.

2011-06-07T11:32:00.027+02:00

Estimados lectores:

Parece ser que en su infinita bondad Atenea, o Minerva para los romanos, nos ha concedido la gracia de proveernos de buen arte en este veraniego mes de Junio, a pesar de algunos ejemplos que no hay “dios” que lo vea, sean estos mitológicos, religiosos o de cualquier otra naturaleza. Ejemplo de esa agradable noticia es la exposición del artista Pablo D´Antoni (Argentina-1972) que se exhibe en estos momentos en el salón principal del centro cultural provincial “Las Aulas” y que desgraciadamente permanecerá abierta solo hasta el dia 11 de junio.

La exposición de Pablo D´Antoni nos acerca a un lenguaje de fantasía onírica, de ensoñación y meticulosidad Naif, donde se escuchan los ecos de la pintura de Jerónimo Bosch (el Bosco), René Magritte y toda la herencia dejada por surrealistas e ilustradores de principio del siglo XX en América, como el gran Florencio Molina Campos dibujante y pintor argentino muy conocido por sus dibujos costumbristas de la Pampa Argentina y desde luego al siempre eterno y universal Jorge Luis Borges.

De técnica depurada y minuciosidad en la factura, cual pintor flamenco medieval; D´Antoni nos presenta una colección donde encontramos principalmente dos visiones de una misma realidad, por un lado, las obras realizadas en soportes de alargadas proporciones de la horizontal, donde su extrema estilización nos invita a una lectura panorámica de las escenas, que como crónicas de viajes de diferentes lugares del mundo, su autor nos muestra con tan peculiar visión. Uniendo a ello los conceptos de tiempo y espacio para que estas escenas sean disfrutadas por el espectador, desde una privilegiada visual, que le permita una percepción amplia y omnipresente de las escenas que se suscitan en el mismo momento. Escenas que nos invitan a reflexionar sobre la polivalente cotidianeidad de esas realidades, en habitad de suelos ajedrezados y de brillante colorido; evocadores de atmósferas de gran ensoñación y fantasía.

El segundo grupo que podemos ver en la exposición y que el autor agrupa bajo el titulo de serie “gris”. Posee un sentido más testimonial sobre aquellas realidades de una época que como noria, retorna a sueños frustrados y otros cumplidos, de aquellos personajes anónimos que dentro de sus maletas de éxodo obligado y a veces elegido, llevaron a aquellos y a estos emigrantes, en busca de bienestar y de un trozo de esperanza.

Desde el punto de vista técnico, las composiciones parecen desvanecerse en atmósferas de gran vacío, el “horror vacui” no existe, ya que es precisamente lo etéreo y desolado de las escenas, lo que nos transmite la sensación de espacialidad o infinito. Sensación esta que su autor sabe reforzar hábilmente con dos recursos, por un lado el color, donde para ello utiliza los grises de gran neutralidad cromática que refuerzan lo impalpable, y por otro, el dibujo de los objetos (personas, aviones, coches muebles etc.) que al ser representados en una diminuta escala, convierten la escenas en país de "liliputienses". Algo que bien podría hablarnos en su discurso de lo insignificante que puede llegar a ser el emigrante que por necesidad se marcha de su país en busca de nuevos horizontes, o también de la necesidad de humildad que requiere el hombre de hoy en dia, (soberbio, egoísta y arrogante) con relación a su entono tanto social, ecológico, político y también económico, precisando de una cura de humildad y sentido común.

Sea cual sea la lectura que podamos sacar de esta magnifica exposición, lo cierto es que la obra de Pablo D´Antoni, es un hermoso regalo para nuestros ojos, que nos permite disfrutar y sobre todo pensar, sobre lo mucho y bueno que se puede hacer hoy en día con la pintura, con esa que no necesita de “adornos” superfluos, ni bufonadas excéntricas que solo hacen dibujar con gran evidencia la incapacidad del que las crea.

En esta ocasión no solo les recomiendo muy efusivamente la visita a esta magnifica exposición, sino que además les invito a que visiten la página Web de este artista, que se encuentra en la siguiente dirección:

Pagina Web del artista:

http://www.pablodantoni.com/

Para terminar quiero decir que considero a Pablo D´Antoni un valioso activo en la pintura de esta ciudad al que bien valía la pena haberle hecho un mejor catalogo, quizás siendo más previsor y coherente con estos tiempos de crisis, se podría haber hablado con alguna institución financiera para que lo costeara (en este caso sí hubiese sido oportuno) pues la calidad de la obra de D´Antoni así lo merita, a pesar de ello, la obra no pierde su lustre y gana en calidad cuando se está cerca del original. Por todo ello les recomiendo que no dejen de visitarla, estará expuesta solo hasta el dia 11 de este mes.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Las muy prodigadas geometrías de Tomás

2011-06-04T14:35:00.013+02:00

Estimados lectores:

Finalizado el mes de mayo con apenas exposiciones de pintura en los espacios públicos que se destinan a ello. Solo con la excepción de aquellas muestras del pasado viernes 13, en la “Nit de l’Art” (la noche del Arte) donde siempre pudimos ver algún que otro ejemplo que valía la pena y otros, que realmente daba pena ver, ya no solo por las obras que se presentaban, (que también) sino por la proliferación de tanto artista de “weekend” que como setas de temporada, no sabían muy bien que bufonesco recurso hacer para llamar la atención de un publico, que con espíritu de folclórica romería y gastronomico esparcimiento, más que ir en busca de buen arte y cultura, deambulaban de un lado para otro, cual bandada de gallináceas hambrientas, tratando de “picotear” algún que otro canapé o bocadillo que se les ofrecía en los sitios que visitaban y al que también le acompañaba a veces una copa o vasito de plástico transparente, contenedor de un inquietante y asidrado cava sin apenas burbujas, o un espumoso vino rosado (a veces ámbar) solo apto para estómagos de molleja. En fin, una noche donde una vez más, el arte sirvió de pretexto para hacer coincidir en un mismo espacio, tanto lo elevado y culto, como lo pedestre y mundano, situación que quizás pudiera fascinar al criterio del hombre ilustrado, pero que confunde y mucho a aquel que como neófito, no tiene la capacidad de valoración y juicio.

Empieza junio, y al parecer las propuestas siguen brillando por su ausencia, así como la insulsa tónica del aburrimiento y la falta de talento. Tal es el caso de la exposición titulada “Geometrías” del veterano Tomás Molins (México -1945) que se inauguró el pasado dia 2 de junio en el centro cultural Castalia Iuris y que permanecerá expuesta al publico hasta el próximo dia 2 de Septiembre (sin duda demasiado tiempo “en el aire”) pero en fin, tampoco es que en esos meses de verano en Castellón haya tanta gente interesada en visitar galerías y museos (donde afortunadamente y en este caso) la playa actuará como el mayor y mejor reclamo del publico.

Pero volvamos a las “Geometrías” de Tomás…

De trasnochado e impersonal resultado, se podría definir lo que encontramos en la muestra de este señor, que tantísimo se parece (pero en versión descuidada, simplista y “salchichera”) a la obra de modernos maestros como Gerardo Rueda, pintor y cofundador del museo de arte abstracto español de Cuenca (1ª imagen del párrafo) el alemán Imi Knoebel, pintor y escultor minimalista (2ª imagen del párrafo) y el artista inglés Ben Nicholson (3ª imagen del párrafo) entre otros muchos, que abordaron el lenguaje del “constructivismo” en la abstracción, desde los variados recursos que incluyen también los Collages, pero sobre todo, el rigor del discurso, la complejidad compositiva, la sensorialidad y fuerza expresiva del color y las formas primarias en los exquisitos acabados de sus obras. Muy lejos sin duda, del resultado que nos transmite con su trabajo este señor Tomás Molins, pero que “curiosamente” su exposición viene respaldada por un buen catalogo, (digno de un artista consagrado) con unas instructivas e ilustradoras palabras de la Lda. Juana Camps, que evidencia sin ningún género de duda y de manera implícita, la pobre calidad de este señor, cuando comparamos sus trabajos con los de estos artistas referentes. Por lo que me pregunto… ¿Esto es producto de sus buenos contactos y relaciones, sobre todo con la Caja Mediterráneo, o es simplemente casualidad? Sea cual sea la respuesta, lo cierto es que en este caso, hay demasiada “envoltura” para tan poco “regalo”. Y lo peor y más lamentable (como casi siempre suele ocurrir) es que el coste de ese mismo despliegue de promoción, hubiera sido más útil y justo, si se hubiera utilizado para respaldar la obra de jóvenes artistas, que no solo lo necesitan más, sino que además estoy seguro aportarían mejor calidad en sus propuestas.

Porque según he podido leer de su poca trayectoria que aparece por Internet, el señor Tomás Molins desde 1989 hasta el año 2003 se replantea sus fundamentos plásticos y reaparece en la escena artística tras más de quince años de silencio. Quizás hubiera sido muy saludable, viendo los resultados después de tan dilatado tiempo de inactividad creativa, que hubiera permanecido callado y sobre todo reflexionando sobre su capacidad real de aportación al arte; desde luego la pintura y un servidor, se lo hubiéramos agradecido mucho, sin embargo es curioso como a pesar de estar en presencia de un resultado pobre de aficionado, simple de contenido, repetitivo y antiguo y sobre todo tosco y descuidado en la factura, esta muestra del señor Tomás Molins, consta con el respaldo de Caja Mediterráneo que además, le ha financiado un buen catalogo. Esperemos que no estemos en presencia de un nuevo “elegido” por el poder, no creo que los tiempos que corren se lo puedan permitir.

Pero en fin, como suelo hacer siempre después de escribir un artículo en este blog, les invito a que visiten esta muestra en el centro de arte Castalia Iuris que como todos ustedes conocen, se encuentra ubicado en la Plaza Cardona Vives, 10 (sótano).

Y para terminar, me gustaría hacerlo parodiando aquel famoso slogan publicitario de los años 80 en la televisión, donde se anunciaba a un popular detergente y que decía… vean y comparen (con las fuentes) y si lo encuentran mejor, cómprenlo. Seguro que la Caja Mediterráneo se lo agradecerá mucho.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

“Magma Cromático”… pero de baja intensidad.

2011-05-01T20:27:00.008+02:00

Estimados lectores:

Con el titulo “Magma Cromático” quedó inaugurada el pasado 27 de abril la exposición de la pintora Gloria Iglesias Barredo, en la sala de exposiciones del centro cultural “Castalia Iuris” de nuestra ciudad, que como todos sabemos se encuentra ubicada en la plaza Cardona Vives, Nº 10 (sótano).

La muestra de una innegable atmósfera decorativa en el resultado, se refugia en el lenguaje de la abstracción gestual o expresionista, muy apropiada por otra parte, para lograr este tipo de efectos e intenciones. Lástima que la reiterada similitud de los tratamientos que he apreciado en los cuadros, no me haga pensar en una verdadera amplitud del conocimiento técnico de la pintora, sino mas bien en un oficio de aficionado, basado en la simple complacencia y aceptación de elementales formulas de representación, donde la autora ha valorado más el aspecto “bonito” del resultado, que aquel que representa lo realmente valioso y bueno de la propuesta.

La elemental concepción cromática de las obras, donde aparece una simple relación de colores primarios sobre fondos claros de neutros agrisados, es algo que suele complacer con mucha facilidad al ojo inexperto, que casi estoy seguro lo calificaría erróneamente de “fuerza”, “colorido”, “expresividad” y demás topicazos sin fundamento, es una lástima que la autora no se haya complicado más en este aspecto con relaciones cromáticas más complejas e interesantes. Espero que la crítica especializada oficial, no cometa el mismo error de este supuesto público poco exigente, aunque sinceramente no me sorprendería que existiera una coincidencia de apreciación, pues ya conozco de la profundidad de análisis, “prudencia”, “honestidad” y exquisita diplomacia de algunos versados especialistas que con su actitud reinciden en ilustrar aquella gran frase de Ramón y Cajal cuando dijo… “si no tienes enemigos, es porque jamás dijiste la verdad o porque jamás amaste la justicia”, pero en fin, volvamos al tibio Magma de Gloria.

El agradable dinamismo de las composiciones en los cuadros de Iglesias Barredo, basadas en un orden axial, a veces radial y en otros casos oculto dentro del plano de representación, está apoyado en la interacción poco trabajada de las manchas de colores, lo cual me hace intuir y aceptar como posible, un método de creación basado en el entretenido divertimento de un “juego”, que se sustenta en una concepción más casuística y accidental de la propuesta, que en aquella que persiguiendo una intención discursiva más elevada y de interés, se encuentra avalada y supeditada a un razonamiento más complejo, intelectual y culto del contenido de la obra. De ahí que el resultado final alcanzado en las mismas, sea aunque muy agradable y “bonito” en su aspecto formal; simple, insustancial y soso en su propuesta discursiva.

Y es que en este lenguaje de la pintura abstracta, donde ya hay tanto camino recorrido con tan buenos ejemplos de referencias, que se han ido extendiendo a todo lo largo y ancho del mundo y desde hace más de un siglo de existencia, existe poco margen para la “novedad” o incluso la sorpresa de nuevas propuestas. Si no se tiene realmente una buena formación, una gran cultura y un amplio conocimiento de los recursos plásticos y técnicos, es muy fácil que un pintor caiga en estos viciados e insustanciales resultados, colmados de clichés y relamidas fórmulas, que de tanto repetirse han perdido lo atractivo, novedoso y también sugerente de su lenguaje, dejando casi siempre un resultado que más tiene que ver con esos cuadros que encontramos colgados en las decoraciones permanentes de pizzerías, pub y cafeterías de barrios, y que a la vez han salido de tiendas baratas de enmarcación. Porque ser un pintor abstracto hoy en día, es sumamente difícil y complejo y sin duda es mucho más que manchar sobre una tela un conjunto de colores primarios con más o menos gracia y gusto.

No hay que olvidar (aunque no digo que éste sea el caso) que es precisamente en el informalismo (caracterizado principalmente por su lenguaje abstracto), donde podemos encontrar los mayores fraudes con ejemplos de seudos “artistas” que viéndose ante la incapacidad intelectual y de oficio para acometer sus obras, asumen roles de patético “friquismo” tratando de justificar lo que es carente de valor, con poses y palabrejas que ni ellos mismos entienden ni conocen, y puedo asegurar que Castellón no es la excepción. Aquí también podemos encontrar algunos ejemplos de esa “fauna” con especimenes que resultan muy folklóricos e increíblemente reconocidos. “Artistas” que con esa actitud de anacronismo “intelectualoide” confunden y hacen flaco favor a los serios y profesionales resultados que aparecen en las obras de pintores tales como: Kandinsky, Delaunay, Mondrian, Malévich, Pollock, Paul Klee, Mark Rothko, Manuel Viola, Lucio Muñoz y Zao Wou-Ki entre muchísimos otros, que han sabido generar con la abstracción, un aire de libertad con un fin en sí mismo tanto en la creación, como en la universalidad del arte, dignificando con su trabajo una forma emocional y autónomamente plástica, hecha por pintores y para el disfrute pleno de pintores. Menos mal que por esa misma razón, (y también como puede ocurrir con cualquier otro lenguaje), siempre hay quienes saben “leer” y pueden advertir cuando posiblemente estamos en presencia de estos ejemplos con clara ausencia de aportaciones, aunque incluso estos puedan venir enmascarados en un magma de colores más o menos agradables.

La “bonita” exposición de la pintora Gloria Iglesias Barredo, permanecerá abierta al público hasta el próximo dia 11 de mayo en los horarios acostumbrados, recomendándoles sinceramente a todos su visita, porque a pesar de opiniones, y como todos muy bien sabemos, en cuestión de gusto no hay nada escrito y hasta un “magma cromático” (aunque pueda reconocerlo de baja intensidad) puede resultar para algunos, un buen ejemplo de destreza, calidad y belleza.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Un dos por uno con calidad.

2011-04-18T17:10:00.033+02:00

Estimados lectores:

Con los títulos de “Introspección” y “La herencia de Aracne” se encuentran expuestas al público en las sendas salas del centro cultural provincial “Las Aulas” de nuestra ciudad, las exposiciones del las pintoras Eva Córdoba Armelles y la experimentada Pilar Edo, respectivamente.

La primera, una joven pintora que me ha sorprendido gratamente con sus trabajos, no solo por la limpieza y rigor de los acabados de sus cuadros, sino porque sabe “enmascarar” muy bien algunas de sus carencias, muy propias por otra parte, de su formación autodidacta, sobre todo en aquellas cuestiones relacionadas con el dibujo y la composición, algo que denota no solo buen gusto, sino además inteligencia.

Un aspecto que me ha llamado la atención en esta exposición, es ese lenguaje “grafico”, que Córdoba Armelles utiliza en sus cuadros, basado en un tratamiento de “tintas” planas como si de una serigrafía o impresión offset se tratara. En la actualidad y desde hace ya mucho tiempo, ya existe una técnica en pintura como el acrílico, que facilita mucho la obtención de ese mismo tratamiento y resultado pero que sin embargo esta joven autora sigue utilizando la técnica al óleo para llegar al mismo resultado ¿Cuál será la causa? ¿Rasgo de “novedad”, ignorancia o sencillamente preferencia? El caso es que sin duda sus cuadros como puzzles fragmentados en laberíntica línea blanca de contorno, transmiten una sensación un tanto “ingenua” de aquel lenguaje cartelista, muy propio y usado en las pasadas décadas de comienzo del siglo XX, principalmente en las corrientes del Art Deco y el Art Noveau (modernismo en España).

Por lo pronto tengo que decir, que el comienzo para esta pintora ha sido bueno, pero tanto su "reciente" afición, como su temprana juventud, no me permite por el momento desarrollar una mayor y más amplia valoración de su trabajo. Solo me resta desearle mucha suerte y decirle que el verdadero éxito se encuentra en la medida en que uno pueda consolidarse en la constancia y el rigor por el trabajo.

Por otra parte la experimentada Pilar Edo, nos presenta una serie de obras, todas ellas desarrolladas sobre papel, donde su autora vuelve a poner de manifiesto, la habilidad que sobre algunos recursos y procedimientos, como el estampado, el collage y la impresión o transferencia posee. El mitológico tema sobre la asombrosa habilidad de Aracne (una tejedora mortal) que llega incluso a rivalizar con la mismísima Minerva, ha sido un motivo muy bien traído por Pilar no solo para rendir merecido tributo a la mujer de antaño, si no además para justificar el discurso de esta serie, donde la artista pretende provocar la reflexión sobre el modesto e inmerecido rol que asumió la mujer durante muchos años (ahora menos) y que Pilar nos explica muy bien en el catalogo cuando nos dice… “Un quehacer más de las labores femeninas, donde el tiempo pasa sin valor, la vida se consume con lentitud, el trabajo no tiene remuneración ni reconocimiento y lo que se hace se deshace”.

Una muestra que se nos presenta con muy buena factura expositiva, con elegante coherencia y armonía del lenguaje, donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle. Quizás decir como una pequeña observación, que existen algunos ejemplos en la exposición que aparecen más alejados del tema, donde se acusa demasiado el sentido decorativo que tienen los recursos de la estampación de los brocados y demás tejidos, viéndose reforzado además con un orden más elemental de sus composiciones y recursos cromáticos, llegando a provocar la sensación de ser muy repetitivos en lo formal y herméticos en su discurso. Pienso que aunque todas las obras, con muy buena calidad, son aquellas las que se encuentran colgadas en la primera parte de la sala (nada más entrar) las que sostienen totalmente el peso conceptual de la muestra, pero en cualquier caso, la exposición es no solo buena si no además hermosa, algo que sigue hablando muy bien, del trabajo de Pilar Edo, así que se la recomiendo a todos para su visita.

El centro cultural provincial “Las Aulas” de nuestra ciudad, este mes pasa la prueba con nota y todo gracias a Eva Córdoba Armelles y Pilar Edo, que han sabido deleitarnos con un buen trabajo. Enhorabuena a las dos.

Las exposiciones permanecerán abiertas al público hasta el próximo dia 30 de abril en los horarios de lunes a sábado de 10 a 14 y de 17 a 21 horas.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

Esculturas fragmentadas

2011-04-13T17:22:00.020+02:00

Estimados lectores:

De muy buena podría calificarse la exposición que el pasado 7 de abril quedó inaugurada en el espacio expositivo del centro cultural Castalia Iuris de nuestra ciudad, situado en la Plaza Cardona Vives, 10 – (sótano), del joven escultor Manuel Martí Moreno (Valencia, 1979).

A pesar de que la muestra nos pudiera recordar a algunos antecedentes icnográficos de referencia como son: los del catalán Jaume Plensa, (imagen 1 del párrafo) el israelí Niso Maman (imagen 2 del párrafo) o incluso algunos trabajos de joven orfebre canadiense Bert Lambier, (imagen 3 del párrafo) la muestra de Marti Moreno, resulta de gran atractivo estético y con un buen dominio técnico tanto de los aspectos del dibujo y la anatomía, como de aquellos que intervienen en el proceso de realización de las piezas; como son el soporte, el conocimiento sobre los materiales utilizados, la presentación, etc. Martí Moreno nos muestra en su trabajo un conjunto de cabezas humanas, algunas de ellas de proporciones heroicas, donde se combina principalmente dos tipos o géneros de esculturas, por un lado, el alto relieve en la que el joven escultor utiliza en su modelado, una fina malla de plástico o metal a modo de tul; la cual le aporta a la pieza no solo una inquietante transparencia (poco usual en este genero) si no además una expresiva y a veces enigmática expresión de los rostros que se exhiben. Por otra parte, encontramos la escultura de busto, esta última con un sentido muy sugerente del volumen, donde el autor conjuga en una hermosa y orgánica relación de la tridimensionalidad, tanto al volumen físico, como aquel que justificado en el espacio virtual (hueco) nos indica la correcta terminación de la pieza.

De ese modo, nos encontramos ante un resultado, que a pesar de la supuesta pesadez que pudiera sugerir una cabeza de tales proporciones, gracias al sentido inconcluso de su acabado, el resultado de la obra se alza ante nuestros ojos con gran ligereza visual, fragilidad y belleza.

Quizás este recurso de lo fragmentado o “inacabado”, bien podría hablarnos en el sentido conceptual de su discurso, de la siempre necesaria capacidad de superación que debe tener el individuo durante toda su vida, o dicho de otra forma, la necesidad de ir construyéndose a si mismo poco a poco. Una verdad común, que ha sido más coherente representar, (como así lo ha hecho el autor) desde los rostros anónimos que vemos expuestos en la exposición. Pues ese recurso que ataña a todos los individuos por igual, no solo nos permite relacionarnos e interactuar mejor con el entorno y los demás seres humanos, si no que además actúa como valiosa herramienta de supervivencia en el medio.

También podría aludir a ese sentido filosófico que relaciona a las partes con el todo y viceversa; ese que nos habla del conocimiento concreto de la realidad, el cual consiste no en la sistemática adición de unos hechos a otros, sino en un proceso de concretización, que procede del todo a las partes y de las partes al todo.

Pero en fin, sea cual sea la causa teórica que justifique este maravilloso resultado expositivo, lo cierto es que la muestra de esculturas de Manuel Martí Moreno que ahora se exhibe en el centro cultural Castalia Iuris de nuestra ciudad, es un buen ejemplo que he disfrutado mucho, entre otras razones, por su profesionalidad y belleza estética.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo dia 26 y sería realmente una pena que no fueran a verla.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

"Placeres muy sosos"

2011-03-31T17:44:00.028+02:00

Estimados lectores:

El pasado jueves 24 de marzo quedó inaugurada en el centro municipal de cultura de la calle Antonio Maura 4, la exposición titulada “Placeres” realizada por el equipo Coca, la cual permanecerá abierta al público hasta el próximo día 9 de abril.

De al menos “curiosa” podría calificar dicha exposición del grupo compuesto por Concha Daud y Carmen Miralles. La primera, Doctora en bellas artes por la universidad politécnica de Valencia y la segunda, pintora autodidacta y licenciada en psicología clínica por la UNED. Y digo esto, porque si bien la idea que esta exposición recoge, resulta muy singular en su propuesta, la manera de ejecutarla dista mucho de provocar en nosotros ese “placer” al que se hace referencia. Desconozco que tal serán ambas autoras en las artes culinarias, pero si cocinan como pintan, cualquier menú de hospital tendría mejor sabor que los platos que ellas pudieran hacer, y pocos serían los invitados de paladares exigentes, que se pudieran sentar a su mesa para degustarlos.

Quizás la clave de este “insípido” resultado pictórico está, en que (según se refleja en el catálogo de la muestra), ambas inciden de manera directa tanto en el proceso de creación de las obras, como en su ejecución; y esto casi nunca suele traer buenos resultados. Y no es porque piense que la ejecución de la obra deba ser asumida por la especialista del equipo, en este caso Concha Daud, ¡NO!, he visto en estos últimos 20 años en España, a muchos pésimos pintores (lo cual no quiere decir que sea el caso) que ostentaban el título de licenciado y doctor en arte, con una formación insuficiente tanto en el campo de lo teórico como en el de lo práctico, donde cualquier curso a distancia on-line, o bien por correspondencia, hubiera arrojado mejores resultados. Y por el contrario, he visto también a excelentes artistas autodidactas no solo con interesantes propuestas en sus discursos plásticos, si no además con una depuradísima técnica que los hacían merecedores del respeto y el reconocimiento tanto de críticos y especialistas, como del público de arte en general. La cuestión está, en que amparados en esa “originalidad” que tiene hoy en dia el ser “moderno”, cualquier experimento que se haga tanto en lo material (soportes, materia pictórica, aglutinantes, usos de instrumentos etc.) como en las ideas o incluso en los procesos de creación, aparece como condición sine qua non en el arte actual y esta exposición pienso que es un buen ejemplo de ello.

A diferencia de una pieza para piano, la cual puede ser tocada a cuatro manos, e incluso a seis por varios intérpretes, un cuadro, (y no hablo de una acción plástica) solo puede responder a su esencia de pieza única e irrepetible, cuando es ejecutada por un solo autor, solo así esta alcanza la seriedad, coherencia y rigor de los acabados y tratamientos, (y si inciden más de un autor) los roles de incidencia sobre la obra, deben estar bien delimitados, responsabilizándose cada “autor-ejecutor” de la parcela de acción que le corresponde, porque de no ser así, el resultado resulta pobre, inacabado, pueril e insuficiente y tratándose de esta exposición que nos quiere hablar del placer de degustar, “muy soso”.

Pienso que para lograr una buena correspondencia en término de placer, entre los sentidos del gusto y la vista (como según parece es la intención conceptual de esta exposición) el equipo Coca se debió exigir mayor amplitud y rigor en los recursos plásticos de las obras, mejor color, mejor dibujo, mejores acabados, mejores y más atrevidas composiciones, en fin, mejores cuadros. A estos no los veo siquiera colgados en las paredes de un restaurante, cumpliendo una simple función decorativa; quizás para una cafetería o chiringuito de playa, pero no en uno de esos que tenga la categoría de tres o más tenedores. Pues aún siendo representados en cada cuadro los más suculentos alimentos, los postres más dulces y las más deliciosas frutas, si estos no entran por los ojos, sería muy difícil convencer a alguien del placer que nos provocara su sabor. Quizás hubiera sido mejor hablar de “sensaciones” como título de la muestra y no de “placeres”, pues el espectro subjetivo de la experiencia sensorial es mayor y más amplio, ya que como bien se señala en el catálogo de la exposición (a mi entender contradictorio en intenciones) el placer es la ausencia de dolor o de cualquier tipo de tormento: el hambre, el hastío,… Yo prefiero definir el placer más como gusto, sensación agradable, con capacidad de apetecer, o como la plena satisfacción sin impedimento alguno.

Espero al menos que en esta ocasión, los placeres que nos propone el equipo Coca con su exposición, hayan estado presentes el día de su inauguración en la tarde del pasado 24 de marzo con el vino de degustación, pues ya que la exposición no provoca la sensación de placer deseada, al menos que se pueda hablar de lo bueno que estaba el vino. Ese néctar de dioses, que bebido con moderación, resulta ser un gran placer.

No quiero terminar este artículo de opinión, sin hacer antes una merecida mención al anónimo diseñador del catalogo de esta exposición, que ha sabido con arte y buen gusto sacar lo mejor de los cuadros; lástima que luego la realidad haya sido tan distinta y desilusionadora.

La muestra permanecerá abierta hasta el próximo día 9 de abril en horario de 10 a 14 y de 17 a 21 horas. Sábados y festivos cerrados.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez.

“Recién pintados”. ¿Y pensados?

2011-03-26T12:12:00.018+01:00

Estimados lectores:

Bajo el titulo “Recién Pintados” quedó inaugurada el pasado dia 24 de marzo, en el espacio expositivo del centro cultural Castalia Iuris de nuestra ciudad, situado en la Plaza Cardona Vives, 10 (sótano) la exposición del pintor castellonense Lorenzo Ramírez, (Borriol – 1952) la cual permanecerá abierta al publico hasta el próximo dia 6 de abril.

Después de un largo periodo de prueba y error, incursionando en iconografías de otros artistas, entre ellos Picasso, y que supongo le hayan servido de provecho a Lorenzo, al menos para saber que poco o nada tenían que ver con las características conceptuales, expresivas y de método con su pintura, éste vuelve a sus orígenes para ser lo que siempre ha sido, con cierta personalidad y resultado notorio, un pintor costumbrista; que en consecuencia se ve interesado por las tradiciones que caracterizan a las personas de esta región, entre las que destacan el amor por la pólvora y su correspondiente sinfonía del ruido, sus fiestas regionales llena de religiosidad y paganismo, la tauromaquia y demás actividades que hacen de Castellón todo un escenario que siempre vinculado a la tierra, se alza con identidad propia en esta España, cada vez más plural.

En esta ocasión (y pienso que de forma acertada) Lorenzo Ramírez nos habla a través de su obra del color y el temperamento vivaz de alguien que maneja la técnica y también algunos de sus recursos, con seguridad y oficio. Con trazo firme, a veces de gran esquematismo, muchos de sus lienzos, sobre todo aquellos que se alejan formalmente de la descripción sencilla y narrativa del objeto, adquieren una decorativa belleza, donde el tratamiento suelto de las pinceladas se alza envuelto en expresiva gestualidad de gran sugerencia en el discurso.

Al parecer, Lorenzo Ramírez en su andar continuo de búsqueda y experimentación, se va alejando poco a poco de aquellos años, donde el resultado de su pinturas (principalmente paisajes de amplios celajes) lo aproximaban de manera directa a ese expresionismo “Porcariano” de reminiscencia Impresionista. En la actualidad con esta exposición, el pintor transita hacia una liberación mayor de su paleta, logrando un resultado de gran colorido, de mayor sugerencia y libertad de lectura en el terreno de lo visual y también en el contenido que pretende transmitirnos. Con un lenguaje cercano a una iconografía Fauvista, Lorenzo se va alejando de aquellos “escenarios” agrisados, que poca o ninguna diferencia establecían con la fuente de referencia que emanaba de la obra del maestro Juan Bautista Porcar Ripollés (1889 -1974) y de la que Lorenzo bebía en cada cuadro suyo, prácticamente hasta “ahogarse” (espero que ya haya quedado saciada su sed).

Por otra parte la vuelta de Ramírez a la temática costumbrista, es algo que se agradece con optimismo y aliento esperanzador, pues dentro de esta línea, pocos y muy recurrentes, han sido los motivos que han intensado recrear a los pintores de la zona, que en su gran mayoría, y salvo rarísimas excepciones, siempre la han acometido de una manera simple, descriptiva y muy superficial, que a parte de no aportar nada nuevo, ni en el contenido, ni en la forma, actúan en detrimento de lograr una intención más elevada y culta de los valores de identidad.

Sería bueno que Lorenzo tomara buena nota de esto, pues existen aun algunos ejemplos dentro de esta exposición, que mejor hubiera sido no haber expuesto, precisamente por hacerse eco de esta cuestión. Él que ha sido un “estudioso” de la obra de Picasso, debiera saber que el genio malagueño dijo “Yo no pinto lo que veo, pinto lo que siento y todo lo que puede ser imaginado es real” y es que el concepto de realidad no debe entenderse en arte, en hacer las cosas reales sino la realidad de las cosas, es por eso que la ermita de la Magdalena recreada por los ojos de un pintor, debiera ser algo más que la descripción simple y superficial de una modesta construcción blanca ubicada en las alturas de una montaña, donde acudimos en multitudinaria romería cuando son las fiestas de la Magdalena; como mucho más también debiera ser, la basílica de la virgen de Lidón, patrona absoluta de esta región, así como los demás aspectos y elementos que distinguen tanto a esta zona, como a la idiosincrasia del castellonense.

A pesar de esta reflexión, pienso que la muestra que ahora nos ofrece Lorenzo Ramírez en el centro cultural Castalia Iuris, y que permanecerá abierta al publico hasta el próximo dia 6 de abril, posee no solo una loable calidad y belleza, si no una gran coherencia con el momento que vive nuestra ciudad en estos días de su fiesta grande de la Magdalena, donde se rememora que desde el año 1251 los pobladores de esta zona establecieron su asentamiento definitivo y prospero, en el plano fértil de Castellón, buscando además una aproximación y salida al mar Mediterráneo. Es por ello que los invito a todos a que asistan a verla, pues seguro estoy que podrán disfrutarla.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

La niñez de los abuelos.

2011-03-18T17:05:00.015+01:00

Estimados lectores.

El pasado 10 de marzo se inauguró en la sala Bancaja Hucha de la calle Enmedio 82 de nuestra ciudad, la exposición titulada “Joguets”. “Memòria d´una infantesa”, que nos muestra la colección de fotografías y juguetes antiguos de Dña. Marisol Montesinos y que estará expuesta al público hasta el próximo 30 de abril.

Son muchas las sensaciones que experimentamos al contemplar esta exposición, la primera de todas quizás, una gran ternura por aquellos pequeños protagonistas de la niñez de entonces (los abuelos de hoy) que serios y orgullosos nos posan ante la cámara fotográfica con su juguete favorito. Imágenes de fotografías con técnicas de antaño, como la iluminación a mano con colores de irrealidad, los virados a sepias; y todas ellas amarillentas por el pasar del tiempo, fundidas dentro de esa nostalgia que aunque no vivida, nos remonta a un sano pasado de imaginación, candidez y hermosos valores de participación, convivencia y generosidad entre los amigos de juegos, que por el contrario, hoy nos resultan tan ausentes y prácticamente olvidados; sustituidos por esos sedentarios artefactos electrónicos de nombre anglosajón, fabricados muy probablemente en el lejano oriente, no en el de los reyes magos, si no en aquel donde un hombre está dispuesto a trabajar por un pozuelo de arroz hervido al día, dando gracias y venerando a un líder, que una vez habló del significado de ser “rojo”, pero como en las fotos de esta exposición, hoy palidece en un rosado capitalista al que todos temen y otros admiran. Actuales juguetes que mucho fomentan la soledad, la violencia y el egoísmo que lentamente convierte en victimas a nuestros hijos y nietos.

Lejos quedan hoy aquellos juegos donde las calles y la siempre renovada naturaleza, constituían los escenarios predilectos de los juegos de aquellos niños, donde la chispeante imaginación buscaba cobijo en los modestos y a veces cotidianos recursos materiales que conformaban el lúdico objeto; un trozo de madera, un pedazo de cartón, una plancha de latón pintado, y a veces desnudo, el cotidiano cordel de esparto o la elástica goma de caucho para unir las piezas, o aquel resistente aro de hierro de chirrear característico, que servia para construir aquel juguete favorito de todos, el más deseado, el más moderno, aquel que más era compartido entre los inseparables amigos. Subiendo y bajando las cuestas de la calle donde vivía el abuelo y también el padre de éste, que callado y sonriente vigilaba la divertida escena de jolgorio y chiquilladas, sentado en aquella robusta silla de enea, que solía inclinar sobre la pared de la fachada de aquella modesta casa.

Esta es sin duda una hermosa exposición para el recuerdo y la admiración de aquellos niños (hoy nuestros abuelos) que una vez pensaron en crecer y crecieron; haciéndose hombres y mujeres, abandonando a Peter Pan y la compañía de aquellos hermosos juguetes, sus juguetes; pero nunca la felicidad y el recuerdo que estos les provocaron en su infancia. Y ahora con el rostro agrietado por la experiencia de los años, con ojos cubiertos de nube, sonríen ilusionados con volver a jugar con sus viejos juguetes, y también con los amigos de antaño, aunque ya no estén todos los que fueron.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

"Comba10. Mejor menos con mas"

2011-03-13T19:05:00.021+01:00

Estimados lectores:

Con motivo de la celebración del dia internacional de la mujer trabajadora, el pasado 8 de marzo fue inaugurada al publico en la Sala Bancaja Abadía de Castellón, situada en Plaza de la Hierba s/n, la exposición titulada “¿Qué pintan las mujeres?”. Una muestra protagonizada por el singular grupo Comba 10, integrado en su totalidad por mujeres dedicadas a la creación en las artes plásticas, y que en esta ocasión rinden merecido homenaje a aquellas pintoras que recoge la historia del Arte.

Con un claro interés de reivindicación del papel femenino en el terreno del arte, el grupo Comba 10 integrado por Rosana Asensio, Mª Carmen López Olivares, Sara Lloret, Mª Carmen Aldás, Pilar Edo, María Griñó, Agustina Ortega, Eloisa Aldás, Tere Colomé y María Olmeda, nos presenta un amplio y variado abanico de diversas iconografías de artistas femeninas, que han estado presente en la historia del arte desde los tiempos del Alto Renacimiento Italiano, hasta la época actual y que en esta muestra, conviven en esa intención de recreación “dual” entre la obra de la pintora homenajeada y la interpretación de la que le rinde el tributo. En la exposición cada pieza (cuadros, instalación y fotografía) está acompañado de un panel donde se reseñan los datos biográficos de la artista homenajeada, así como algunos aspectos de interés de su carrera artística y personal, lo cual aporta y refuerza el carácter didáctico e instructivo de la muestra y le agrega un plus en su valor comunicativo con el público. Fundiéndose en un resultado único, donde el recurso de apropiación (al menos en la idea del discurso) se hace presente y donde en algunos casos, el resultado le confiere a la obra un gran interés plástico, tanto en su concepto, como en la factura del trabajo, (aunque siempre con algunas excepciones). Quizás resulte oportuna la ocasión para que el grupo se replantee el concepto de unidad, más que por cuestiones superficiales de afinidad de caracteres o de sexo, por apostar por la calidad y seriedad con que cada integrante acomete su obra y los proyectos, porque de esa forma, será lo único que contribuya a una mayor profesionalidad, interés y valor del grupo. No estaría mal restarle al “10” del grupo Comba dos o tres dígitos, para así ofrecer más, con menos, (pero esto es solo una sugerencia).

Aun cuando podríamos alabar de esta exposición su puesta en escena, e incluso su noble intención en reivindicar el valioso papel que ha desempeñado durante tanto tiempo la mujer en diferentes actividades de la vida, esta exposición es un buen ejemplo que nos demuestra, que de buenas intenciones está empedrado el camino del infierno. Y por otra parte, desde el punto de vista del arte esto no puede ser suficiente, por ser éste el escenario indiscutible donde gracias a la armonía entre contenido y forma, se pueden sublimar las ideas. Pero en esta exposición existen claros ejemplos (a los que voy a referirme a continuación) que nos demuestran, que aunque muy válidos en sus propósitos e intenciones, dejan mucho que desear en su manera de ejecutarse, lo cual actúa en detrimento de la calidad general del conjunto en esta exposición en particular y del grupo en general.

La exposición de izquierda a derecha…

De sencilla y muy esquemática podría considerarse la visión que nos presenta Rosana Asensio de la obra de Lavinia Fontana, donde apreciamos un peligroso acercamiento a un resultado que acaricia lo simple y caricaturesco en la forma, haciendo flaco favor a la depurada técnica de la artista boloñesa. Quizás fueron las prisas las causantes de este resultado o simplemente, el poco interés por profundizar más en el tema, no lo se, pero está claro que en esta ocasión, Rosana no ha estado a la altura de tan exquisita pintora italiana que ya desde la cuna acariciaba el rigor del oficio con el ejemplo de su padre, el gran pintor Prospero Fontana.

Mª Carmen López Olivares se atreve con la obra de Artemisia Gentileschi y Sofonisba Anguissola en un hermoso díptico de intención surrealista, donde la composición se fragmenta y el color se hace protagonista. Su resultado es muy hermoso y de gran calidad, no se puede negar que se siente muy cómoda incursionando en esas barrocas atmósferas donde la luces y las sombras dotan al resultado de una exquisita belleza.

Mª Carmen Aldás con la obra de Mary Cassatt realiza una visión un tanto infantil, tanto por el elemental uso del color, como por la simpleza del dibujo que emplea, transformando la belleza de la obra original, (basada más que en el motivo que trata, en el dominio y la fuerza del color) en una visión más simple, “bonita” y muy decorativa.

Con paso seguro y ajustado a un lenguaje que le caracteriza, Maria Griñó nos recrea una obra de Suzanne Valadon. Griñó no arriesga en soluciones y experimentos que no le son afines, prefiere aportar su manera y forma de concebir la pintura y eso se agradece, porque a pesar de que podamos recordar la obra de Suzanne Valadon, estaremos en presencia de un cuadro de Maria Griñó.

Sara Lloret en su trabajo inspirado en el de Tamara Lempicka, nos habla del color, del amplio recurso textural que conoce, de la habilidad que expresa en convertir el motivo de referencia, en un resultado más propio y personal, dotándolo de una buena calidad y una amplitud de los recursos plásticos utilizados. Aunque inspirado en Lempicka, Sara Lloret nos muestra una obra propia, con personalidad, rigor y gran belleza que la coloca entre mis favoritas.

No tiene tanta suerte en el resultado Agustina Ortega, con su trabajo inspirado en la pintora mexicana Frida Khalo, del que solo existe una alusión simplista y superficial del tema, a parte de un mal uso del recurso del collage, que mas que encolamiento o adherencia, es un "pegote". Su trabajo es descuidado, tosco y de pobre factura, pero sobre todo está, lo maniqueo y elemental en su discurso (para Frida el escudo mexicano, para Agustina el de Castellón) como si todo el angustioso mundo surrealista de la mexicana se redujera sencillamente a un símbolo patrio, y si con esto no hubiera suficiente “paja” en el cuadro, lo llenamos de frases e ideas, que de tanto repetirse se han convertido en topicazos de los que todos hemos oído hablar, pero que nadie sabe muy bien lo que significan, y si no, atenednos a lo que a la vista está. Para terminar solo decir a modo de piropo, que Ortega no salió muy favorecida en su autorretrato, no se si por modestia, o por falta de conocimiento en el dibujo.

Por otra parte Pilar Edo nos invita desde su obra, inspirada en la de la pintora Hispano-mexicana Remedios Varo, a disfrutar de los amplios recursos de la estampación, el collage y el accidente, logrando un resultado muy rico en los recursos plásticos, que trasciende el carácter ilustrador característico de la obra de Varo, para convertirlo en un resultado más plástico y experimental. Bajo una iconografía de inquietante “surrealidad” nos permite ver su capacidad de aportación personal sobre el motivo de referencia.

Tere Colomer nos presenta un trabajo inspirado en la obra de la artista Neoyorkina Susan Rothenberg de indiscutible valor plástico, lo textural ya forma parte de su sello y es algo que la pintora local ha ido madurando desde hace tiempo, pero en esta ocasión creo que no existe una correspondencia con la pintora de referencia, no solo sus iconografías son diferentes, sino el discurso que profesan en sus obras. La composición de Colomer basada en la hegemonía de los cortes sobre el lienzo, la vincula más al espacialismo de Lucio Fontana, que a Rothenberg. Lo contemporáneo aunque a veces confuso e impenetrable, también tiene sus propias reglas y personalidades y exige de nosotros mayor cultura e información para poder conocerlo y respetarlo.

En esta ocasión no considero nada acertada la pieza de Maria Olmeda, pues reducir la indiscutible, “autoflagelante” y profunda riqueza conceptual que encontramos en la obra de Gina Pane, a la instalación que nos propone, es poco menos que un insulto a la inteligencia, más propia de una decoración para escaparate de productos baratos, con jarrón y flores rojas marchitándose y cuchillas de afeitar desparramadas por el suelo, denota muy poco respeto por el arte y más que un homenaje a tan destacada artista, bien podría considerarse como una ofensa,. Sin duda un claro ejemplo de la manera superficial de ver y entender el arte contemporáneo que tienen algunos, cuando en realidad éste (el arte contemporáneo) está condicionado por la compleja erudición de sus planteamientos, viéndose obligado a veces, a ahogarse en el hermetismo de su propio discurso, pero de eso, a ser recreado en tamaña superficialidad. Claro que no tiene Olmeda porque preocuparse, no creo que Gina Pane conociera de esta exposición y sobre todo, (razón mayor de peso) que el arte nota su ausencia desde el año 1990.

Para finalizar la fotografía de Eloisa Aldás vinculada a la obra de la Dorothea Lange, me parece en su propuesta, no solo dolorosamente “hermosa”, si no muy en correspondencia conceptual con las intenciones de crónica documental que imprimía la norteamericana a las suyas. Como buena “discípula”, Eloisa Aldás pretende mostrarnos la senda de sus intenciones con este ejemplo que testimonia la cruda realidad, de contenida crónica desgarradora.

Les recomiendo a todos ustedes que asistan a ver esta variada muestra del grupo Comba10. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 3 de abril.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Melchor Zapata, un maestro de la expresión, "con mucho rojo".

2011-03-02T16:49:00.020+01:00

Estimados lectores:

Pienso que en esta ocasión, el contenido de este artículo será uno de esos donde lo controversial se hará presente, dificultando el consenso de opiniones entre aquellos que leen este blog con asiduidad, pues les hablaré de la obra de un artista que para algunos es todo un maestro, mientras que para otros, es alguien que aun siendo un estimable trabajador, su obra no alcanza un nivel de excepción en lo artístico, además de evidenciar algunas cuestiones carenciales en su manera de ejecutar la técnica, pero que sin embargo, éste ha sabido hábilmente aprovechar la “suerte” y los buenos contactos, hasta llegar a obtener con sus trabajos, una relevante popularidad en nuestra ciudad en los últimos años.

Desde que abrí este blog, en junio del 2009, siempre he tratado de ser fiel y sobre todo coherente con mi manera de entender el arte, afortunadamente, muchos han sido los artículos que han gozado del beneplácito de ustedes, destacando sobre todas las cosas, la forma clara y directa de valorar las obras, (que no a sus autores) así como mi posicionamiento critico, hacia algunos aspectos relacionados con la gestión que se lleva a cabo en la política cultural de nuestra ciudad, algo que por otra parte, no era posible ver en la critica especializada de Castellón hasta la aparición de este blog y que a pesar del tiempo transcurrido, sigue siendo aun inexistente, es por ello, que a riesgo de no gustar y hacer más enconada la relación con mis detractores, que también los tengo, pero a los que no les otorgo mayor importancia, pues a fin de cuenta se trata solo de mi opinión, y el que no quiera saberla, con no leerme tiene suficiente, hoy vengo a hablarles de la obra del Sr. Melchor Zapata (Alcolea del Río, Sevilla – 1946) que se exhibe en el salón principal del Centro Cultural Provincial “Las Aulas”.

Muchas veces he leído en algunas entrevistas que le han hecho a este artista, que él se siente más pintor que escultor. Es obvio que no podemos medir los sentimientos con objetividad y exactitud; por esa razón, uno puede sentirse tanto pintor, como escultor, músico, genio y hasta cosmonauta si lo desea, y nadie podría argumentar con objetividad dentro de ese subjetivo campo de los sentimientos si eso es así o no, aunque por otra parte, sí podemos valorar con cierta exactitud y corrección, los resultados que alcanzamos en el trabajo que hacemos, y en este sentido tengo que decir, que en ambas disciplinas artísticas, (escultura y pintura) los resultados del Sr. Zapata, no se encuentran en correspondencia con lo que se puede esperar, de alguien a quien se le considera un maestro, pues sin duda reflejan ciertos aspectos carenciales, no solo en el discurso plástico (que últimamente entre el Tombatossals", "el Arrancapins" y el “bufanúvols” lo mitológico le garantiza el pan) si no además, en la forma de acometerlo.

Escudado en el escenario icnográfico del expresionismo, han sido muchos los “artistas” (entre ellos pienso que también el Sr. Zapata) que han encontrado un marco idóneo para ocultar sus limitaciones técnicas y de oficio, y así tratar de vincularlas a una intención “conceptual” que paradójicamente dista mucho de la propuesta enunciada por la lejana vanguardia germana. Los expresionistas se antepusieron a los cánones estéticos academicistas de su época, distorsionando, estilizando y desdibujando la forma, en aras de encontrar un sentimiento que la respaldara, un discurso intimista y conmovedor, que buscaba la reflexión del publico sobre una realidad cada vez más cruel y deshumanizada, pero es obvio que nunca por una clara expresión de incapacidad técnica, o dicho de otro modo, el artista expresionista busca en el color un medio para transmitir su expresivo mensaje, y desdibuja desde el conocimiento de la forma, porque antepone el exceso de contenido de su discurso, a una representación fidedigna del objeto, pero nunca por defecto de lo técnico. Esto mismo ocurre con el autentico pintor abstracto, que gracias a su claro dominio compositivo y técnico, prefiere comunicarse (preferiblemente con un publico más especializado) mediante el singular lenguaje de la pintura y no como piensa el neófito aficionado, que es por su incapacidad a realizar las cosas “bien hechas”, considerándolo siempre de forma equivocada, como una expresión o manera fácil de hacer las cosas, quizás esta sea una de las razones por la cual, abundan en algunos círculos de “artistas” y jóvenes “promesas” tantos pintores caóticos y aberrantes que se auto denominan como “abstractos”, argumentando en su errónea manera de hacer, la clave de ser “moderno” pero que en realidad, lo que encontramos realmente son malos pintores, imitadores de los caminos y recursos ya trillados por otros, bebiendo de las superficies de las cosas, y ahogándose en la mediocridad que propicia el snobismo de esta época.

Pero volvamos al Sr., Zapata y su particular “expresionismo”.

Otro elemento o recurso de exaltación del discurso, que utilizó el movimiento expresionista a principio del pasado siglo XX fue el uso del color, tanto en un sentido amable y casi decorativo como el que se hacía en Francia, bajo el nombre de Fauvismo o el agrisado, opaco y melancólico que protagonizaron los artistas alemanes. Pero en cualquier caso el uso y manejo del color en manos de ambos grupos, (franceses y alemanes) denotaban un amplio dominio del cromatismo en la obra y no una elemental concepción de primarios (principalmente del uso abusivo del color rojo) como apreciamos en los cuadros de Zapata que a la vista está, o que mucho le gusta ese color, o que aprovechó en su día una buena oferta y compró un gran lote que le dura hasta hoy.

Otro recurso también mencionado por algunos críticos de Castellón, en los artículos referidos a este pintor y que también apreciamos en los cuadros de esta exposición, es el del uso de su pincelada, que según ellos (los críticos) la califican de gran soltura y fuerza expresiva, no se puede negar que una valoración de este tipo encierra un noble acto de bondad, pero también de gran irresponsabilidad e ignorancia. Teniendo en cuenta que en una pintura figurativa (como es el caso) una pincelada suelta, es aquella que no puede alejarse nunca en exactitud y correspondencia con la forma del objeto que se desea representar, y que en la medida que el pintor sea lo suficientemente hábil y resuelva con pocos recursos de pinceladas ese objeto, (sea cual sea éste) estaremos en presencia de un resultado suelto, enérgico, virtuoso y con mayor fuerza expresiva, un buen ejemplo de ello, es cuando Oskar Kokoschka (segunda imagen del párrafo) es capaz de construir una figura humana con pocas pinceladas, sin alterar la esencia misma del objeto y mostrándonos de él, su representación más clara y directa, e incluso su carácter psicológico, entonces estamos hablando de soltura, de fuerza y de virtuosismo en ese tratamiento. Cuando vemos en el gesto de un pintor, una clara acción de construir (incluso la destrucción) entonces estaremos hablando de soltura, fuerza y virtuosismo de la pincelada. En esta ocasión la pincelada del maestro Zapata me resulta imprecisa, descuidada y tosca, donde lejos de construir, caricaturiza y destruye con el color; donde más que pintar garabatea sobre el lienzo, logrando un resultado más propio de un mal ejemplo de bad painting (pintura mala) donde encontramos a muy buenos pintores como: Jean-Michel Basquiat, André Búster o Julian Schnabel este último, con sus originales collage hechos con platos rotos, (tercera imagen del párrafo) que sin duda tiene más gracia y talento que los cuadros de esta exposición.

Para concluir quiero decir, que visto lo visto, quizás sea más aconsejable para todos, (políticos, críticos y autores) bajar de las alturas y colocar a cada cual, en el lugar y en el sitio que le corresponde, de ese modo, se realizaría un saludable y claro ejercicio de humildad, coherencia y objetividad en nuestras valoraciones. Porque si nos acostumbramos a llamar genios, maestros y encumbrar a aquellos que como el Sr. Zapata (aunque no es el único) presentan tales carencias en su obra, y además se lo creen, (que no digo que éste se lo crea) entonces pocos adjetivos nos quedarían para valorar y resaltar la obra de aquellos, que con una firma más pequeña, pero con mucha más calidad en su trabajo, sí son merecedores de considerarse como tal, así no caeríamos en tan lamentable y grave injusticia hacia aquellos que lo merecen, y por otra parte, no se pondría en evidencia la patética y encumbrada ignorancia de quien lo dice y también de quien se lo cree y lo acepta.

A pesar de lo dicho, recomiendo a todos ustedes que visiten la exposición de este pintor, que permanecerá abierta hasta el próximo día 19 de marzo. Porque visitar una sala de arte siempre es constructivo aun siendo para comprobar que está bien o mal hecho, que nos gusta o no, y en el caso de aquel público afín a la especialidad, para saber lo que podemos o no debemos hacer. Sin duda una gran responsabilidad para el que expone, lastima que algunos “artistas” esto no lo tengan en cuenta con más frecuencia, pues de ese modo, no harían tanto daño al arte y a la cultura.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

¿Portamaceta o Gaiata?

2011-02-22T15:33:00.022+01:00

Estimados Lectores.

"…Hoy en día podemos pasear por las calles de la ciudad y disfrutar de una ciudad más guapa, respirando cultura y admirando nuevas obras de arte...” Estas fueron algunas de las palabras que pronunció el pasado viernes 18 de febrero nuestro alcalde, el Sr. D. Alberto Fabra Part, en el acto de inauguración de la escultura titulada “Fuego” del autor D. Jacinto Domínguez Luna, vecino de nuestra ciudad y delineante de profesión y que se encuentra emplazada en la rotonda de intersección de la avenida de Valencia, con la avenida de Burriana.

Es curioso como algunos hombres en un claro ejemplo de incontinencia verbal y demagogia política, pueden tener tan equivocada su percepción estética, y además atreverse con irresponsable ligereza intelectual, a valorar y diferenciar, lo bello de lo feo, la cultura de la seudocultura, el valor popular autentico, del mal gusto populista, haciéndose notar con mayor evidencia la equivocada apreciación, cuando el que habla no tiene, o tiene muy poco conocimiento del tema, pues para comprobar tamaña equivocación, solo tenemos que andar las calles de Castellón, para percatarnos de la aberración estética que existe en esa llamada política de “embellecimiento” de nuestra ciudad, donde encontramos a algunos auténticos “pegotes” (muchas veces del mismo autor) que poco o nada tiene que ver, ni con lo elevado y culto, ni con el entorno donde ha sido ubicada la obra; quizás si la elección hubiera sido consecuencia de un serio estudio de diseño urbanístico por parte de profesionales, y no de la incompetente, caprichosa y desinformada opinión de funcionarios, o políticos de turno que así lo eligen y asignan, esto no ocurriría, pero a pesar de todo, prestamos atención a lo que dicen aquel que ostenta la mayor responsabilidad de gestión dentro de la comunidad de personas, con la esperanza siempre de que algo pueda cambiar algún día; pero una vez más, escuchado el protocolar discurso de nuestro señor alcalde, llegan a mi mente las ilustradoras palabras que alguien dijo una vez… “Los sabios hablan porque tienen algo que decir. Los políticos hablan porque tienen que decir algo”, pero en fin, esto sería tema para otro articulo.

Hablando de la escultura “Fuego” de Jacinto Domínguez, que es el tema que nos ocupa en este artículo, tengo que confesar que cuando fui a verla al lugar, aunque con visibles errores técnicos, como: huellas dejada por el uso de radiales y gruesas soldaduras que actúan en detrimento de la calidad del acabado, esta me resultó muy agradable en su color de oxido natural. No se puede negar que Jacinto conoce el material, pero no tanto como para encubrir los errores que no escapan al ojo del experto. Aun así, lo cierto es que nos enfrentamos ante una escultura que alcanza una altura aproximada de unos 8 por 5 metros de diámetro; valores estos contenidos en un peso de 5,2 toneladas, realizada con láminas de hierro de 6mm de grosor por 750 mm de ancho que le aporta una cierta ligereza visual, así como una decorativa simetría que adorna el entorno urbanístico. Pero un color bonito no es suficiente merito como para hablar de una buena obra y mucho menos, para sentirse orgulloso del trabajo realizado, siendo precisamente en éste sentido, que quiero hacer mi valoración del trabajo.

Según he podido investigar el diseño de esta escultura 'Fuego', surge de una que el autor realizara en mediano formato (autor y obra en la imagen) y que fue expuesta junto con otras (también en metal) en una exposición que realizó en el Centro Municipal de Cultura del 21 de Enero del 2010 y que desde entonces, el autor la concibió como representación o símbolo de una llama.

Pienso que el cambio de escala, así como los contrapesos visuales, no favoreció a la monumental pieza que hoy se exhibe en la rotonda, pues sus actuales errores compositivos y de ritmo se hacen patentes, poniendo en evidencia la falta de rigor y conocimiento de su autor en este aspecto, ya que la rigidiza a tal punto que más que un fuego, (elemento caracterizado por su asimetría y gran dinamismo de líneas) esta pieza bien podría funcionar como un oxidado homenaje a la “gaiata”, (algo muy castellonense por otra parte) o un monumental soporte para macetas de barro a escala heroica, de los que vemos referenciados en la sección de jardinerías de los grandes almacenes o tiendas de bricolaje. Sin embargo esta falta de movimiento, impropia del objeto representado (el fuego) no aparecía en la escultura de mediano formato que Jacinto exhibió en el Centro Municipal de Cultura de la calle Antonio Maura en enero del 2010, la cual aportaba mayor dinamismo y control compositivo. Pienso que el temor a que las láminas de hierro de 6mm de grosor por 750 mm de ancho se “separaran”, obligo al inexperto escultor, a utilizar una medida preventiva o solución muy elemental, colocando una especie de cinturón en la parte baja de la pieza, convirtiéndola en algo rígido, verdaderamente ingenuo y sin valor compositivo alguno. Cuando no se tienen los conocimientos necesarios (tanto teóricos, como prácticos) ni la experiencia que traen los años de dedicación a la especialidad, ni se es verdaderamente un experto del volumen, en este caso un escultor, suelen ocurrir estos episodios lamentables, francamente desafortunados, que ante un riguroso análisis y valoración profesional de la propuesta, lo que nació como “escultura” monumental, es simplemente un objeto anodino de gran tamaño que no pasa el aprobado.

Quiero para ir concluyendo este artículo, ilustrarles con un valioso ejemplo de un trabajo profesional de Ricardo Ugarte escultor, pintor, grabador, fotógrafo y escritor perteneciente a la Escuela Vasca de Escultura junto con Jorge Oteiza y Eduardo Chillida entre otros, y que curiosamente lleva por titulo “El aleteo del fuego” (tres ultimas imágenes). Como podrán comprobar en este magnifico trabajo de gran dinamismo del famoso escultor vasco, podemos imaginar y sentir con gran emoción, hasta el calor de sus asimétricas llamas, algo que desafortunadamente, dista mucho del fuego de mechero que nos propone el Sr. Jacinto Domínguez.

Y es que como en todo oficio o profesión, existen reglas que respetar, conocimiento que adquirir y destreza que desarrollar. Acostarse delineante y levantarse escultor es muy difícil, mucho más cuando tratamos de hacer algo tan grande como este singular “fuego” que nos propone Jacinto Domínguez, donde afloran sin reserva, las autenticas y reales carencias que tiene su autor en esta disciplina artística. Porque eso es algo que aunque queramos adornarlo con amables y entusiastas palabras, políticamente correctas, como las que pronunció nuestro alcalde el dia de su inauguración, no podemos negar, ni encubrir la verdad, porque bueno será siempre el hojalatero para hacer vasijas de cobre y aceiteras, pero muy limitado es su conocimiento, para realizar proyectos más ambiciosos y monumentales que exijan de él mayor preparación.

Y mientras tanto me pregunto… ¿Qué inauguró el Sr. Alcalde en la rotonda de la avenida de Valencia, con la avenida de Burriana, un "Fuego", un "Portamaceta" o una "Gaiata" de hierro?

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

“Azul”. Una mirada más allá de los ojos.

2011-02-16T15:25:00.030+01:00

Estimados lectores:

En estos días la Sala Bancaja Hucha de la Fundación Caja Castellón-Bancaja, sita en calle Enmedio 82, expone una serie de cuadros, todos en técnica al óleo sobre soporte madera, de la joven pintora castellonense Patricia Bonet, el titulo escogido en esta ocasión para identificar la muestra es el de “Azul”, en directa y clara alusión al mar, concretamente al mar mediterráneo, que ha sido para esta pintora su fuente inspiradora, además de escenario de lujo, que como testigo de excepción, recogió las más hermosas crónicas de un pasado conciliador, donde judíos, moros y cristianos, compartían cotidianidad y futuro, dejando en su buen hacer, huella enriquecedora en la actual cultura mediterránea, de la que hoy muchos se sienten orgullosos, pero a la vez incapaces de volver, a esa armónica convivencia de los pueblos de antaño. Y es curioso, porque a pesar de todo esto, Bonet quiere alejarse de la crítica social, para reivindicar una obra más contemplativa, emocional y estética, donde el valor del lenguaje en el discurso de la obra, esté fundamentado en el recurso plástico de donde emana un resultado de gran sensorialidad y lirismo.

A pesar de ese aparente hermetismo que a priori la obra de Bonet nos pudiera transmitir, y que por otra parte se encuentra en estrecha sintonía con los antecedentes iconográficos de donde bebe como son: el Suprematistmo de Kazimir Malévich o la color-field painting (pintura de campos de color) de Mark Rothko y Barnett Newman, (imágenes del párrafo) enmarcadas estas ultimas en el expresionismo abstracto norteamericano, el aspecto compositivo de gran esquematismo que Patricia Bonet aborda en todas ellas y que basa fundamentalmente en una línea horizontal a diferentes alturas en el plano de representación, sugiriendo así, las diversas visuales que podríamos percibir del horizonte en el mar a través de una imaginaria ventana que nos sitúa cual “Voyeur” de la inmensidad de sus aguas y unido esto, la amplia gamas de azules que esta pintora incorpora, persiguen de algún modo en su referencia directa con la propuesta, dos sentidos o niveles de lectura en sus obras, por una parte, uno cercano, individual o anecdótico que se encuentra en estrecha relación con la rápida identificación del motivo (el mar) y otro más amplio, sugerente y culto, referido al concepto que en él se encierra, es decir, emociones, escenario de calma y reflexión que pudieran incursionar incluso en lo filosófico o místico y aspectos vinculados a factores de tipo vivencial, entre otros. Es por ello que la obra de Patricia Bonet es tan cercana como universal, tan intimista como común a todos, tan hermética como abierta en sus intenciones conceptuales, lo cual propicia un amplio espectro polisémico del discurso.

Desde el punto de vista formal, las obras presentan un exquisito acabado, donde el uso del color ha sido ejecutado mediante finas veladuras (me atrevería a decir que con aerógrafo), arrojando un resultado de gran delicadeza y belleza, donde el color azul se alza como principal protagonista en muchas de sus variantes y combinaciones. La buena factura en el resultado de sus obras, nos hablan de un trabajo serio y constante, digno de aquellos que pretenden llegar con su arte a lugares más encumbrados de reconocimiento y prestigio.

La obra actual de Patricia Bonet, si bien muy cercana aun a sus antecedentes plásticos, al que dentro de ellos incluyo también a su profesor, el pintor minimalista valenciano Rafael Calduch, (imagen del párrafo) y por lo tanto esto le imposibilita de alguna manera, la aparición de una obra que cuente en la actualidad con una "personalidad" propia en su lenguaje e iconografía; reclama sin embargo con su trabajo, el honorable papel del pintor de siempre, que a pesar de la presión que ejerce la huella tecnológica (refugio por otra parte de tanto fraude y engaño por parte de algunos) está convencido no solo de su contemporaneidad y vigencia si no además, de su clara posibilidad de poder abrirse paso con originalidad y distinción en el actual mundo del arte.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo 25 de febrero y podrá visitarse de lunes a viernes de 11.00 a 13.00 horas y de 17.30 a 21.00 horas. De más está decirles que la recomiendo muy efusivamente a todos, porque sin lugar a duda en esta exposición, la belleza reina entre sus paredes.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Un mundo lleno de “tarecos” en la Sala San Miguel

2011-02-12T19:29:00.019+01:00

Tareco (n.) definición:
Ajilimoje, ajilimójili, bártulos, batiburrillo, cabo, cachirulo, chirimbolo, chisme, cosas, cosas sueltas, cositas, ensalada, enseres, maritatas, mezcla, mezcolanza, ñaque, pingo, ropa, tanate, trasto, trebejos, vestimenta, zarandajas.

Estimados lectores:

Desde que por primera vez en 1917 Marcel Duchamp colocara un urinario en una exposición bajo el titulo “Fontaine” como elemento ilustrador de lo que el consideraba su percepción estética del no-arte, y no precisamente como una visión sensible e impulsora del arte nuevo; los museos, galerías y espacios estatales vinculados a las corrientes englobadas en la post vanguardia informalista y/o conceptual, erróneamente calificados como espacios de arte contemporáneo (como si lo contemporáneo solo fuera ese tipo de arte o lenguaje) no dejan de llenarse de “obras” ininteligibles, de dudoso valor estético, de inservibles y mugrientos objetos cotidianos, donde lo “nuevo” ha dejado de serlo (ya desde hace mucho tiempo) y donde se hace cada vez más necesario contar con grandes espacios de almacenaje para guardar tantos "tarecos" inútiles y anodinos, que no hacen otra cosa que “engordar” con el polvo que contienen; provocando la misma indiferencia, incomunicación e incluso rechazo, que la del famoso y blanquecino urinario de aquel connotado artista francés, solo que casi siempre, los “nuevos” intentos que siguen reclamando su parcela de “originalidad”, me recuerdan cada vez mas al original y por lo tanto, todos me siguen resultando más aburridos si cabe.

Esta fue precisamente la sensación que experimenté en parte, al visitar la exposición “Pailletes, Prothèses, Poubelles” (Lentejuelas, prótesis, basura) de Anita Molinero, Nina Childress y Emmanuelle Villard que se encuentra en estos momentos exhibiéndose en el Centro de Exposiciones San Miguel de la Fundación Caixa Castelló-Bancaixa en la calle Enmedio, 17; y que como no podía ser de otra forma (ya que este tipo de arte suele necesitarlo) viene acompañada hasta con un comisario, el señor Ramón Tió Bellido para explicárnosla, el cual nos “ilustra” en su presentación on-line, http://obrasocial.bancaja.es/cultura/exposiciones/exposicionesficha.aspx?ID=352 con un lenguaje que solo a él y tal vez a unos pocos más, le puede resultar de gran interés, no por lo atractivo y profundo de los conceptos que maneja, sino quizás por lo insulso, simple y ambiguo que resulta aquello que nos dice, ya que en su texto, no solo describe lo que todos vemos, sino que además trata de imponer lo que nadie percibe. Cuando estoy en presencia de casos como estos, siempre llega a mi memoria las palabras de David Hockney cuando dice “No es necesario creer en lo que dice un artista, sino en lo que hace”, creo que cuando tenemos la necesidad de explicar a los demás lo que uno hace, se me ocurre pensar en dos causas que lo provocan – seguro existen mas, pero solo diré dos - , la primera, porque la creación de la obra solo responde al interés y satisfacción del que la hizo, algo que a priori no estaría mal, si tenemos en cuenta que es bueno respetar la libertad individual del artista, para que este pueda hacer y decir lo que considere necesario, pero en defensa de esa misma libertad individual, no podemos romper el vinculo con aquellos que están llamados a disfrutar y valorar lo que hacemos, es decir el publico de arte, donde incluyo también a muchos especialistas del ramo, como críticos y pintores, ya que si no los tenemos en cuenta y/o los negamos, ¿Para qué vale la pena realmente esa libertad individual? con lo cual ¿Qué sentido tendría una exposición como esta que nadie entiende y pocos admiran? Algunos pensaran que este hermetismo en el discurso de las obras, también se encuentra presente en otros movimientos o tipos de artes, como por ejemplo el Abstraccionismo, pero sin embargo, la sutil diferencia que radica entre estos dos enfoques o maneras de crear, es que en el Arte Abstracto, sus resultados se estructuran a partir de los recursos plásticos inherentes a la propia pintura, con lo cual no resulta del todo hermético al menos para aquellos que entienden ese lenguaje, manejan los conceptos y saben utilizar los recursos que le son propios en su manera de expresarse.

Y la segunda causa, quizás más genérica y reflexiva que la anterior, pero en estrecha vinculación con esta, es que para que el arte resulte ser un factor de estimulo a la meditación y a la sensibilidad de las personas, (especialistas o no) es necesario que estas se reconozcan en él, porque si no algo falla, o está mal hecho y en esta exposición, por más neumáticos y partes de automóviles que se exhiban o azules contenedores de basura que cuelguen del techo, no creo que este recurso inspire siquiera a la comprensión sensible y empatía de mecánicos automotrices, o distinguidos trabajadores de la limpieza urbana.

Lo cierto es que a pesar de todo y como dato curioso, podemos contemplar un amplio derroche en la utilización de los soportes empleados en esta exposición tales como: neumáticos de coche y de maquinaria agrícola que cuelgan del techo de la sala, contenedores de plásticos para la basura urbana, medio derretidos como consecuencia de la acción del calor de un soplete, cajas de alambres de acero, plásticos multicolores, faros traseros de automóviles derretidos y ensamblados cual mosaico y muchos más cacharros que me hacen pensar más en una gran operación de orden y limpieza de un taller de mecánica, que en una sala de exposiciones donde se exhiben piezas de arte.

Y es que la gran paradoja de todo esto radica, en que muchos de los representantes o que representan a este tipo de arte, insisten en negar de manera reiterada, el valor de modernidad o contemporaneidad que pudieran tener los oficios tradicionales, clásicos o mal llamados académicos. Para muchos de estos defensores de la mega modernidad y la ultra vanguardia contemporánea, un pincel, un poco de pintura y un trozo de lienzo, resulta algo obsoleto, pasado de “moda” y casi sin sentido hoy en dia, pero sin embargo, en esta exposición de tanto “Arte Contemporáneo”, es precisamente el aspecto del soporte que se ha utilizado en la obra, lo que parece ser el elemento causal que provoca lo “original” o “único” del resultado, eso que sin embargo en otro momento (arcaico para algunos) de otro tipo de arte, no tendría mayor interés que aquel que respalda la durabilidad de lo técnico. Es curioso comprobar como esa exaltación de la llamada individualidad en el resultado, se vincula a este aspecto (el soporte) que siempre ha estado más vinculado al medio técnico y material que abarca el oficio, que a la finalidad de la propuesta conceptual del discurso.

Al final con esta moderna concepción de lo “contemporáneo”, hemos pasado de un arte, donde la comunicación de los discursos en mayor o en menor grado era entendida, o al menos compartida por todos, a un mundo de "tarecos" inservibles, mudos y caducos que esperamos, que como el polvo que las cubre, se pierdan en el olvido, con la más mínima brisa del equitativo y justiciero pasar del tiempo.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

"Confluències" Una exposición con mucho gusto.

2011-01-27T11:47:00.023+01:00

Estimados lectores:

“Confluències” es el titulo que ha elegido la joven artista castellonense Altea Grau, y que estará abierta al público hasta el próximo dia 29 de enero, en el Centro Municipal de Cultura de la calle Antonio Maura, 4. Una hermosa exposición donde “confluye” la intención conceptual de los discursos, con la fuerza y belleza de las imágenes.

Refugiada en el informalismo, en lo que al aspecto formal de las obras se refiere, la artista aborda un amplio abanico de técnicas y procedimientos, en su mayoría del grabado, aunque encontramos también en la exposición, ejemplos muy sencillos, pero agradables de dos instalaciones. Siendo el aspecto formal precisamente, el que permite una clara armonía o "confluencia" autoral de la muestra, a pesar de los variados conceptos en los discursos de las obras. Este aspecto, (el formal) se ve envuelto en un cierto aire nostálgico, que tanto me recuerda al arte de los años 50 en los Estados Unidos de América con aquel expresionismo abstracto de Pollock y sobre todo, de Cy Twombly (segunda imagen del párrafo) o también aquel inquietante “Spazialismo” de Lucio Fontana, que a su vez bebe del dinámico y casi frenético Rayonismo ruso de Mijaíl Larionov, surgido unos años antes, alrededor de 1910.

Pero sean cuales sean las influencias, que por otra parte, nadie está exento de tenerlas, la exposición de la joven artista Altea Grau, es de esas muestras que bien vale la pena ver, porque sin duda resulta todo un placer para nuestros ojos; pues el rigor y la buena factura en los resultados de sus obras, nos hablan de un trabajo serio y constante, apto solo para aquellos que pretenden con su arte llegar a lugares más cimeros, de reconocimiento y prestigio, por meritos propios y de una manera honesta.

Enhorabuena a la artista y también al Centro Municipal de Cultura de la calle Antonio Maura 4, pues con exposiciones como estas, se nos olvidan aquellas recientes, que mejor hubiera sido no haber visto.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Como bálsamo para los ojos.

2010-12-21T15:50:00.001+01:00

Estimados lectores.

Ya estaba por pensar que este año cultural en Castellón, lo cerraríamos con el amargo sabor de boca, que nos dejaron por una lado, la noticia de la realización de la nueva escultura del omnipresente “artista” de la corte, Juan Ripollés y por otro, la exposición de los “artistas” del Ateneo Cultural de nuestra ciudad, pero afortunadamente, después de estas amargas experiencias, la suerte se compadece de nosotros y el pasado martes dia 15 y hasta el 31 del presente mes de Diciembre permanecerá abierta al público en el Centro Cultural Provincial de las Aulas, la exposición “Acuarel –les” del pintor saguntino Vicent Román (Sagunto, 1952).

En esta ocasión, el experimentado pintor nos regala una muestra de aproximadamente 13 piezas de gran formato, todas ellas con la temática de marinas y realizadas en la muy compleja, difícil pero siempre hermosa técnica a la acuarela, de la que Vicent Román es considerado por la critica especializada, todo un adiestrado maestro.

Sus obras de gran soltura y control en lo gestual, nos ilustra sobre un fresco y espontáneo resultado, que convierten al discurso del motivo en escenas de gran belleza y lirismo. Es de agradecer la ausencia de elementos ornamentales, a veces gratuitos, que tienden a la exaltación superficial y "cursi" de lo bello, muy usados por otra parte, por pintores aficionados y comerciales, que arrojan casi siempre con este recurso, un resultado más propio de tiendas de decoración, bazares o de grandes almacenes y que en estas obras, no está presente. El pintor prefiere hablarnos de la amplitud de un discurso que transmiten las emociones, donde lo anecdótico trasciende a esa universal belleza, que no solo aparece cuando estamos en presencia de un maestro del oficio, sino además cuando “respiramos” una pintura (que como esta) parece haberse hecho de aire, mar y cielo.

Es sinceramente todo un lujo y un gran placer, poder disfrutar de una exposición como esta, hecha sin duda desde la experiencia y el virtuosismo técnico, pero también desde un elevado sentimiento de amor y devoción hacia el mar y la naturaleza, y que tanto me recuerda a aquellos pintores románticos de la primera mitad del siglo XIX como él ingles William Turner, (segunda imagen del parrafo) pero que curiosamente en esta ocasión, Vicent Román nos la presenta en una visión más sugerente y actual, convirtiendo a cada cuadro, en una hermosa concepción abstracta del escenario elegido, donde la espontaneidad y la frescura del lenguaje de la acuarela, parece alzarse cual orador en imaginaria tribuna, para recitarnos su más hermosos poemas.

De más esta decirles que les recomiendo muy efusivamente a todos ustedes, una obligada visita a esta exposición, pues sin duda esta sí es de esos ejemplos de los que podemos no solo disfrutar de la propuesta del discurso plástico, sino además, aprender mucho de su exquisita técnica. Y es que la exposición de Vicent Román, es como un bálsamo para nuestros ojos.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Mas Arte y menos “Artistas”.

2010-12-14T15:44:00.001+01:00

Estimados lectores.

Como ya viene siendo costumbre por parte del Ateneo Cultural de Castellón, el pasado jueves dia 9 y hasta el 22 de este mes, permanecerá abierta la exposición “Artista del Ateneo” en una nueva edición que recoge el trabajo (en su mayoría pinturas, aunque también se exhiben un par de esculturas) de 34 miembros, (32 pintores y 2 escultores) pertenecientes a esta institución.

Aun cuando la muestra presenta una agradable sensación visual, mucho más despejada y clara que las anteriores y por lo tanto, eso hace que gane bastante su presentación en el espacio expositivo, la calidad de la exposición sigue siendo aun muy pobre y aficionada, a pesar de que existen algunos (más bien pocos) ejemplos que dignifican la muestra. Y no es que considere, como según me enteré, dijo nuestro Presidente en la inauguración de la muestra, aludiendo de forma indirecta a unas palabras que publiqué en este blog hace algún tiempo, que para mi, cada exposición colectiva que presentan los miembros del Ateneo, deba ser equiparable a una Bienal como la de Venecia, o a una Feria Internacional de Arte como la de ARCO, Miami o Chicago; ni mucho menos mi estimado D. Vicente Castell, No, eso no es lo que yo expuse en mi anterior artículo de opinión en este blog, yo dije que cuidar de la calidad de las obras que representan a una institución seria, como debiera ser el Ateneo Cultural de Castellón, es lo mínimo que se debiera exigir a los exponentes que participan en las muestras colectivas, y esto no tiene nada que ver con aspiraciones utópicas y deseos personales. Soy consciente de la calidad que tienen la mayoría de los pintores de Castellón en general y los de nuestro Ateneo en particular, algunos incluso han sido, o son, alumnos míos, (por cierto, contados entre los mejores). Esto quizás tiene que ver más con responsabilidad, esfuerzo y trabajo por parte de todos los miembros de la Junta Directiva, entre los que se encuentra (como no podía ser de otra forma) usted como primer responsable, porque ustedes tienen el deber y la responsabilidad de trabajar lo mejor posible, por y para la institución que representan y que a la vez nos representa a todos. Y pienso que siempre será mejor que lo hagan con el espíritu autocrítico que se espera de todos ustedes, con los ojos y los oídos bien atentos, ante cualquier sugerencia, opinión o critica, porque sin duda es la mejor manera de crecer, y sentirse realmente orgulloso de los resultados del trabajo realizado.

Tampoco mi planteamiento tiene que ver, con negar derechos a los miembros, sino exigirles desde un posicionamiento racional, coherente y justo, que estén a la altura en cada actividad o exposición colectiva que realicen, de la institución a la que pertenecen. Si alguien quiere hacer una exposición individual y asumir en solitario la responsabilidad tanto técnica, como la del discurso o propuesta de su trabajo, desde luego que lo puede hacer y está en todo su derecho, pero en ese caso, No es la imagen, ni la obra del Ateneo la que se juzgaría, sino la del autor que a titulo personal, utiliza la sala de exposiciones que la institución le ofrece como miembro, asumiendo individualmente las consecuencias tanto de éxito, como de fracaso.

Algo muy diferente es tener una actitud indulgente, permisiva e inconsecuente ante la calidad de actividades como estas, donde la institución Sí proyecta su imagen fuera de sus puertas al conjunto de los ciudadanos que la visitan, sean estos de aquí o de fuera de nuestra ciudad. Que no se tenga la menor duda que en una exposición colectiva, organizada y auspiciada por el Ateneo Cultural de Castellón, la imagen de la institución es la que se expone y por lo tanto, asume los riesgos de ello.

Ya dejé por escrito en ese pasado artículo al que usted indirectamente ha hecho referencia, donde radica la diferencia, si tiene ocasión D. Vicente, le ruego que lo vuelva a leer y sobre todo, trate de hacer un amable esfuerzo por entender mis intenciones y argumentos, tampoco tengo ningún inconveniente en explicarlo públicamente en una charla coloquio a todos los miembros, (también a los de la Junta Directiva) si así fuera necesario o lo considera usted oportuno, mis intenciones son las mejores para con la institución, así como mi respeto a los miembros que la dirigen, pero sinceramente pienso que lo que se hace en el apartado de Artes Plásticas permitiendo actividades como esta, no ayuda a la imagen de un centro que pretende, o debe ser, un ágora de conocimiento, belleza y calidad en su imagen, otra cosa muy distinta es que lo llamemos “Asociación de aficionados al Arte”, o “Colla del Arte” o “Club de pintores y escultores noveles” o cualquier otro nombre que se le pudiera ocurrir para definirla, pero en ningún caso Ateneo Cultural de Castellón, creo que es de justicia rememorar con honra el templo de Minerva (diosa de la sabiduría) y merece no solo más “categoría” (como se suele decir por estas tierras) si no además, un cuidado más serio de la imagen.

Para terminar y también a modo de sugerencia, siendo coherente con la valiosa semántica en cuanto a las intenciones y definiciones de los conceptos que utilizamos para describir una cosa o un fenómeno, quizás sea más coherente con la calidad que nos presentan estas muestras colectivas, cambiar lo de “artistas” del Ateneo por “Trabajos de pintura y escultura de los miembros del Ateneo”. Lo digo porque “artistas” en esta exposición no he encontrado a ninguno, ya que un artista es un individuo que ha desarrollado tanto su creatividad como la capacidad de comunicar la experiencia vivida, mediante el buen uso de la técnica y la originalidad de la idea, y en esta muestra, (como en las anteriores) salvando poquísimas excepciones de un loable oficio, hay serias carencias tanto de técnicas, como de propuestas en los trabajos, así que sería mejor no llamarnos artistas, porque a mi juicio, es mucho pretender y la modesta humildad nunca esta de más sobre todo en arte, donde abunda tanto “fantasma”.

Espero que esta vez haya quedado más clara mi opinión, sobre las exposiciones colectivas que realizan los “artistas” del Ateneo Cultural de Castellón y como no puede ser de otra forma, invito a todos vosotros (si no tienen una cosa mejor que hacer) a que visiten la muestra en la calle Antonio Maura, 4.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

En Castellón a los que no quieren caldo, se les ahoga en sopa.

2010-12-10T16:23:00.003+01:00

Estimados lectores:

Una vez más los periódicos locales nos informan de una nueva obra escultórica del único y omnipresente artista castellonense Juan Ripollés, la escultura con 18 metros de diámetro de circunferencia (el mayor volumen de todas las que ha realizado hasta la fecha) se instalará en la rotonda de acceso al aeropuerto de Castellón. La misma rinde homenaje, al que según palabras del autor, ha sido el máximo impulsor de la instalación aeroportuaria, el Sr. Carlos Fabra. La monumental obra servirá para dar la bienvenida y el adiós, a los turistas que lleguen y se vayan en avión de nuestra provincia.

Y digo yo que además servirá, para que todos aquellos que nos visiten (sean turistas nacionales o extranjeros) no tengan la menor duda, en cuanto a que toda esta ciudad no es otra cosa, que la particular galería al aire libre de este cabrituno artista, por la gracia de los políticos que nos gobiernan en esta comunidad desde hace algunos años; como tampoco podrán tener dudas, de que así como en la antigua Roma, en el Irak de Saddam Hussein, en la Corea del Norte de Kim IL Sung, o en la España de Franco, aquí también practicamos el culto a la personalidad de nuestros lideres políticos realizándoles obras colosales, como queda demostrado en estos significativos ejemplos. Algo que particularmente me molesta y desde luego no puedo aprobar, pues siempre he creído más digno y de aprecio, que a un político se le recuerde más por sus obras y gestión al servicio de los demás, que por los monumentos que le erigieron en vida, máxime aun, cuando existen más que sospechas, sino indicios legales, de conducta irregular del que precisamente le ha servido en esta ocasión de inspiración a este artista para esta obra, pero en fin, “es lo que hay”, como me dicen con resignación, algunos de mis amigos de Castellón que al parecer ya están acostumbrados de que cosas así ocurran en estas tierras.

Por otra parte, volver a ver en tan corto espacio de tiempo, otra obra de Ripollés en nuestra ciudad, es un acto que ante la incuestionable evidencia, solo puede ser “entendido” o “justificado”, si pensamos en turbios compadreos con la clase política que gobierna en esta comunidad.

Porque los favoritismos que se tiene con este artista, ya huelen muy mal y resultan de una obscenidad y de una falta de respeto, no solo a los artistas de la zona, muchos de ellos jóvenes con obras de mejor y mayor calidad que la del Sr. Ripollés, y que ante estos claros tintes de prevaricación y arbitrariedad en el diseño de la política cultural de nuestra ciudad, no les queda más remedio (o al menos es lo que hacen) que corresponder con el cómplice y servil silencio, sino que además (y a mi juicio aun más grave si cabe) se menosprecia a la población, que en los tiempos que corren de grandes ajustes y recortes presupuestarios, tienen que resignarse a escuchar en las emisoras locales o leer en los periódicos, como jugosas partidas de nuestro dinero (en esta ocasión son 300.000 euros, pero que ya suman millones) se quedan, controlan y reparten siempre entre los mismos, dejando actuar con manos libres a aquellos que deben servirnos y gestionar con responsabilidad, equidad y justicia los intereses de todos. Y es que no se puede dejar hacer y deshacer con total impunidad, lo que a estos señores les da la gana. Decía el escritor español Noel Clarasó que un político es aquel que se pasa la mitad de su vida haciendo leyes, y la otra mitad ayudando a sus amigos a no cumplirlas. Y no encuentro en estos momentos y para el caso, mejor frase, porque lo que ocurre en Castellón (al menos con los asuntos del arte y la cultura) es de juzgado de guardia (y nunca mejor dicho).

Por otra parte tiene gracia, pues luego me hablan del descontrol en la gestión, del despilfarro y del cacicazgo que existe en las republicas bananeras de otros países, principalmente en Iberoamérica; quizás fueron estos polvos, los causantes de aquellos lejanos lodos, pues sin duda la colonización fue larga y profunda y sería más aconsejable que antes de ver la paja en el ojo ajeno, miremos la viga en el nuestro.

Y es que en esta comunidad, al menos en lo referente a la cultura y el arte, las cosas o se realizan mal, o no se realizan, o se realizan a dedo, beneficiándose siempre los mismos y quedándose los más importantes y jugosos proyectos (también en términos presupuestario) en manos de los mismos. Y todo esto pudiera ser comprobable, pero al parecer, no interesa. Curiosa similitud con la “Banana Republic” ¿no lo creen así?

En fin que ya puesto a proponer y realizar homenajes, sería sin duda más lógico y coherente, con la política cultural que aquí tenemos, llamar a Castellón “Ciudad de las artes y las ciencias del engaño” al menos así, todos sabríamos a que atenernos, porque lo que está claro es que aun cuando estés convencido de que existen en Castellón más valiosas, atractivas e interesantes propuestas que la del Sr. Ripollés, los políticos de turno te lo van a seguir metiendo por los ojos, no se si por gusto, por desconocimiento e incultura, o por simple compadreo, porque aquí en Castellón con este tema, a los que no quieren caldo, se les ahoga en sopa.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Mucho lirili y poco lerele.

2010-11-23T13:42:00.000+01:00

Estimados lectores.

Desde el pasado 10 de Noviembre y hasta el próximo sábado dia 27 permanecerá abierta al público en el Centro Provincial de Cultura Las Aulas, la exposición de los trabajos finalistas del X Premio Nacional de Cerámica Ciudad de Castellón.

En las palabras inaugurales de este evento, el alcalde de nuestra ciudad, el Sr. Alberto Fabra, nos plantea que con actividades como estas, se “quiere reconocer el trabajo de los artistas y también el de una industria que cada día apuesta por la innovación, por el desarrollo tecnológico y la sostenibilidad, sin olvidar la belleza y la versatilidad que ofrece la cerámica”. Y hasta aquí todo muy bien, pero como dice el sabio refranero popular, amores son razones y no buenas intenciones, y una cosa es lo que se dice y otra bien distinta es lo que hacen algunos de nuestros políticos.

Digo esto, porque es curioso como a pesar de la alta calidad de las obras, así como de la amplia variedad de las propuestas que allí se exhiben, sin duda todas de muy alto nivel, la exposición carece de la mínima información que a modo de catalogo respalde y sirva de soporte para ayudar a ilustrar la importancia, que según las palabras de nuestro alcalde, dice darle a esta actividad, ¿curioso verdad?

No seré yo quien le diga a nuestro alcalde como debe hacer las cosas en este sentido, pues para ello ya tiene bastantes asesores, concejales y demás personal de apoyo que cobran, y muy bien además, para garantizarle una buena gestión de gobierno, pero me gustaría decir a modo de reflexión, que en los tiempos que corren, el reconocimiento y prestigio tanto de un producto, como de los artistas, si no tienen garantizado un buen soporte de marketing y publicidad, pocos sabrán de sus existencia y sobre todo, de su incuestionable calidad, porque hoy en dia, producto que no se publicita, no existe. Y esto debieran saberlo todos, incluido también nuestro respetable Alcalde.

Es por eso que siempre será más convincente y práctico, antes que las grandilocuentes retórica de los discursos y de querer emprender ambiciosos retos, acometer aquellos que aunque más discretos y humildes, merecen también ser reconocido y divulgados, aunque sea a través de un modesto catalogo, como sin duda es el caso que nos ocupa con esta magnifica exposición, que lamentablemente, pasará sin penas ni glorias, gracias a que a nadie se le ocurrió confeccionar un modesto catalogo, que recoja fiel testimonio de una excelente exposición como sin duda es esta.

Un hombre sabio dijo una vez, “la mejor manera de decir, es hacer”. Quizás esta sea la asignatura pendiente de muchos de los políticos actuales en este país.

Recomiendo efusivamente a todos ustedes que visiten la exposición, porque al menos podrán guardarla en su memoria y decir alguna vez, que fueron testigos de una magnifica muestra como lo es sin duda, el X Premio Nacional de Cerámica Ciudad de Castellón 2010.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

La critica sin vocación, carnaza de criticones.

2010-11-09T16:39:00.000+01:00

Estimados lectores:

Motivado por las opiniones y valoraciones surgidas a raíz de dinámicos y entusiastas debates entre amigos, así como por comentarios recibidos en mi correo electrónico, de lectores y seguidores de este blog, refiriéndose a la singular manera que tengo en este espacio, de hacer las valoraciones a las obras de los pintores (que no a ellos) que exponen en los centros públicos de nuestra ciudad y que dista mucho de la forma en que lo hace la critica oficial, hoy quiero compartir con todos ustedes una reflexiva opinión sobre tal diferencia; sobre todo, en lo referido a la pintura y principalmente, por parte de algunos (que no de todos) los críticos “oficiales” que la ejercen de manera regular en la prensa y en los diferentes medios públicos de mayor alcance y difusión de Castellón, algo que sin duda le debería exigir mayor responsabilidad y rigor en sus enfoques y planteamientos. (En imagen, "El Critico de arte" de Raoul Hausmann.1919).

De más está decirles que soy de los que piensan que para opinar sobre algo, siempre es mejor tener un buen conocimiento de lo que se dice. Y con esto no me refiero únicamente al conocimiento académico, pues de todos es sabido, que existe aquel universitario que pasa la mayor cantidad del tiempo de sus estudios superiores, disfrutando de la cafetería del centro, fumando algún que otro cigarrillo de la risa y haciendo novillos; me refiero a algo que a veces resulta tan importante o más, que el ostentar un titulo de licenciado o de doctor en arte, me refiero al factor vocacional, el cual provoca y determina en gran medida el grado de profundidad, compromiso, sinceridad y esclarecimiento de los juicios que se hacen, ya que mientras mayor y mejor sea este vinculo al conocimiento, todo lo que decimos pasa de ser una simple opinión, a tener carácter de criterio y por consiguiente, mayor peso e interés para todos.

Desde mi llegada a Castellón hace más de 16 años, me he percatado de algunos errores de forma, y también de contenido, en los análisis y valoraciones que realizan algunos críticos de arte de nuestra ciudad, principalmente sobre las cuestiones referidas a los resultados de la creación artística en la especialidad de pintura. Aquí van algunos ejemplos.

Por una parte, y respondiendo a lo que entiendo como un claro desconocimiento del significado técnico del lenguaje de esta disciplina artística, algunos críticos parecen no entender aun, la gran diferencia que hay entre la soltura de una pincelada y el descuido impreciso en su tratamiento, entre el dominio cromático de un pintor con oficio, y el aberrante uso del color que hace otro en un cuadro, donde más que “color”, encontramos una explosión infantil del “colorín”, o del expresivo carácter que puede transmitir la recreación formal de un objeto, donde se aprecia un claro dominio del dibujo, a la de otra, donde se desdibuja por falta de conocimiento y descontrol en este aspecto, ¡y para que hablar de la más utilizada y recurrente de todas las características de las que aluden en sus escritos!, la llamada “fuerza”, que de paso hay que decir, que no tiene nada que ver con la película “Star Wars”, pero que puede ser atribuible tanto a la característica de la pincelada, a la composición, al color, o al empleo de los tratamientos y recursos plásticos, entre otros, y que solo puede existir, siempre que ésta responda al control y dominio de estos aspectos por parte del pintor, y no a la debilidad que expresa el claro desconocimiento de la estructura que existe bajo el color, el color mismo, las composiciones, las texturas y demás recursos plásticos expresivos.

Y pienso que todas estas deficiencias en el uso del concepto de los recursos plásticos y técnicos que se aluden en las criticas, vienen dadas porque aun pudiendo tener éste especialista el aval de un conocimiento académico, a veces ilustrado por un titulo de licenciado o de doctor en Arte, estos carecen de la cultura necesaria para una clara y eficaz percepción de lectura de la imagen, a veces muy ligada al aspecto técnico y especializado de la disciplina artística que están criticando, algo que podemos encontrar en el concepto intrínseco de discurso, que encierran los recursos plásticos. Es por ello que a veces el critico recurre en los análisis, a una percepción subjetiva y más o menos simplista, basada en su particular gusto (a veces carencial, otras tendencioso) algo que lo coloca conciente o inconscientemente como especialista, en un posicionamiento muy limitado y partidario de autores, lenguajes o tendencias únicas y concretas, impropio de alguien que debe analizar en su justo valor la calidad y además, tener una visión amplia y universal del estudio, tanto de las obras, como de las propuestas.

Recientemente he leído una “critica”, donde el único interés que podría tener el escrito, era el hecho anecdótico-testimonial de una frívola e insustancial experiencia, que el critico nos narraba como una simpática “batallita” de sus años mozos cuando trabaja en otro periódico, pero que curiosamente, esta “simpática” anécdota, no guardaba ninguna relación directa con la supuesta obra que éste estaba criticando, quizás cosas así ocurren, porque el Sr. critico no había tenido tiempo para hablar con el autor, y así tener al menos una idea más próxima y objetiva, de las intenciones y características del proceso de trabajo que el artista había seguido en su obra, algo que para mi (y creo que para cualquiera) no solo resulta de elemental sentido común, sino además de respeto y coherencia con su trabajo y con el del propio artista, que supongo, hubiese preferido ante que las simpáticas, amables y bonitas palabras del escrito, un juicio más serio, profundo y ponderado sobre su trabajo.

Por otra parte y a propósito de palabras “amables” y “bonitas”, debo reconocer que a veces y a pesar de la banalidad de los análisis, encuentro en estas criticas, altos valores literarios, con opiniones envueltas en un exquisito lenguaje más o menos poetizado, a veces indescifrables, rememorando a un barroquismo dieciochesco, muy edulcorado, no apto para diabéticos y que en su contra puedo decir, (basándome en la reincidencia con la que esto ocurre), que siempre es favorable al artista; independientemente de la calidad, experiencia y maestría que este posea; donde nunca faltan los suculentos adjetivos para encumbran al “creador” que atentamente nos muestra sus obras en los espacios públicos. De ese modo, todos ellos resultan magníficos, excepcionales, geniales, virtuosos, con gran fuerza, (sea esta del tipo que sea) expresividad, originalidad, y así un largo etc. criticas que siempre nos predisponen a disfrutar en exclusiva, de algo supuestamente excepcional y único, pero que al comprobarlo en la realidad, a veces vemos que tales elogios, no se corresponden y mucho menos se justifican, con la calidad de la obra y de ese modo nos damos cuenta de que no es para tanto, sintiéndonos realmente engañados y sobre todo, desinformados por aquellos que en teoría, son los expertos y también encargados de cultivar nuestro gusto estético y cultural.

Tampoco faltan en estas críticas, las siempre socorridas comparaciones con los consagrados maestros del arte, equiparando los resultados de los que empiezan, y aun no han dicho, ni hecho nada en el arte, con los que ya forman parte de su historia por meritos propios. Y todo esto publicitándose en los medios, en un acto que entiendo, de gran irresponsabilidad profesional, tanto para el que expone, que sin haber salido del cascaron, ni haber demostrado nada, o sin ser apenas un modesto maestro, ya piensa que ha llegado a un lugar importante en el panorama del arte, gracias al comentario que ha publicado un “especialista” en la materia. Como igualmente es engañado el público que asiste a ver las exposiciones, que ante tanto elogio de aquellos que reconocemos como “expertos”, no les queda más remedio que aceptar como buenas la valoraciones que hacen de lo que no tiene más valor que aquel que se le puede conceder a un aficionado, o a un profesional que empieza.

Soy de la opinión que la buena crítica profesional, debe ser siempre honesta, responsable, didáctica, objetiva, equitativa y por consiguiente justa, y el anteponer estas cualidades como premisa, es algo prioritario, sano, constructivo y sin duda necesario en el ejercicio de la crítica. La reiterativa amabilidad y altísima generosidad en los juicios que se hace de los resultados de todos aquellos que exponen en los espacios públicos, no solo es contraproducente para el propio pintor, (que amablemente ha sido engañado) sino un acto de clara injusticia para los artistas que se tienen como referentes. Porque si en una crítica calificamos de genial al resultado que puede ser aun sustancialmente mejorable, ¿Cómo llamaremos entonces al que realiza un maestro que actúa como referente técnico y de propuesta? Sinceramente pienso que no es solo una desproporción y falta de objetividad del análisis, sino además una clara injusticia para quien posee realmente una calidad en su trabajo.

Hay quien me dijo una vez, que los críticos en esta ciudad, tenían las “manos atadas” porque Castellón era un lugar donde todos se conocían y si se era demasiado sincero en las críticas, se podían obtener a cambio actitudes de agravio y discordia y que no tenían la intención de coleccionar enemigos.

Sinceramente pienso que si es esa la razón por la que tenemos en nuestra ciudad, una critica oficial tan carencial y/o deshonesta, poco o ningún respeto se tiene por el arte, por el público, por los pintores y sobre todo por su propio sentido de la responsabilidad profesional, y no encuentro justificación posible para actuar de esta forma, pues las reglas del juego desde siempre, son claras y determinantes. Cuando un artista expone su trabajo fuera de su estudio en un espacio público, lo está sometiendo al juicio sincero y a la valoración de todos aquellos que lo contemplan, sean profesionales del ramo, especialistas, aficionados o simplemente público de arte, y esto es algo que el artista debe asumir con coherencia, normalidad y sentido autocrítico y si no es así, bien podrá hacer uso de su trabajo para la decoración de su casa.

En coherencia con este principio, en este blog seguiré analizando y valorando con libertad las obras (que no a los autores) que se exponen en los espacios públicos (que no en las galerías privadas) desde la honestidad y la franqueza que siempre me ha caracterizado para con el arte, dando razones y argumentando en cada una de mis críticas como hasta ahora, y que como es lógico y además justo, son susceptibles de ser compartidas o debatidas por los demás, pero siempre desde el respeto y el análisis ponderado que obliga a dar argumentos. Y el que se enfade por ello, siempre podrá cambiar de canal desde su mando, o por el contrario, sacar buen provecho de mis palabras, porque la experiencia me ha demostrado (también con este blog) que una crítica profesional, aunque pudiendo ser a veces contundente, si está fundamentada, es didáctica, honesta y justa, siempre crea opinión y enriquece. Y en este sentido, agradezco el apoyo cada vez mayor a este blog, por parte de sus lectores que al parecer, aquí encuentran una “verdad” mucho más sincera y convincente, que aquella que leen de las críticas de arte en los periódicos.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Sugerentes palabras de papel.

2010-10-25T15:57:00.000+02:00

Estimados lectores.

“Palabras de papel” es el titulo escogido para la exposición que se exhibe en la sala del centro cultural Castalia Iuris (Plaza Cardona Vives, 10) y de cuya autoría es responsable la pintora Mery Sales, (Valencia – 1970), Doctora en Bellas Artes (cum laude) por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y además ganadora del premio Club del Arte Paul Ricard en su V edición con la obra "Conciencia en Llamas".

La exposición que en esta ocasión nos propone M. Sales, es sin duda una muestra de gran lirismo visual y delicadeza; sus cuadros, pintados sobre diferentes formatos (casi todos pequeños) han sido realizados con muy buena factura y una marcada sutileza de los tratamientos técnicos. Los motivos recrean hojas de papel esparcidos al viento, lo cual puede aludir de alguna manera, a la ya casi “romántica” acción de escribir sobre un papel, en una época donde el e-mail y la comunicación cibernética, sobre todo en el primer mundo, eclipsa o desplaza esta acción, la cual se ve limitada al coto cada vez más pequeño y exclusivo de la disciplina artística del escritor. También el tema pudiera aludir a la debilidad de los fundamentos, ideas, criterios y valores de virtud, que en la actualidad acusa su momento más pobre de la época moderna, la cual prescinde de ellos, para alzarse como ágora común y amplificada por los medios, de la vulgaridad, trivialidad de los juicios y los análisis y la precaria educación que vemos manifestarse en palabras y actos de las personas, incluso de aquellas que de alguna manera se encuentran vinculadas a la sublime rama del arte, tanto como creadores, críticos o dirigiendo las políticas culturales de los diferentes territorios.

Cualquier interpretación o lectura en esta exposición de Mery Sale, no solo es posible, sino además loable, porque hablar de este milenario y dúctil soporte, como es el papel, es referirnos al objeto que desde su su invención por Ts'ai Lun, en el año 105 a. C., ha acompañado al hombre como leal y mudo testigo, para grabar sobre su “cuerpo”, tanto las más virtuosas paginas de su historia, como las más indignas e inmorales, las que siempre perennes, atestiguan la memoria del pasado y advierten a la experiencia del presente. Lastima la poca afición a la lectura que hoy tienen algunos, que vuelven a cometer los mismos errores de antaño.

“Palabras de papel” es de esas exposiciones que nos permiten disfrutar, no solo de una estimable puesta en escena, sino además de una amplia interpretación de su propuesta discursiva. Y aun cuando el motivo parece agotarse en su amplia variedad compositiva, siempre podemos encontrar una nueva lectura en cada cuadro que nos invita a reflexionar sobre la realidad objetiva que nos acompaña.

Enhorabuena a Mery Sales por esta exposición, la cual culmina el próximo dia 3 de noviembre y que espero sea visitada por el amplio público de nuestra ciudad.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

“Iconos”, toda una revelación para nuestros ojos…

2010-10-20T00:23:00.000+02:00

Estimados lectores:

Ayer martes dia 19 de Octubre quedó inaugurada, con gran éxito de asistencia de publico, en el salón principal del Centro Cultural Provincial “Las Aulas”, (sita en el número 1 en la plaza del mismo nombre) la exposición titulada “Iconos” (aunque el titulo no parezca reflejado en el catalogo) de la artista Raquel A. Lara (Murcia 1975).

Comentar la obra de Raquel A. Lara me resulta relativamente fácil, ya que es alguien con quien mantengo un vínculo profesional muy estrecho y es una artista a la que respeto y admiro desde hace mucho tiempo, no solo por la incuestionable calidad de sus obras, sino por el rigor y seriedad que siempre imprime en los procesos de creación y búsqueda de nuevas propuestas. Es para mí todo un placer poder comentar esta exposición titulada “Iconos” y que su autora nos regala después de casi dos años de investigación y trabajo constante.

La obra actual de Raquel A. Lara, responde a un resultado armónico de exquisita relación entre los aspectos de forma y contenido, algo que la convierte sin lugar a dudas, en una singular y muy interesante propuesta plástica. Las dispares influencias que apreciamos en su original figuración, como son la distorsión cubista, expresada en un sentido poliangular de las visuales y perspectivas del objeto, representadas con un tratamiento próximo al naturalismo fotorealista, que evidencian y provocan un singular expresionismo que la autora formula de manera elegante y de gran coherencia con el discurso de su propuesta, nos invita a reflexionar sobre aquellas cosas o personajes que creemos conocer, pero que en realidad solo conocemos en las apariencias.

Desde el punto de vista conceptual, la obra de Raquel A. Lara, nos propone reconocer en cada uno de sus cuadros, a personajes que constituyen una referencia, patrón o icono de cualquier tipo, y que con mayor o menor influencia sobre nosotros, vinculamos o referimos siempre a sus actos, estatus, trascendencia mediática o actividad relevante que realiza o ha realizado en el ámbito social, político, cultural o de cualquier otro tipo, de ahí que podamos “descubrir” en sus obras, a reconocidos cantantes, actores, políticos, personajes populares de la televisión, iconos universales de la pintura o a otros que constituyen un referente dentro de su circulo más cercano (pero no por ello menos importante) que representa a los amigos; todos ellos expresados por la artista, desde el más absoluto distanciamiento y probidad en los juicios de valores, pues no forma parte de su interés, ni objetivo en su discurso, tomar partido por ninguno de ellos, sino presentárnoslo tal y como la autora lo concibe en sus aspectos formales más significativos, independientemente del papel actual que estos ocupen o hayan ocupado, como referentes de valores morales, artísticos, sociales y políticos de nuestra realidad. De ahí que podamos decir, que lejos de ser esta una simple y tradicional muestra de retratos de “famosos”, los Iconos que han servido como motivación para Lara, no constituyen un referente de exaltación de virtudes, belleza o modelo a seguir (como tradicionalmente se ha tratado en este genero del retrato) sino una selección recreada de personas y personajes, que tienen en mayor o en menor medida un sustancial significado para nosotros, estableciéndose de igual modo, un cierto vinculo, afinidad o empatía, independientemente de sus virtudes; convirtiéndolos en realidades que conocemos, o que creemos conocer.

Resulta significativo y realmente sorprendente en esta obra, como la distorsión intencionada en el dibujo de los retratados, no nos impide la fácil identificación del personaje; imagen que empezamos a “reconstruir” desde nuestra retina, para quedar finalmente ordenada y recompuesta en nuestra mente, todo gracias al recurso de la cualidad del recuerdo o la memoria, que a la vez nos indica y manifiesta, la descuidada atención que prestamos de los detalles, gracias a esa percepción general que tenemos de observar a las cosas y las personas, y que provoca como norma general, que se realicen juicios, análisis y valoraciones muy superficiales y a veces injustos o imprecisos tanto de los fenómenos, las cosas y las personas que nos rodean.

Con un depurado tratamiento técnico, tanto del dibujo como del color, la obra de Lara, es sin duda una propuesta que nos invita a reflexionar sobre nuestras relaciones con el entorno y las personas, porque no es lo mismo ver, que observar. Solo aquel que es capaz de beber de la esencia y lo verdaderamente trascendental de los fenómenos, las cosas y las personas; no tendrá en cuenta la envoltura de sus apariencias; y así analiza, valora y emite su juicio ponderado, dejando al descubierto lo verdaderamente importante.

La exposición “Iconos”, es de esas muestras donde el buen hacer, y el mejor pensar del discurso, se dan cita en un fascinante conjunto de cuadros, donde el resultado plástico nos invita a descubrir una nueva forma de concebir no solo al retrato como género, sino también al motivo retratado como inspiración. El símbolo, con gran fuerza e interés como soporte del concepto, pero sin llegar a sustituir al objeto, aporta en la obra una singular armonía de elevado alcance en su deleite contemplativo y también, en su intención discursiva, algo que sin duda resulta muy poco usual en la plástica de hoy en día, siendo ese precisamente el motivo, de convertirlo en toda una revelación para nuestros ojos. Estoy convencido de que esta exposición, será de esas que recordaremos por un largo período de tiempo, no solo por su calidad técnica, sino además y principalmente, por la originalidad en su propuesta.

Raquel A. Lara con esta exposición, ha colocado un listón de calidad y propuesta muy elevado en el escenario plástico de nuestra ciudad, y ojala que esto ahora nos sirva de estimulo a todos, para que después de esta magnifica exposición, vengan también las de otros artistas, que preocupados por los mismos objetivos de calidad; ayuden a elevar el nivel técnico y creativo de nuestra ciudad: de ese modo, tanto el arte como nosotros mismos, seremos los únicos y máximos beneficiados de ello.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Conexiones a pesar de… lo Inconexo.

2010-10-14T12:36:00.000+02:00

Estimados lectores:

Una vez más la sala de exposiciones del Centro Municipal de Cultura de nuestra ciudad, que como todos sabemos se encuentra ubicado en la calle Antonio Maura, 4 nos sorprende con una muy buena exposición de pinturas que bajo el titulo “Conexiones” nos ofrece la artista plástica Antonia Gallardo “To” Gallardo.

La artista catalana en esta ocasión nos presenta un conjunto de obras (en su gran mayoría abstractas) de gran belleza y sobriedad cromática, donde los tonos ácidos, apastelados y los blancos rotos, dan color a sugerentes y orgánicas composiciones, donde el recurso del collage, los estarcidos y la espontaneidad de la mancha, conviven en una elegante armonía. Sus obras nos permiten disfrutar de variadas soluciones que la pintora utiliza con habilidad y gusto, desde el grafiado enérgico sobre la capa de pintura, donde la dualidad visual pretende confundir al ojo con la volumetría de los hilos de lana, hasta los recursos de gestualidad de la mancha que buscan refugio en la herencia de la acción típica del expresionismo abstracto.

To Gallardo utiliza la materia textil como volumen y textura, y sobre todo como elemento expresivo principal de su obra, de ese modo los retales, hilos de lanas y cáñamo, estampados y demás medios textiles, enfatizan un leguaje que aunque con gran peso decorativo en lo estético, no resulta vacío, ni simple en su intención de discurso. Composiciones con marcada sugerencia paisajística, que nos permiten “descubrir” la variedad del motivo que transita desde la percepción panorámica, hasta la sutil, delicada y anecdótica visión de un detalle de la naturaleza.

La obra de Antonia Gallardo, es de esos resultados que solo es posible a través de la experimentación, combinación y búsqueda constante de nuevas formas de recrear la belleza y los discursos en el arte. Discursos estos que afortunadamente, se encuentran al margen y muy por encima de las inicuas y mezquinas intenciones que llevan haciendo algunos desde hace mucho tiempo, sobre las cuestiones lingüísticas supeditadas a identidad y sentimientos de nacionalidades en algunas zonas de este país. Y digo esto, porque para mi sorpresa en la exposición, nos encontramos con un modestísimo y solitario folio a modo de catálogo o documento informativo que nos hablaba de la autora y su trabajo, escrito única y exclusivamente en catalán, sirviendo éste como presentación para el amplio y variado público que visita la muestra. Y ya no es que este curioso detalle me recuerde estos aspectos aberrantes de la política y no me parezca de recibo, sino que además no veo ningún acierto, ni utilidad en ello, primero, porque la exposición se exhibe fuera de su ciudad, donde todos conocemos del gran peso, importancia y preferencia que se le atribuye a la lengua catalana, por encima de otras tan oficiales como ella, gracias al respaldo de las políticas lingüísticas que diseñan las autoridades de esa comunidad, región, provincia o nación; aquí afortunadamente, la realidad es bien distinta (al menos hasta ahora) aquí podemos hablar en la lengua que nos parezca más útil y conveniente para comunicarnos, sea esta el español o el valenciano, sin tener ningún tipo de complejo, sin sufrir el más mínimo rechazo y sobre todo, sin que esa libre opción que todos tenemos de hablar en la lengua que consideremos oportuno, nos vincule a ningún sentimiento de identidad nacionalidad especifico, en detrimento de otro. Y segundo, porque estoy seguro que si la exposición se hubiera exhibido por ejemplo, en un país de habla inglesa, la autora, o la institución encargada de promover la exhibición, buscarían la forma (quizás igual de simple y aficionada que la utilizada ahora con el folio) de escribir su “Presentació” en la lengua de William Shakespeare, porque no solo es de elemental sentido común y buena educación, sino además un buen recurso de “marketing” que favorece la promoción, y con ello la venta (por cierto, esta ultima palabra de amplio uso hoy en día, es un anglicismo incorporado al idioma español para su enriquecimiento, no responde a nada perverso, ni produce alergia al escribirlo o pronunciarlo).

Afortunadamente obras son amores y no buenas intenciones, y en este caso, y gracias a la buena calidad de las obras que se exhiben en esta exposición de la artista catalana Antonia Gallardo, ganamos todos, porque se ha impuesto el sublime lenguaje del arte y la pintura, que no conoce de idiomas, ni de naciones, como tampoco de la miopía intelectual que siguen teniendo aquellos hombres que nos dirigen desde las instituciones. La bondad y convivencia en el lenguaje del arte es infinita, además de ser un preciado recurso de comunicación, que permite la más autenticas y universales “conexiones” entre todas las personas, y da igual de donde seamos, o en donde hallamos nacido.

Enhorabuena por la exposición y espero que un detalle como este, que veo más como un error de estrategia promocional y comercial, no nos impidan disfrutar de las hermosas conexiones, que sí ha tenido en cuenta la artista.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Retratos de familia

2010-10-11T15:27:00.000+02:00

Estimados lectores:

El pasado jueves dia 7 quedó inaugurada la exposición del pintor Paco Dalmau (Villa Real - 1978) titulada “Polípticos: Retratos de familia” en la sala Bancaja Hucha de la calle Enmedio 82. Autor que según reza en el catalogo de la muestra, posee formación académica.

Si bien es cierto que la muestra, nos transmite una sensación de orden, limpieza visual y armonía expositiva, vinculada directamente a la factura de los acabados de las obras, (en los aspectos del montaje) así como en el concepto de sus distribución espacial en la sala, que nos permite disfrutar de un agradable y elegante ambiente al visitarla; esto se ve de alguna manera empobrecido, cuando reparamos en los detalles técnicos o de oficio que se han empleado en la realización de las mismas, donde podemos observar claramente, algunos aspectos carenciales vinculados directamente con el dibujo y también con el color, lo cual resulta muy preocupante tratándose de una obra figurativa, muy próxima en intención a un naturalismo fotorealista. Y es que para cada lenguaje, existe un modo o manera específico de realizar. La madurez de un pintor puede medirse cuando éste tiene en cuenta y valora con objetividad, sus posibilidades técnicas e intelectuales para realizar la acción de crear, siendo conciente tanto de sus virtudes, como de sus limitaciones, pues una cosa es lo que se quiere hacer, y otra bien distinta es lo que se puede hacer; tener conciencia de ello, es un síntoma de rigor, madurez y sobre todo honestidad, lo cual nos será muy útil si queremos destacar como individualidad dentro del mundo del arte. Así pues en lo formal, cuando se quiere hacer una obra, donde la propuesta de la imagen descansa en un lenguaje de fidelidad fotorealista, la ejecución tanto del dibujo como del color, debe ser exquisita y sin ningún tipo de error formal, (2 imagenes de ejemplo) de lo contrario, el resultado es pobre y atentan directamente contra su calidad. Otra cosa bien distinta es que exista una clara intención de recrear, estilizar o distorsionar al objeto en busca de un discurso determinado, en cuyo caso, estos aspectos quedarían velados y no serían analizados de la misma forma, algo que sin lugar a duda no es el caso que nos ocupa. Unido a esto hay que decir, que no solo importa la manera en que se realiza la obra, sino además y quizás lo más importante hoy en dia, es el discurso, idea o concepto que se pretende aportar con ella.

Y en esta exposición no es solo las carencias en los aspectos del oficio lo que según mi opinión resta calidad a la muestra; como ya he citado con anterioridad, la idea, discurso o concepto que acompaña a una obra, es un aspecto de suma importancia por el interés que mediante el, ésta puede despertar en el amplio publico, y en el caso de esta exposición, no existe una renovación de la iterativa idea o género del retrato.

La forma cantinflesca que el autor utiliza para explicarnos en el catalogo su propuesta, nos habla de un deseo de ser una cosa, que realmente no se ve sustentada con el resultado, los argumentos del discurso son realmente confusos, imprecisos e inconexos, así como aquellos otros, que de alguna manera vincula al uso de la fragmentación “retícular” de las composiciones de las obras, algo que también nos resulta simple y sobre todo, poco original por la utilización que este diseño ya ha tenido en el pasado, por parte de otros artistas en diversos momentos del arte y que a diferencia de Dalmau, estos lo han sabido desarrollar con mayor destreza, originalidad y audacia en su presentación.

Uno de los mas famosos y claro ejemplos en nuestros tiempos, donde apreciamos el uso de la retícula como propuesta formal vinculada al discurso de la obra, lo encontramos en los collage y grabados de David Hockney (imagen de ejemplo) a finales de los años 70 y principio de los 80 dando un nuevo impulso de la propuesta, gracias a técnicas innovadoras como: pasta de papel, fotografía polaroid, litografías fractales, fotocopia, imágenes faxeadas etc. Hockney toma como referentes obras de maestros antiguos y modernos, realiza retratos, autorretratos, trabaja sobre la perspectiva y la multiplicidad de los ángulos de visión. También encontramos este recurso de la retícula, en las obras de la joven fotógrafa suiza Cornelia Hediger (imagen de ejemplo) en su serie “Doppelgänger” donde la artista alude a la dualidad fantasmal del ser, en un claro ejemplo de arte concepto, o en las magnificas y recientes obras de uno de los grandes maestros del Hiperrealismo Norteamericano como Chuck Close (imagen de ejemplo) donde en sus últimos trabajos vemos como utiliza la retícula en un sentido próximo a la fragmentación del píxel en la imagen digital, para lograr un asombroso efecto de realidad fotográfica.

Teniendo en cuenta solo estos tres ejemplos (existen muchos más) solo me resta decir que la exposición de Paco Dalmau aunque con algunos elogiosos valores que ya he citado con anterioridad y que sin ninguna duda pudieran constituirse como un buen punto de partida, no deja de ser un claro ejemplo de la necesidad que debe tener siempre el creador (pertenezca este a cualquier rama vinculada con la imagen) al estudio y la investigación sobre lo que se quiere hacer en arte, y sobre todo, sobre lo que ya se ha hecho, para así recrear dentro de sus posibilidades una propuesta diferente. La búsqueda de la información y el análisis sereno que hagamos de ella, es lo que hace sólida la cultura, como ingrediente fundamental y necesario para medir la calidad profesional de un creador, ya que resulta muy decepcionante, que pensando en la novedad de haber “inventado la bombilla eléctrica”, alguien venga luego y nos diga, que ya existe hace más de 130 años, gracias a un señor que se llamó Thomas Edison.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Dos en Uno

2010-09-30T15:25:00.001+02:00

Estimados lectores:

Ya a punto de terminar este mes de septiembre quiero dedicar este artículo de opinión, a dos exposiciones que también están a punto de concluir la semana próxima, me estoy refiriendo a las de Marc A. Pérez Oliván, que se exhibe en el Centro Municipal de Cultura de nuestra ciudad, que como todo sabemos se encuentra ubicado en la calle Antonio Maura, 4 y a la de Clara Evangelina Socías, que en este caso la podemos encontrar en el espacio expositivo del Centro Cultural Castalia Iuris, ubicado en la Plaza Cardona Vives, 9.

Sin duda alguna, resultan muy diferentes estas dos exposiciones; en la de Pérez Oliván, se aprecia una clara intención e interés por los aspectos discursivos de la obra, así como un respetuoso cuidado en la manipulación de los aspectos compositivos, de factura, dibujo y color. Con marcadas influencias del Pop, en los tratamientos de las tintas planas y las escenas cotidianas, el espíritu del comic enfatizado por la línea de contorno negra que resalta la forma del objeto a veces esquemática y la clara influencia del surrealismo de Magritte, la muestra de Pérez Oliván resulta ser un conjunto de muy buena calidad y aun más agradable en su exposición.

Sin embargo en la de Evangelina Socías, solo encontramos “divertimentos” gestuales, sin ninguna otra personalidad y novedad en la propuesta, más que la que pudiese tener un simio al pintar, aunque en defensa de la ingenuidad del primitivo homínido debo decir, que además la autora nos la pretende vender por un módico precio, como así lo demuestra un rudimentario folleto que refleja este aspecto y que además acompaña a la muestra. Hubiera sido más digno y de recibo, que la autora se hubiese preocupado antes por aprender a pintar, que por tratar de vender sus anodinas “abstracciones”, aunque como ya sabemos hay gusto para todo, y por esa razón ojalá tenga éxito en la venta.

Resulta sin embargo muy curioso en esta exposición de Evangelina Socías, las incongruentes y particulares palabras de Ángel Tomey, que según adjunta a su rubrica, es Historiador de Arte, las cuales son exageradas en su valoración, desconcertantes en su análisis y en sumo muy elogiadoras hacia los resultados que apreciamos en la muestra, algo que de hecho no existe en la exposición ni por asomo, por mas voluntad que se quiera poner para agradar y quedar bien con la autora. Desconozco los motivos que han llevado al Sr. Tomey a realizar tal valoración, pero después de leer sus palabras, las cuales aparecen reflejadas en el simple “catalogo” de esta muestra (un sencillo folio) solo puedo poner en duda su análisis critico, sus conocimientos acerca del arte y sobre todo, y para mi lo más peligroso e importante, su sentido de la responsabilidad que como “experto” se debe tener cuando ejerce una critica que va a ser leída tanto por profesionales del ramo, como por el amplio publico neófito que visitan las muestras. Pienso sinceramente después de leer sus palabras en la hoja - catalogo, las cuales intentan (y creo que de alguna manera logran) ser portadoras de una belleza literaria, que el Sr. Ángel Tomey debería dedicarse más a escribir prosa y poesía, que artículos de critica y análisis de arte.

Para concluir decirles a todos ustedes que asistan a ver estas dos exposiciones, aunque está claro después de conocer mi punto de vista, que la finalidad de esta recomendación es diametralmente opuesta en las intenciones de deleite que van a experimentar cuando las vean, pero como dice el refrán, de todo se aprende.

Hasta la próxima entrega.

Amaury Suárez

Las "Benditas" obras de Jerónimo Uribe.

2010-09-26T15:36:00.000+02:00

Estimados lectores:

Con el titulo de “Benditas” un homenaje del lápiz al píxel, quedó inaugurada el pasado 21 de Septiembre y hasta el 16 de Octubre, en la sala principal del Centro provincial cultural “Las Aulas”, la exposición del pintor y escultor, Jerónimo Uribe Clarín.

La muestra de indiscutible belleza, exquisita factura y cuidada presentación, recrea imágenes digitalizadas de hermosas mujeres, que en sugerentes poses y actitudes histriónicas, prestan sus cuerpos desnudos, cual soporte de antropomorfos libros, donde aparecen escritos en luz, algunos textos poetizados que nos hablan de sensualidad, erotismo y amor. Jerónimo utiliza en esta ocasión, los recursos que ofrece el arte digital, que dotan a la muestra de una elegante frialdad, que el autor interrumpe en escasos ejemplos de collages, con la calidez e impronta de un tratamiento más tradicional de la técnica del dibujo y la pintura.

Si bien es cierto que tanto el recurso técnico del lenguaje, como el aspecto discursivo que el autor nos propone, no comprende una novedad en sí, pues desde aquellos creadores y pioneros del arte digital, como Charles Csuri, Herbert W. Franke y Robert Mallary entre otros, se ha visto mucho y muy bueno de este lenguaje y movimiento, resulta siempre muy placentero cuando se disfruta de ejemplos como esta beldad exposición, donde el protagonismo y casi veneración por la mujer, (el cual ha existido y se ha tratado desde el principio de los tiempos, tanto en la pintura, como en el arte en general) constituyen una hermosa propuesta, gracias a una clara preocupación por la suprema categoría estética de la bello y el cuidado respetuoso de los aspectos técnicos de la obra, manifiestos en esta ocasión, por la exquisita factura que tienen las técnicas digitales de impresión, las cuales aportan al resultado final de la obra, tanto un elegante acabado, como una singular belleza, muy acorde a la intención conceptual que el artista nos quiere transmitir.

Jerónimo Uribe, como creador incansable y metódico trabajador, le gusta sorprendernos y renovarse en cada propuesta que nos presenta, y es de agradecer, porque siempre provoca la indiscutible admiración de todos los que consideramos la búsqueda consiente y metódica en el trabajo, como un sólido valuarte tanto de las creatividad, como de la calidad de las propuestas. Hablar de Jerónimo Uribe Clarín, es hablar siempre de un referente de constancia dedicación y profesionalidad en todo lo que hace, ganándose ampliamente, el respeto y la admiración merecida, de todos aquello que le conocemos y disfrutamos con su obra. Enhorabuena maestro.

De más esta decir que recomiendo muy efusivamente a todos, visitar esta singular exposición.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Versión fallera contra el terrorismo.

2010-09-23T21:55:00.000+02:00

Estimados lectores:

Como ya ha sido anunciado por la prensa, una nueva escultura monumental de más de 29 metros de altura, realizada en acero y cobre, con un peso superior a las 36 toneladas, obra del único, omnipotente y omnipresente gran artista castellonense Juan Ripollés, será inaugurada el próximo dia 28 de septiembre en la rotonda de la Ronda Sur con la carretera de Almassora, en un acto al que acudirán (como no puede ser de otra forma y algo a lo que nos tienen muy bien acostumbrados, cada vez que se trata de inaugurar algo de este artista) las más selectas y engominadas autoridades políticas de nuestra comunidad, y quizás (como se ha hecho en otras ocasiones) a aquellos vecinos cercanos al lugar, que serán previamente convocados por correo, para que vayan a presenciar en el acto, a sus distinguidos protagonistas y mandatarios; sin duda el marketing oficial que acompaña a este singular artista, es todo un lujo.

En esta ocasión el tema de la obra responde al noble tributo que hace el creador a las victimas del terrorismo; erigiéndose como portavoz del sentimiento de todo un pueblo, y respaldado por el beneplácito de las mismas autoridades “competentes” que asistirán al acto y que en su dia, le encargaron el proyecto. Sin duda una noble causa, que pienso solo puede ser comparable en la magnitud del proyecto, el respaldo oficial y la intención de discurso, con el universal y siempre referente “Guernica” de Picasso, lastima que las comparaciones, siempre odiosas, ponen al descubierto entre ambas propuestas artísticas, la pobreza icnográfica y la falta de aportación creativa de la “nuestra”, que utilizando los maniqueos y relamidos recursos simbólicos de la paz, como las manos y las palomas, aparecen reviviendo en mi memoria, los gloriosos panfletos salidos de la extinta Unión Soviética, cuna de aquellas políticas culturales de exaltación, del incomparable realismo socialista.

Independientemente de la intención noble de la propuesta, que lo es, esta resulta trasnochada, poco elaborada, simplista y nada original, en cuanto a los recursos simbólicos e icnográficos utilizados en el motivo. Desde el punto de vista técnico, la pieza presenta un notable desequilibrio visual que hace que esta caiga hacia un lado, que se ve acentuado además, por el tratamiento del color en el material, es decir, el brazos que sostienen a las “estilizadas” aves, que por tradición y herencia cultural - religiosa, le atribuimos la imagen de “palomas”, pero que en realidad por su descripción formal en la pieza, estas pueden ser perfectamente golondrinas, gaviotas, tordos o periquitos australianos, presenta el mismo color “oxidado” que el artista insiste en repetir de manera equivocada en el mismo lado, remarcando aun más, tal desequilibrio. La distribución de los elementos del conjunto formando una “Y” invertida, refleja también una simple y elemental concepción de los aspectos no solo de anclaje, sino además compositivos, como queriéndonos decir, “voy a ponerle un brazo en el otro lado, para que no se me caiga el muñeco” lo cual resulta lamentable, tratándose de un monumento erigido, en tierras de grandes maestros falleros, que han sabido dejar constancia de su dominio técnico y audacia compositiva, con hermosas e impresionantes fallas en el periodo de fiestas, tanto en Valencia como en Burriana. Si esta escultura participara por su forma y tamaño, en un concurso de fallas, solo podría hacerlo si los miembros del jurado admitieran fallas de 4ta o 5ta categoría. Y a propósito del tamaño; en mi etapa de estudiante universitario (de esto ya hace algún tiempo) tuve un maestro que me decía que un artista siempre debía tener mucho cuidado a la hora de elegir los formatos en los proyectos en los que iba a trabajar, al preguntarle si la razón era por la complejidad para resolver las proporciones de los elementos en la composición, este me contesto de una manera escatológicamente ilustrativa, pero sin duda muy eficaz, que nunca más he olvidado, mi maestro me dijo: “una obra de gran tamaño, que no ha sido bien resuelta tanto en lo técnico-formal, como en el concepto del discurso, suele ser como una gran cagada, que mientras más grande es, mas huele” desde entonces procuro estudiar bien las cosas y hacer muchos bocetos antes.

Era de esperar, después de tantas “donaciones” que dicen ha realizado este artista en los últimos tiempos para “adornar” nuestra ciudad, que una nueva “creación” apareciera en cualquier momento. Y a propósito de donaciones, en esta ocasión, no sabemos aun (al menos no lo he visto escrito en las publicaciones consultadas) cual es el coste de la obra, si es una donación, o la hemos tenido que pagar entre todos, a mi particularmente me gustaría saberlo, como también me gustaría que tan monumental pieza, se correspondiera con una gran altura ética en la acción altruista por parte del autor y de las autoridades políticas, y que esta más que las otras, fuera donada, primero porque un sentimiento de solidaridad tan puro y sincero como al que hace referencia, no debería empañarse con aspectos dudosos que siempre acompañan al dinero, y porque además, los tiempos que corren no están para derroches, ni siquiera para financiar monumentos de tan nobles discursos. Aunque presiento, que la altura en este caso, solo la veremos reflejada en los más de 29 metros que tiene la pieza, y no en las acciones altruistas de los antes mencionados, aunque me gustaría equivocarme.

Resulta curioso y hasta molesto, como la historia con este artista se repite una y otra vez, por que ¿Quién sino el gran artista Ripollés sería el elegido para rendir este homenaje?, ¿Quién si no el gran maestro “cabrituno” sería el que ostentara el privilegio de levantar la más alta e importante obra de la ciudad, dejando cual enano de Blanca Nieves, al legendario Tombatossal de otro grande del terreno, como es el maestro Melchor Zapata?, ¿Quién si no el gran beato campechano, príncipe de las artes del pueblo de Castellón, el gran Ripollés Esteban, se pueda alzar con el merito de ser el elegido? Mientras tanto, el pueblo observa y calla inmutable, otro de sus “Ninots” que para mayor desgracia, siempre son “Indultats”, pues nunca han podido ser alimento del purificador fuego, quizás el tiempo y la historia sean los encargados, de la justicia que no han sabido hacer los hombres de hoy, particularmente, eso que dicen ser las autoridades “competentes” y que son los que ahora con actitud cesariana, deciden quien es, y quien no es, el próximo “elegido” para salir a la arena del circo.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez

Empiezan las exposiciones en Castellón.

2010-09-16T15:47:00.001+02:00

Estimados lectores:

Arranca septiembre y con él, la etapa de exposiciones de nuestra ciudad. La primera de todas, la exposición de Amparo Lacruz titulada “El Ser y el Tiempo” que quedó inaugurada el pasado 31 del agosto en el Centro Provincial de Cultura “Las Aulas” por el concejal de cultura el Sr. Miguel Ángel Mulet (en la imagen). Una exposición que a pesar de la cantidad de puntos rojos que acompañan a algunos cuadros de la muestra, es de línea muy aficionada y sin nada o poco que destacar a su favor. Quizás solo me reste invitar a la pintora que siga trabajando de manera incansable y de ser posible con algún tipo de asesoramiento, para que de ese modo pueda avanzar y ganar un poco mas de tiempo en su cometido.

En breve tendremos la oportunidad de disfrutar en ese mismo espacio expositivo, de una nueva muestra, en esta ocasión, de la mano del pintor y escultor, Jerónimo Uribe que espero sea motivo de disfrute e interesante propuesta.

La segunda muestra con la que contamos en este mes de septiembre, es la recién inaugurada exposición colectiva del grupo Beniart el pasado dia 14. en la sala Bancaja Hucha de la calle Enmedio 82.

A diferencia de las primeras ediciones colectivas donde el grupo contaba con un alto numero de miembros que exponían sin una criba necesaria para garantizar la calidad en la exposiciones, hay que reconocer que desde hace algún tiempo a la fecha, ha venido existiendo un proceso (no se si espontáneo o dirigido) de selección de las obras que van aportando en cada presentación un nivel muy bueno desde el punto de vista expositivo. Siempre he pensado que la calidad, hace importante y serios los proyectos y que la masificación quizás sea mejor para el deporte que para el arte, es por eso que me alegra comprobar que este grupo empieza a dar pasos muy sólidos en esta dirección.

La muestra que abarca obras de más de una docena de artistas es muy agradable, variada y de muy buena calidad en su conjunto, algo que nos permite disfrutar del espacio y permanecer de una forma agradable en él.

Son merecedores de destacar en esta muestra la obra de Fernando Kindelán, (en la imagen) con su acostumbrado fotorealismo, la de Rosana Asensio con una serie de obras matéricas de figuración muy sugerente, la de Julia Carreguí, (en la imagen) con una mirada muy poética y naturalista del paisaje, la de Santiago Tena, con una obra de controlado cromatismo y expresionista en su tratamiento, la de Sylvia Ordóñez, con una imagen de gran intimidad hogareña, de gran preocupación por los acabados y el dibujo, y la de Inmaculada Muedra, con su particular visión calmada y siempre reflexiva del paisaje, entre otros pintores que también exponen en la muestra.

La escultura también esta presente en la exposición y son de destacar las obras del siempre entusiasta y emprendedor, Pepe G. Personal, (en la imagen) con su particular Dadaísmo, muy vinculado también al Arte Povera, la escultura naturalista de Víctor Manuel Delgado, que aportan gran belleza por las escenas recreadas y la cerámica de Isabel del Portillo, con sus hermosas piezas.

El septiembre cultural en Castellón, empieza con interesantes expectativas en sus nuevas propuestas y exposiciones, y como siempre con sus luces y sus sombras, pero sin duda el primer candil pertenece esta vez al grupo Beniart, con esta exposición.

Hasta la próxima entrega

Amaury Suárez